——专访男中音歌唱家、上海音乐学院院长廖昌永
温和是廖昌永传输影响力的履带。
他用温和架起一座桥，实现自己想要的沟通——用歌唱沟通艺术与人心；用人们喜闻乐见的综艺节目，填平高雅艺术与大众文化之间的沟壑；在上海音乐学院这个他“20岁进来后就再没出过门儿”的地方，承上启下中国的声乐教育；用诗书画乐融为一体的艺术歌曲形式，实现东西方文化基于理解与欣赏的对视……
时间与空间的纵横之间，沟通者廖昌永，努力让艺术之音“声入人心”。
并不奢望所有人爱上美声
美声，起源于17世纪的意大利，以音乐优美、发声自如、音与音连接平滑匀净、花腔装饰乐句流利灵活为特点。经历了数百年的发展，美声成为歌剧发展的一个重要的历史时代、一种独特的音乐和歌唱风格。
然而，正因历史悠久，加之演唱难度大、专业要求高，在中国乃至全世界范围内，美声始终是高雅音乐的代名词，疏离于大众。美声演唱者的形象也日益固化——声音浑厚、体型较大，总是穿着隆重的礼服，唱着观众听不懂的语言……
改变发生在2018年。在一档名为《声入人心》的电视节目中，美声第一次以综艺的形式被推到大众面前。颜值与实力俱佳而又个性十足的美声新生代们，或是演绎经典，或是将流行音乐改编成美声唱法，令人耳目一新。
“圈粉无数”的，除了这些美声新生代，还有“反差萌”的廖昌永。节目中，他的点评深中肯綮而又深入浅出，有时他会在台下忘情跟唱，更多时候观众会听见他爽朗浑厚的笑声……
藏青中式褂衫，飘逸长发中藏着少许白色，金丝眼镜配以“37摄氏度”的微笑，在出发录制《声入人心》第二季的前一天，我们见到了廖昌永，这位近来因节目而被网友戏称为“最受年轻人喜爱的老艺术家”。
解放周末：收视率、点击量、话题热度似乎一直是包括美声在内的古典音乐难以逾越的三座大山，阻碍古典音乐与当下、与年轻人握手。您希望古典音乐像流行音乐一样普及吗？
廖昌永：这要看你们怎么定义普及。无论是音乐家还是老百姓，有意无意间，总在切割流行音乐和古典音乐，似乎这是一个非此即彼的问题，实际上，两者并不矛盾，今天的古典音乐，曾经也都是流行音乐。流行，说明它受到大众喜爱，是大众的喜爱让它留存了下来，成为今天的古典。
当然，相比今天的流行音乐，古典音乐在演奏、演唱上需要更高的技巧，需要长时间的专业训练；欣赏时需要听众、观众有很好的艺术修养和文学修养。人们唱歌总是从模仿开始的，流行音乐相对来说容易模仿，而模仿美声是不容易的。准入门槛比较低，自然就更容易被大众和市场所接受；准入门槛比较高，可能会在艺术和受众之间造成一定的隔阂。我们努力在做的就是消除这种隔阂，尽管很难。但我坚信，能够流传千古的好音乐，它一定是雅俗共赏的。
解放周末：您的这种努力是不是也包括加入《声入人心》？在这个节目成功之前，人们很难将美声和综艺联系在一起，当时加入这个节目，您不觉得是种冒险吗？
廖昌永：《声入人心》找到我的时候我是有顾虑的，担心他们把它做成一个纯娱乐的节目。但当导演组专程来上海和我聊后，我发现彼此的思路是高度契合的，就答应了。
现在的电视节目同质化太严重，音乐节目几乎全是流行音乐，而且看来看去就那么几个人。“好声音”当然是需要的，但我特别希望也能有“好歌剧”“好戏曲”，而不是只有单一品种。
我们通常把“Bel Canto”译作“美声唱法”，其实它的原意是“美好的声音”，不是单纯讲发声技巧。我一直希望能有一个媒介，可以让大家真正了解Bel Canto，这是我接受《声入人心》邀请的初心。
解放周末：大家觉得节目里的您特别接地气。
廖昌永：我从没想过要端学者、老师的架势，歌唱家和观众要相互信任，建立一种平等互信的关系，我所表达的就是我心里真实所想的。
解放周末：很多人因为您而关注了节目，因为节目而喜欢上了美声。节目、选手，还有您和其他出品人，糅合成了一种特殊的魅力，正在让越来越多的人了解美声、喜欢美声。
廖昌永：但愿是这样，我也很高兴能是这样。一种艺术不可能得到所有人的喜欢。有位老艺术家讲过：作为一名艺术家，要是有50%的人喜欢你，说明你是不错的；有60%的人喜欢你，说明你是成功的；有80%的人喜欢你，说明你获得了巨大的成功；要想100%的人喜欢你，那是不可能的。
我并不奢望所有人爱上美声，有那么一部分人愿意去了解美声，也许就此喜欢上美声，就很不错了；也不是说喜欢美声就一定要能唱美声，仅仅是喜欢听，不也很好吗？
关键还是在于沟通和打动人心
回溯廖昌永三十余年的艺术生涯，1996年到1997年的那段日子一定是他人生的高光时刻：在不到两年的时间里，他连续夺得“第41届图鲁兹国际声乐比赛”“多明戈世界歌剧大赛”和“挪威宋雅王后国际声乐大赛”三项大赛的第一名，创造了中国歌唱家在世界高水准、权威性赛事中连续夺冠的奇迹。之后，廖昌永又与诸多世界级大师和交响乐团合作，走上世界舞台，成为中国乃至全世界最杰出的男中音歌唱家之一。
“开心的时候我唱歌，不开心的时候我也唱歌，心里的纠结、生活的磨难都随着歌声飘散了。”廖昌永曾经这样述说自己对歌唱的热爱。正是这份热爱，联结了他的过去、现在和未来。
1968年，廖昌永出生于四川成都郫县的一个普通农民家庭。7岁那年，父亲因病突然去世，留下母亲一人抚养他和三个姐姐。是偶然从村头喇叭里传出、穿透整个山村的音乐，给廖昌永灰暗的童年带来光——那是多明戈的《我的太阳》。
一次便是一生。对美声的纯粹的热爱，从此填满廖昌永的大半生。而随着艺术修养的步步提升和人生阅历的日渐丰满，今天的廖昌永，对这份热爱有着更深的思考。
解放周末：您努力搭建美声与大众之间沟通的桥梁，希望更多的人了解美声、喜爱美声，这种分享的欲望一定来自您自己对这种音乐形式的特别感受吧？
廖昌永：我有一位好朋友乌兰托嘎（著名蒙古族音乐家，曾创作《父亲的草原母亲的河》《天边》《呼伦贝尔大草原》等歌曲），我们聊天时他说，艺术创作分三个层次：第一层是与观众对话，我唱给你听、表现给你看；第二层是与心灵对话、与自己对话；第三层是与天地对话，天然去雕饰。
我很赞同他的话，我唱歌的时候，感觉是在与自己、与音乐、与天地对话，让歌中的情绪走进我的内心，我也把自己的情绪在歌声中释放出来。歌曲就是在艺术和人心的沟通中被创作出来的，歌唱是对歌曲的二度创作，重要的也是艺术和人心的沟通。
解放周末：很多歌曲，尤其是美声的经典曲目，其创作年代离我们很久了，会不会难以沟通今天的人心？是否要在创新上加把力？
廖昌永：有位画家曾把传统比作活塞，把创新比作蒸汽。他说，蒸汽机在活塞和蒸汽相互作用时才能转动，如果活塞太强、蒸汽不给力，蒸汽机就转不起来；反之，蒸汽太强、活塞不给力，即使蒸汽乱喷，蒸汽机也转不起来。艺术也是一样。我们都说笔墨当随时代，但创新不能不尊重传统，不能不管不顾地往前走；当然，墨守传统不创新也是不行的，因为创新代表了前进的方向。
我们要支持创新，但不能要求每次创新都“开花”，就算做的很多是无用功，也要允许它、培育它，让它成长一段时间看看。
解放周末：那怎么衡量创新的方向对不对？
廖昌永：沟通人心、打动人心，这把尺子不会变。艺术的最终目的一定是服务社会，成功的创新也一定是契合大众需求的。我前面说过，歌唱是对歌曲的二度创作，这里面是有空间的，今天的歌者演唱经典曲目，他依然有创新的机会，关键还是在于沟通和打动人心。至少我自己的经验是这样的。
希望舞台上不只我一个人在歌唱
1988年夏季的一天，廖昌永坐了两天两夜火车来到上海，下车时大雨正滂沱。舍不得脚上妈妈新做的、也是他唯一的一双布鞋，他脱下鞋塞进背包，赤脚走进了学校——这在农村再平常不过的一幕，若干年后，成了上海音乐学院一个经典的励志故事。而上海音乐学院也改变了廖昌永的人生轨迹，用他自己的话说，“进了汾阳路20号，就没出过这个门儿。”
了解廖昌永成长经历的人都知道，他的成功，除了天赋与勤奋，还有一个关键要素——恩师。无论是家乡的声乐启蒙老师周维民，还是后来在上海音乐学院遇到的两位老师——罗魏与周小燕，都给予了廖昌永专业上、生活上，乃至人生道路上最无私的指导和帮助，尤其是周小燕先生。
廖昌永对老师的感情亦十分深厚，在许多场合，只要提及老师，他从不吝啬表达自己的感恩与想念。至今仍被人常常忆起的，是在2005年周小燕的学生们为她在上海大剧院举办的一场音乐会上，时任上海音乐学院声乐系主任的廖昌永在台上唱了一首《老师，我总是想起你》。演唱中他数度哽咽，几乎泣不成声。
今天的廖昌永，接过老师们的衣钵，成了别人的老师，在汾阳路20号，承上启下着中国的声乐教育。
解放周末：有人说，如果一个人曾被世界温柔以待，那他一定也会温柔以待这个世界。从学生到老师、到上海音乐学院院长，您如何传递这份师生温情？
廖昌永：我的老师们无私地把自己的经验传授给我，让我少走了许多弯路，这种传授，伴随着深厚的爱。当我只是个歌唱家时，我或许不会想太多，但自从从事教育工作后，角色的转换让我更丰富了，我需要更认真地思考，如何把我从老一辈歌唱家那里得到的经验和爱传递给下一代。
老师是我一辈子的职业，我希望每届学生都能成才，希望舞台上不只我一个人在歌唱，而是百个、千个、万个人在歌唱，而且唱出各自的特色。
解放周末：去年和前年，您都在“上海之春”国际音乐节上举办中国艺术歌曲主题音乐会，广受好评。但在今年的音乐节上，我们发现，您把独唱改为了“众唱”，带着首届中国艺术歌曲国际声乐比赛的获奖者们一起登台。
廖昌永：有粉丝为我感到可惜，但带动更多年轻人参与到一起，让我产生更强烈的成就感。
一枝独放不是春，百花齐放春满园。通过比赛发掘、帮助更多年轻人加入推广、演唱中国声乐作品的队伍；见证更多音乐家从“上海之春”的平台走向全国、走向世界，幸福感比自己一个人在台上获得成功更强烈。我愿意、也甘于做年轻人的绿叶。
解放周末：您怎么评价您的这些学生？
廖昌永：他们都在努力学习，在学习中丰满、夯实自己，提升自己的修养，以自己的传统文化为底色，展开和国外同行的交流。
今天的年轻人和我们当年所经历的很不一样。我是农村孩子，很能理解一些歌中所唱的那种面朝黄土背朝天的艰辛，而我的学生们大都是城里长大的孩子，不能理解这些。但你不能把自己的感受硬塞给他们，而要不断去启发他们，让他们把内心最真实的情感焕发出来，这样唱出来的，才是他们自己的歌，才符合这个时代的气息。这是今天做老师必须要做好的一个工作。
让更多人为中国文化感动
登上国际舞台后，世界各大一流剧院、乐团不断抛来橄榄枝，虽然廖昌永会与他们合作演出，但他的根始终在上海、在中国。
这样的决定，源于很多类似这样的挽留——“希望你能够立足中国，放眼世界。国外需要优秀的艺术家，国内的观众同样需要。”
这样的决定，更源于内心这样的声音——我是“中国制造”的歌唱家，我要把国外的优秀作品带回国内，更要把中国的优秀作品送出国门。
无论是作为歌唱家，还是作为老师、系主任、副院长、院长，廖昌永从未放下沟通东西方艺术与文化的责任。
今年1月3日，在瑞士日内瓦的让-佛朗索瓦-巴托洛尼街沙龙剧院，“中国古典诗词与书画——廖昌永中国艺术歌曲独唱音乐会”的首演吸引了世界的目光。在这场音乐会上，廖昌永演唱了16首不同时期、风格、题材的中国古典诗词艺术歌曲，还邀请汪家芳、丁筱芳两位书画大家，根据歌曲意境创作了书法、绘画作品各16幅，以及2件瓷器。极具中国传统意蕴的书桌、瓷器、书画被搬上国际舞台，诗书画乐之间的精妙对话，呈现给了西方观众一场鲜活的中国文化视听盛宴。
音乐会结束后，有外国观众感叹：“我从未听过如此特别、美妙的音乐会，这是我第一次感受到中国艺术的含蓄之美、宽广之怀，我为中国文化感动。”
解放周末：继日内瓦首演之后，当地时间5月7日，“中国古典诗词与书画——廖昌永中国艺术歌曲独唱音乐会”又在维也纳这座音乐之都举办了第二场，6月7日、11日则在德国演出。相对于德、奥、法、意等西方经典艺术歌曲，中国艺术歌曲唱起来的感觉怎么样？
廖昌永：中国人唱中国艺术歌曲，那是从心底流淌出感情来。在我还是学生的时候，我就有创作和演唱中国艺术歌曲的想法。因为那时我们去国外比赛，唱的都是德、奥、法、俄、英文的艺术歌曲，发音准不准是一个很重要的评分标准。我就想，什么时候比赛曲目里有我们中国的艺术歌曲就好了。
其实，自1920年中国第一首艺术歌曲《大江东去》诞生，上海音乐学院一直是中国艺术歌曲的创作重镇，作曲家萧友梅、黄自、谭小麟、贺绿汀等，在艺术歌曲历史中都赫赫有名。近年来，我筹划了“中国艺术歌曲百年”系列，带着上音团队，专注于中国艺术歌曲的挖掘、整理和推广，我们要继承和发扬上音的传统。
解放周末：诗书画乐，四种不同的艺术形式，各有各的艺术规律与表现手法，如何做到丝丝入扣、浑然天成？
廖昌永：中国艺术歌曲从诞生开始，就是西方音乐形式与中国诗词的结合，诗歌中有韵律，音乐中有诗意，像一对般配的夫妻。
当然，西方人在理解东方文化时，确实存在一定的难度，中国的诗词讲究禅意，中国的书画在黑白之间变化无穷，如果直接搬到国外，西方人很难看得懂。但当它们和音乐，尤其是和西方音乐形式相结合时，就能交相映证、互为补充。我们会在音乐会开始前，先请观众到音乐厅外的展厅，欣赏陈列在那里的字画、瓷器等东方艺术品，然后再进音乐厅，欣赏中国艺术歌曲。舞台上的一桌一椅一书一画，也都是根据歌曲内容量身定做的，观众边听边看，浸入式地体验中国传统审美。
解放周末：未来您还会做哪些尝试？
廖昌永：先踏踏实实地把眼前的事做好。不管未来怎样，我都会坚持一个目标——吸引更多人，培养更多人，不断地把国外优秀文化引进来，不断地把中国传统文化展示出去。廖昌永
1968年生于四川成都郫县，著名男中音歌唱家，上海音乐学院院长、博士生导师。曾连夺“第41届图鲁兹国际声乐比赛”“多明戈世界歌剧大赛”“挪威宋雅王后国际声乐大赛”三项大赛的第一名，创造了中国歌唱家在世界最高水准和权威性赛事中连续夺冠的奇迹。
