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  当前位置:音乐漫步

·上海长宁:群文的天空繁星闪烁

2019-09-22 13:03:23

  作为集中展示上海群众文艺创作成果的平台,2019年上海市群文新人新作展评展演日前发榜,上海市长宁区群文创演的成绩单颇为亮眼:选送的8个作品参赛,内容涵盖舞蹈、音乐、曲艺三大门类,最终获得优秀新作奖5个、新作奖3个,在全市参赛队伍中名列前茅。

  群文创作是一个地区文化繁荣的重要标志。长宁区此番获奖,让组织者和演出者欣喜不已:从最初参赛名额不满的忧虑,到参赛作品全部获奖,再加之民乐重奏《和-鸣》不久前摘得群星奖,这是长宁在打造国家公共文化服务体系示范区的大背景下,全区群文创作进入高产优质发展佳境的具体表现,也是在群文创演方面向百姓交出的一份满意答卷。

  从现实生活中汲取创作养分

  长宁区近年来在音乐类群文创作领域堪称异军突起,区文化艺术中心创作的《和-鸣》获得群星奖,此次展评展演长宁区又选送了4个音乐作品,后劲十足。

  “长宁区一直很重视群众文化,首先在经费上予以支持,同时也给予创作者更多自由。”据长宁区文化艺术中心主任叶笑樱介绍,今年年中,区文化艺术中心刚发布新的创作召集令,只要有创作想法和创作题材的都可以来应征,申报选题一旦被选中,各方面工作都会得到相应调剂。在群文创作方面,区文化艺术中心重视的是百姓需求导向,创作要贴近百姓,创作者要深入生活,要克服浮躁情绪,提倡精心打磨。

  评委会主任、原上海市文广局艺术总监马博敏认为,群文创作的优势在于以小切口反映大时代。因此,群文作品要懂得扬长避短,即以叙事、情感之长,弥补非职业群体的表演之短。

  作为器乐类作品,国际范儿十足的《和-鸣》选用中国古琴、竹笛、大鼓等乐器和来自澳洲、非洲的乐器合奏,演绎出和谐动听的旋律,让不同国家和民族的多元音乐文化碰撞共振,呈现出“美美与共”的音乐享受。

  《和-鸣》主创叶笑樱认为,创作虽需要灵感,但群文创作不是个人的事。长宁区文化艺术中心没有创作部,只有创作小组,平时大家在各自部门从事不同的工作,在广泛接触社会、深入了解生活,并产生创作灵感和念头后,即进入群策群力的程序。

  《和-鸣》的创作灵感源自长宁区一个热爱音乐的普通家庭。叶笑樱说,这个四口之家珍藏了大量乐器,时不时会用各式各样的新奇乐器举办小型音乐会。受这个“爱乐之家”启发,主创在《和-鸣》里也用了很多新奇有趣的乐器,既有手碟这样的新型乐器,又有来自澳洲的古老乐器笛吉里度管。“无论来自哪里的文化,上海总会予以包容,这就是海派文化,也是我的创作理念。”叶笑樱说。

  近年来,长宁区的群文创作出现了一个可喜的现象:尽管各种原创作品主题与表现形式不一,但不约而同地将目光投向火热的现实生活,用群众喜闻乐见的形式记录这个时代、表现百姓情感。此次长宁区实验小学合唱团演绎的情景小合唱《因为有你》就是难得一见的儿童歌曲,采用儿童的语言和视角,展示了二胎家庭的手足之爱、骨肉之情。

  从“新品”变为“优品”没有捷径

  群文作品要完成从“新品”到“优品”的华丽转身,没有任何捷径可走,唯有在现实的“土壤”里埋头“精耕细作”——这是长宁区群文工作者多年来的切身体会。

  在这次新人新作展评展演舞台上,新泾镇田野合唱团演绎的歌曲《我的歌声我的梦》颇引人关注。“其实,这个节目一直到临近比赛,我们还没确定到底要不要上。”词作者叶笑樱透露,这首歌的创作初衷源于瞻仰龙华烈士陵园的活动。作曲孙彬彬在一座无字丰碑前伫立良久,感慨万千,回来后思如泉涌,一首深情的歌曲随即诞生。

  然而,演绎这首歌曲的是一支平均年龄超过70岁的老年合唱团,在演唱技巧方面难免有一定局限。主创人员不由得纠结起来:到底是作一般修改还是推翻重来?思来想去,他们毅然抛弃了孤芳自赏的私心,选择为老人们重新量身定做,从而让作品产生了质的飞跃。歌曲不仅激发起演唱者对青春的回忆和对祖国的深情,也以真挚的感情打动了台下的观众和评委。

  相声作品较长时期都是新人新作展评展演的“弱项”,天山街道社区文化活动中心选送的《我带你跑》却表现亮眼,成功跻身“优秀群文新作”之列。这个作品以长宁区的半程马拉松赛事为依托,体现了当今市民热衷体育运动的崭新风貌,展现了上海作为国际大都市的无限活力。节目从创意萌芽到围绕创作主题反复推敲,从不断修改打磨再到投入排练参赛,区文化艺术中心邀请的专家始终予以关注、全程悉心指导。

  让市民共享群文创作的累累硕果

  上海市文化和旅游局巡视员王玮说:“历届群星奖的评选,都能看出老百姓对高质量文艺作品的渴求。获奖不是目的,百姓满意才是。优秀的群文作品不能束之高阁,而要从群众中来又回到群众中去。”为了体现这一点,获奖后的《和-鸣》顾不得庆贺,立即打点行装,踏上了惠民巡演之旅。面对基层群众的实际需求,长宁区文化艺术中心特别推出了时长60分钟的《和-鸣》导赏版,并将首秀带到了北京西城区第一文化馆。海派的群文精品也收获了北京观众的喝彩和掌声。

  长宁区文化和旅游局副局长陈丰表示,让市民共享国家公共文化服务体系示范区的创建成果,为百姓提供更多优质的公共文化产品,是大家始终追求的工作目标。长宁区文化艺术中心不仅是面向全区的公共文化服务平台,也是全区群文创作的集合平台和展示平台。“我们要秉承‘精心、精彩、精品’的创作理念,完善融‘选苗、育苗、出苗’于一体的群文新作创作体系,使原创节目的数量和质量逐年提升。下一步,我们准备组织一场获奖作品惠民展演,作为对长宁群文创作的一次集中检阅和向全区百姓的集中汇报。”陈丰说。

·《乐队的夏天》之后,我们重新认识“乐队”

2019-09-22 12:48:50

  音乐综艺《乐队的夏天》成为近来大众热议的话题。它与过往十余年间循环于观众眼前的其他音乐综艺节目最大的不同,在于以乐队而不是歌手为核心展示对象。其中的31支乐队,覆盖了朋克、金属、放克、民谣、爵士等多种音乐体裁,展现了多样的音乐形态;作品意涵丰富,兼具文化参与意识与思想深度;与已习惯了综艺套路的歌手们相比,乐手们的言谈举止也更真诚可爱。

  乐队这种形式,与过往音乐综艺中以歌手演唱为主的呈现方式相比,具有审美品格上的差异。歌手比赛往往以翻唱他人作品为主,留给音乐人自己的艺术创作空间有限,而《乐队的夏天》中大部分为乐队原创作品,在作词、作曲、编排、表演各方面拥有广阔的自主空间,乐手的美学追求和艺术个性得以表达得更为充分。即使节目中安排了翻唱比赛环节,很多乐队也是借此展示创作能力,不只表现为把原作改编为乐队标志性风格的重新演绎。更有一些乐队有意把原创作品和翻唱歌曲进行巧妙嫁接融合,产生独特“化学反应”,实质上达成了新的原创。

  乐队的这种原创能力,与乐队本身的组织方式息息相关。乐队一般都是由志趣相投的乐手自由组合,通过长期磨合产生音乐思维的共鸣和艺术旨趣的碰撞,这也正是创作灵感的来源和独特风格的保证,正所谓“乐队是长出来的,不是凑出来的”。节目中也出现过个别临时拼凑的“练习生乐队”,但与自然“生长”出来的乐队不可同日而语。同样,我们很难想象歌手比赛中常见的“行活儿乐手”组成的伴奏乐队,在这个舞台上会表现出多少艺术上的原创性。

  乐队的原创性、自然组织性,意味着其作品可能会部分地超越商业市场的制约,在形式上更为艺术化、个性化,在内容上更广泛涉及较为深刻的题材,而不限制于风花雪月的狭义感情表达。这一点,在《乐队的夏天》中九连真人、刺猬等乐队的作品中体现得尤其充分。

  乐队的种种特质,使《乐队的夏天》拥有了与其他“综艺味”浓厚的音乐真人秀节目不同的气质,而它是否真的为乐队带来“夏天”,也成为节目内外都颇受瞩目的话题。节目中关于乐队生存状态的讨论一直没有停止过。新裤子乐队在歌中怒吼“我不要在失败孤独中死去,我不要一直活在地下里”,直观地反映出众多摇滚乐队窘迫的现实处境。在眼睁睁地看着民谣、嘻哈等独立音乐的难兄难弟破土而出后,处境还较艰难的乐队也冀望有翻身的一天,他们在节目中毫不掩饰对于圈粉、成名的企图心。如今,第一季的乐队“Hot 5”已决出,几支顶级流量乐队纷纷接到商业代言,节目捆绑的巡回演唱会票价高企,几倍于以往音乐节演出却依然一票难求。貌似乐队的确是火了。不过,少数乐队的“夏天”,是否能让乐队文化真正起势,依然要打个问号。

  首先,与一些大牌乐队相比,活在更低处的“野生”乐队难以计数,《乐队的夏天》这股热风吹拂到它们的机率能有多少?即使只看节目上露面的31支乐队,头部与长尾之间资源配比的巨大差异,正是马太效应在流量时代的表征。故而不难理解,节目刚刚结束,留在我们视野中的乐队已然不多了。

  其次,在突如其来的金钱和盛名之下,先“富起来”的这部分乐队能守住做音乐的初心吗?他们能调和商业市场侵袭和自身艺术追求之间的矛盾吗?不算太长的流行音乐历史上,已经出现了太多一朝成名便江河日下或分崩离析的先例。当然,没有理由责怪乐队想要改善生活条件的愿望,只是希望在乍富之后,它们的初心仍在,仍然能写出好歌。

  黑豹、唐朝等乐队在25年前曾经代表中国流行音乐的高峰,但愿,《乐队的夏天》之后,乐队重整旗鼓能迎来契机。

·能发掘出多位未来音乐之星

2019-09-22 12:45:42

  9月10日,第三届珠海莫扎特国际青少年音乐周开幕音乐会在珠海华发中演大剧院上演,标志着本届音乐周正式拉开帷幕。来自25个国家和地区共108名青少年演奏者将在为期两周的音乐周期间在钢琴和小提琴两个项目的三个不同年龄组别中进行比拼,并将决出最终优胜者。

  音乐周的开幕音乐会由小提琴演奏家拉瓦尔德-斯库-拉尔森领衔的萨尔茨堡独奏家室内乐团担纲演奏,这支享誉世界的室内乐团也将在本届珠海莫扎特国际青少年音乐周决赛阶段为选手们进行协奏曲曲目的伴奏。在开幕音乐会上,彼得-阿库洛夫、蔡珂宜等2017年第二届珠海莫扎特国际青少年音乐周获奖者与萨尔茨堡独奏家室内乐团上演了维瓦尔第、巴赫等作曲家的多部作品,展示了历届参赛者的高超水准。

  在开幕音乐会之后的9月11日至9月21日期间,钢琴和小提琴两个项目的选手按照年龄分成三个组别进行初赛、复赛和决赛。作为以著名作曲家莫扎特命名的音乐周,选手的演奏曲目中突出了莫扎特的音乐作品。本届音乐周的专家评审委员会延续了前两届的强大阵容,不仅有帕维尔-吉里洛夫、西尔维娅-马尔科维奇、伊娃-库比克等著名演奏家,也有鲍里斯-库什尼尔、保罗-罗切克、克劳斯-考夫曼、童卫东、韦丹文、江晨等国内外著名音乐学院的教育家们。

  珠海莫扎特国际青少年音乐周由珠海市人民政府与萨尔茨堡莫扎特音乐与表演艺术大学联合主办,珠海华发集团承办,音乐周移植和借鉴了创立于1975年、至今已成功举办了12届的萨尔茨堡莫扎特国际音乐比赛,首届珠海莫扎特国际青少年音乐比赛于2015年在珠海举办,并在此后每两年举办一次。作为一项面对青少年音乐学子的音乐赛事,珠海莫扎特国际青少年音乐周旨在拓展不同国家的年轻音乐学子的艺术视野,促进相互交流和展示,以此对他们的学习和今后的艺术生涯起到积极的推动作用。

  除了评委的知名度和国际影响力,参赛选手的水平也是衡量一项音乐比赛是否具有艺术水准和国际影响力的重要标准。值得骄傲的是,在前两届的赛事中涌现出了许多国际乐坛的“明日之星”,如在首届比赛中获得冠军的中国青年小提琴家何子毓参赛时年仅16岁,在此后至今的4年中,何子毓又先后在萨尔茨堡莫扎特国际音乐比赛、梅纽因国际青少年小提琴比赛中获得冠军,并受邀同维也纳爱乐乐团等著名乐团进行了合作。而不久前在举世瞩目的柴可夫斯基国际音乐比赛中获得亚军的日本青年钢琴家藤田真央也是2017年第二届珠海莫扎特国际青少年音乐周的获奖选手。而本届音乐周开幕音乐会的独奏之一、年仅12岁的新加坡小提琴才俊蔡珂宜去年也一举夺得过梅纽因国际青少年比赛的冠军。此外,在意大利布索尼国际钢琴比赛、埃特林根国际青年钢琴比赛等重要国际音乐赛事近两年的获奖者中也均有曾在珠海莫扎特国际青少年音乐周崭露头角的青少年音乐学子。可以说,在珠海举行的这一青少年音乐活动已经成为了国际上极具艺术水准和影响力的赛事之一。

  据了解,本届珠海莫扎特国际青少年音乐周进入到决赛阶段的各国青少年普遍为同龄音乐学子中的佼佼者,本届音乐周钢琴专家评审委员、小提琴项目艺术总监、奥地利青少年音乐比赛联盟主席保罗-罗切克表示:“评委们在初选时便已经感受到了本届音乐周选手的水平之高,许多选手都来自美国茱莉亚音乐学院、英国皇家音乐学院、维也纳音乐与表演艺术大学、莫斯科柴可夫斯基音乐学院、中央音乐学院、上海音乐学院等世界顶尖音乐学府及附属中学,并且不乏此前已经在其他著名国际音乐比赛中获奖选手,我们非常期待在现场聆听到这些青少年音乐学子的演奏,相信本届珠海莫扎特国际青少年音乐周将如同前两届一样,能发掘出多位未来的音乐之星。”

·亲子类演出受欢迎 户外音乐节“出圈”

2019-09-22 12:39:14

  ——暑期现场演出市场观察

  观察今年暑期的现场演出市场不难发现,大麦网、摩天轮票务、保利票务等平台均推出了“暑期档”活动,如大麦网推出“热力GO现场”暑促活动,集结8个品类的550余场演出;摩天轮票务增加了暑期热门的亲子类演出和音乐节、演唱会的宣传力度;首次涉足演出领域的首创朗园在7月推出为期两天的“棱镜mini戏剧节”……

  暑期档:现场演出的消费档期

  “暑期历来是现场娱乐的消费旺季,但行业内缺少一个加速器推动其成为‘风向标’,所以今年暑期我们做了一系列活动,集中调度优质演出资源和优惠权益,推动形成现场娱乐业的消费档期。”大麦网平台运营中心总监张媛媛说。她所说的“系列活动”指的是由60个演出品牌参与的暑促活动,包含演唱会、话剧、歌剧、音乐会、体育、儿童亲子、展览、芭蕾等类别,从7月3日持续至8月11日。

  数据分析显示,每年的6月至8月都是演出市场旺季,演唱会、音乐节、休闲展览多集中于这个时段。以2018年6月至8月为例,大麦网在售演出3.9万场,占全年总场次的37%,现场观演人次达到220万,演出覆盖全国281个城市;其中,演唱会观演人次高达100万,占整个观演群体的45%。“受强劲的用户需求和现场娱乐演出周期的影响,暑期成了一个演出高峰和票房高峰,品类扩张和用户下沉给市场带来了新的增量。”张媛媛认为,演出市场暑期档将成为拉动文化消费的新动力。

  据大麦网统计数据,今年7月1日至8月31日,日活跃用户数量和单日成交量均创历史新高,2703个项目参与暑促;在售项目票房同比2018年同期提升14.3%,其中专业剧场票房同比提升44%,度假休闲品类票房同比提升53%,体育比赛项目票房同比提升118%。在购票用户方面,专业剧场、度假休闲品类、体育比赛的购票用户数分别同比提升45%、58%、51%。

  “最近几年,业内一直在提暑期档,我们去年的年度报告也专门提到,暑期档、新年档已逐渐成为业内普遍重视的档期。”中国演出行业协会秘书长潘燕告诉记者,作为汇集不同剧院、不同机构演出项目的综合性聚合平台,大麦网面向消费者提出暑期档的概念更容易引起消费者关注,这好比“双11”——淘宝推出消费节的概念,商家响应,消费者得到实惠,带动消费。

  家庭观众成暑期档消费主力军

  “暑期的亲子市场始终是票房主力,因此我们倾向于选择寓教于乐的天文、地理、当代艺术、雕塑、多媒体交互等演出内容。”摩天轮票务负责人说。因此,改编自经典童话故事的音乐剧如百老汇原版音乐剧《绿野仙踪》、大船文化亲子剧等成为票务平台优先推送的项目。

  “现在中国家庭的消费能力逐渐增强,精品儿童剧正在慢慢找到自己的市场,特别是一、二线城市的家长,对亲子剧的要求越来越高,不仅希望剧目内容能对孩子起到正向教育和引导作用,也希望舞美、布景等能给孩子营造出认识美、感知美的环境。”大船文化董事长尤兴华说。

  “孩子放假了得有些学习之外的活动,外出旅游是一种方式,就近看演出也是一种方式,而且比较方便。”辜宁的女儿今年11岁,她告诉记者,每年都会选一些适合大人孩子一块儿看的剧,“可以增加孩子对一些经典故事的理解,提高审美情趣,我们也可以借此跟孩子多一些交流和沟通。”

  为了满足亲子家庭观众的观演需求,票务平台针对该群体推出不少优惠服务。“暑期不少剧目会针对家庭推出优惠套票活动,并有沙龙讲座或现场手工体验等公益教育活动,还会有一些经验丰富的讲解员进行导览。”摩天轮票务负责人说。

  “暑期档这个概念对演出市场是有意义的。”尤兴华认为,对观众而言,可获得比平时更多、更优的剧目选择,在阶段性的集中消费中强化暑期艺术消费意识;对演出商而言,则提出了更高要求,要想在演出扎堆的竞争环境中脱颖而出,剧目一定要有创新性和独特性,这促使演出商不仅要提供好的演出产品,还要提供优质服务。

  户外音乐节走出“圈层”

  因“大咖众多”“一票难求”而在年轻人朋友圈里刷屏甚至登上微博热搜榜的2019麦田音乐节,在今年夏天让更多人感受到了户外音乐节的影响力。数据显示,由于邀请了周杰伦、蔡依林、杨乃文、新裤子乐队等知名度较高的音乐人,该演出门票在大麦网上架3小时预约登记量就超过了10万。

  “头部艺人加入及地方政府的扶持,让音乐节市场明显趋热。”大麦网行业发展中心北方区负责人严朝锋透露,从今年上半年的10余个音乐节项目来看,平均票房同比去年提升30%,其中5月涨幅最大,单月音乐节票房规模同比去年5月提升超2倍。

  以摇滚、民谣等曲风为主的户外音乐节曾是独立音乐人的表演场,观众也以偏爱新锐、先锋艺术的年轻人为主。近年来,随着《乐队的夏天》《声入人心》《中国新说唱》等音乐综艺节目播出,多元化曲风和表演形式开始“出圈”,为音乐圈外其他不同层面的受众接受和喜欢。

  “越来越多的年轻人对独立音乐和乐队有了更深的理解,也更愿意在现场感受音乐的魅力,户外音乐节的消费增长可视为一种趋势。从大盘上看,户外音乐节举办地点已经不局限在一线城市,整体场次增量明显。”摩天轮票务负责人说。

  户外音乐节与暑期的契合度非常高——前者多选在风景优美的海滨城市或人气很高的网红城市举办,后者则是年轻人休假、享受旅游和美食的季节。大麦网数据研究院分析显示,在近两年的暑期观演用户中,18岁至24岁的学生消费能力逐年提升,2017年购票学生用户占比13%,到2018年上升至20%,“95后”已成现场娱乐演出消费主力之一。

·欧阳娜娜:被击倒后,原地爬起来

2019-09-22 12:35:45

  《乐队的夏天》收官当晚,欧阳娜娜发微博:“音乐,是一辈子的,也许这就是19岁的我想坚持的信念。”今年夏天,这个6岁就开始练大提琴的00后姑娘,刚刚过完19岁生日,并以南京为起点,开启了十周年巡回音乐会。

  过去这10年,大提琴、演戏、读书等若干旁人的“单线程”,在欧阳娜娜身上汇合成同一条时间轴。这个“多线程”路途中,涌现出声浪同等猛烈的赞美和批评。

  “我一直都是一个比较乐观的人。当你乐观面对每一件事情的时候,那就会有好转,可以让你去达到目标,或者至少让你在这过程中开心一点。心态摆正很重要,被击倒后,原地爬起来。”

  接受中国青年报-中国青年网记者专访时,欧阳娜娜语气很平静地说,她觉得这种人生轨迹赋予自己很好的一个优势是——“我有选择”。“我并没有去作一个明确选择,说我只要音乐或只要演戏。当你有选择的时候是幸福的,都可以尝试一点”。

  欧阳娜娜的舞台人生,开始于音乐。

  “音乐,会让人的幸福感很强,这次整体十周年巡回音乐会的主题,也跟梦想有关。”欧阳娜娜觉得,当下所拥有的能量,是一路走来慢慢积累起来的。

  “不管是去伯克利音乐学院念书也好,还是是参加《乐队的夏天》,都拓展了我对音乐的认知,开始了解一些跨界的、和乐队有关的音乐。从古典音乐到流行乐、摇滚乐,都是我的一个尝试。当然最希望的是,未来可以创造出属于自己的音乐去表达心声。”

  “音乐就是语言,语言就是音乐,音乐人之间讲话可以不需要用任何的文字,仅仅依靠音符。”欧阳娜娜说,由于音乐人的共同语言就是音乐,所以音乐人是一种既自由又孤独的存在。

  在她眼中,孤独是音乐人创作的动力。

  欧阳娜娜从小练琴的状态就是非常孤独的,一个人躲在琴房里,把老师交待的所有功课都练完,如今写歌也是孤独的。“只有这个时候你才能安静听自己的想法,我觉得孤独并不是难过的,而是一段和自己独处的时间。”

  做音乐的时光是孤独的,而她后来踏入的娱乐圈是喧嚣的。欧阳娜娜倒不认为两者之间很难切换,甚至感到在截然不同的职业环境中“跳过来跳过去”,这番体验挺好玩。

  很多人认识欧阳娜娜,是因为其参演的电影作品《北京爱情故事》,她在片中饰演拉大提琴的女学生刘星阳。欧阳娜娜觉得,是音乐为她带来了演戏的可能性。

  “当时导演在他的朋友圈看到了一张我和大提琴的合影,就说想要见见这个女孩。没有想到,导演为了我把剧本改成了一个拉大提琴的女孩。”

  欧阳娜娜回忆,当初在演的时候,其实不知道自己在干嘛,但是就记着导演告诉她,这是一个拉大提琴、“背后有光”的女孩,于是她很自然而然去演。“如果我不会拉大提琴,导演就不会看到我,所以是音乐带我去认识了很多领域”。

  演戏,也给欧阳娜娜招来过争议,比如此前因为一部剧,一档综艺,她被网络上很多人嘲讽演技不佳。欧阳娜娜坦言,做演员这一路自己走得跌跌撞撞,演技还不够成熟,一度不被认可。“观众不会想看到你一步一步成长的过程,他要看到的是演出来的角色,你应该去完成它,达到它。”

  欧阳娜娜理解的演员职业,很难很复杂,“需要把自己的内心挖出来给大家看”,但同时这个职业值得尊敬,她会一直摸索下去。

  除了拉琴和演戏,欧阳娜娜这两年还拥有一个很特别的个人招牌——Vlog。

  最近在首届抖音短视频影像节,欧阳娜娜登台自弹自唱,为短视频获奖者颁奖。观众们会心一笑,这个小姑娘的确是短视频的最好代言者,她做Vlog超过50期。

  过去一年半的时间,欧阳娜娜用Vlog记录在伯克利音乐学院求学生活:素颜赖床、练大提琴、自己下厨、上学迷路、化妆笔记、打地铺睡觉、时装周看秀……

  欧阳娜娜的每条Vlog都有高达上百万的点击率,许多年轻粉丝评价百看不厌,“配饭看,睡觉看”。而其传播效果有多好呢?有一次欧阳娜娜分享了自己颇有创意的减肥餐——花椰菜炒饭,这一期Vlog快速在网上掀起了“同款模仿潮流”。

  欧阳娜娜笑言,每当回看Vlog,她会感觉很有趣也很有意义,能因此回想起那段时间的模样和状态,而自己的生活和Vlog融合度也很高。刚开始欧阳娜娜的同学会感到很奇怪,为什么她老拿着手机要拍自己和他们,但久而久之同学们完全习惯了。

  “对Vlog我是真心喜欢,这样做出来就会是自己满意的。可能有观众会被其中的东西打动,喜欢看我的生活,或是看了之后很开心。这些东西都是让我继续拍下去的动力。”

  中国青年报-中国青年网记者 沈杰群 来源:中国青年报

  

·“卡拉斯一度是玛丽亚”

2019-09-22 11:56:29

  “我相当确定时间会证明哪个是真实的我。”

  美籍希腊女高音歌唱家玛丽亚-卡拉斯在访谈中这样说到。这是《卡拉斯:为爱而声》中的一个录像画面。

  《卡拉斯:为爱而声》是今年5月底在中国大陆上映的一部纪录片,比起同期上映的几部电影,非常低调,影院的排片也极少。早在2018年,该片在近30个国家上映,已经收获了全球赞誉并引发了乐迷的怀念热潮。

  玛丽亚-卡拉斯被认为是20世纪最伟大的女高音,被誉为“歌剧女神”,《托斯卡》《卡门》等经典之作都由她演唱。她于1923年出生在纽约,1937年回到希腊就学于雅典音乐学院,1941年在雅典歌剧院正式登台,1947年在意大利维罗纳演出歌剧《拉焦孔达》一举成名。她一生共演出500多场次,扮演过43个角色。那么,真正的玛丽亚-卡拉斯又是谁呢?

  《卡拉斯:为爱而声》全片从对卡拉斯的采访开始,穿插歌剧演出现场录像(以年份排列的经典歌剧片段)、新闻录像、电视台采访节目、私人录影、卡拉斯以第一人称写给亲友的信。影片没有第三人称旁白,全部以资料影像组成。导演汤姆-沃尔夫花了近5年的时间走访卡拉斯的生前好友、相关人士,才发掘了这些大量的从未面世的珍贵私信及影像资料,其中还包括当年卡拉斯朋友用Super8摄影机拍摄的珍贵视频。

  在我看来,影片中最重要的是玛丽亚-卡拉斯自己的视角。这一视角的载体是大量的采访资料。这位“歌剧女神”的传奇一生已经被多次搬上银幕,包括2002年的剧情电影《永远的卡拉斯》、2007年的纪录片《绝对卡拉斯》等。她的艺术成就为众人熟知,她的私人生活和情感经历也常常令她处在舆论的风口浪尖。但这一次,是卡拉斯为自己发声。在对记者问题的回答中,卡拉斯展现出来的是她的柔软与坚韧,她对爱情的渴望和事业的执著。

  “你是指在人生舞台上,还是在剧院舞台上。这两者截然不同,却是平等的,精神基础永远是我的,这永远只属于我。这是你在日常生活中看不到的。生活中,你只看到一个直率的、喜欢上街的女人,简单、快乐,不喜欢受到关注。因为坦率地说,这让我无所适从,当我在街上受到称赞时,我不知道该往哪里躲。因为显然,这有点儿令人尴尬。”

  穿着日常的鹅黄色简单式样的裙子,卡拉斯跟记者谈到,人们对于她身为卡拉斯的印象是截然不同的,但她也是个简单的人,喜欢看电视,读些没用的东西。她还喜欢听悦耳的东西,喜欢阅读,想要扮演知识分子。她说自己一直在舞台上工作,没有时间,所以要成为知识分子就要四处学习。

  而在另外一段访谈中,卡拉斯梳着高昂的发髻,戴着珍珠耳环,眼线勾勒出的高贵眼尾显得妆容精致、眉目清晰。“这是我表达自己最好的方式,可以说是我自己的世界在那里,我感到被提升,超越一切,或许也是我给公众一些幻想的方式。”卡拉斯是热爱自己的歌唱事业的,真实的自我存在于她每分每秒的歌唱之中,她的歌声中有完整的玛丽亚-卡拉斯。

  关于事业,她有自己的坚强与执著。影片还用真实的影像记录了她事业中最难过的一晚,原本应该是最成功的一晚,却因为突然的“失声”,卡拉斯被袭来的暴力舆论无情中伤。影片也讲述了她因无法忍受一成不变的演出风格拒签大都会剧院合约的事件。为了事业,她承担了一次次风险,也用意志一次次地修复受伤的灵魂。

  她曾说到,音乐浩瀚无限,深不可测,难以用语言捕捉,但人们必须永远谦逊地为之服务,并予以尊重。对她而言,唱歌并非只是件引以自豪的事,而是为了达到完美和谐天堂的一种尝试:“我能把一些内在的东西揭露、展示给大家,你觉得这微不足道吗?”

  值得一提的是,电影中大量卡拉斯的歌剧现场影像是经过高度修复的,其中就包括《卡门》中的《爱情是只自由的小鸟》。修复后的画质清晰,使得在有限的素材中,卡拉斯的优雅高贵得以充分展示,她在演唱时的那种艺术绽放的魅力,让观众如痴如醉,为之震撼。从专业的角度看,卡拉斯的音色其实并不亮丽,发声中还有破裂的瑕疵。她的歌不仅能听,而且能“看”,正是因为她内心的丰富与多情,她如电光火石般耀眼的情感张力,才使得她的演唱迸发出了强烈的感染力。在艺术上,卡拉斯“创造和追求完美的本能有时甚至比她的生存本能还要强烈”,在生活中,她追求爱情,至情至性,坚毅果敢。

  卡拉斯热爱事业,也从不否认自己需要爱情。“我想要生小孩,组建一个快乐的家庭,我认为这是女人最重要的。但经营一个完美的家庭比经营事业还难,我已经有了事业,所以两者不可兼得,我既逃不掉又被迫待在那儿,命运如此,无处可逃。”这种对美好的强烈期待和追求与破灭后的悲痛,也融入了她的歌唱当中,在强悍的高音中构成了一种强力的对比。

  她和希腊船王奥纳西斯邂逅,彻夜长谈,坠入爱河。卡拉斯为了他能离婚,倾注所有,却还是被无情抛弃。她被爱情重伤,在心碎与沮丧中度日,承受着精神折磨,身体也开始走下坡路。“另一方面,我没有得到我想要的家庭,诸如此类,但是能坐在这里已经是一种特权、话语权,即便我不善言谈,这也是一种特权。”卡拉斯清楚地知道自己人生的得失,只不过在内心深处,终其一生,她都渴望着爱情和家庭。所以她在访谈中说:“卡拉斯一度是玛丽亚。”

  通常,音乐纪录片作为一种影像表达的方式,多围绕音乐本身、记录音乐人的心路历程,或是通过实地拍摄与采访,记载某个音乐流派的兴衰历史,挖掘音乐背后的文化积淀。而在我看来,《卡拉斯:为爱而声》既属于音乐纪录片,也属于传记纪录片,却并没有采访任何“其他人”,有着自身独特的表达空间。它所运用的影像资料和书信,都带着某种对一手材料的敬畏之心,以此为架构的主人公线性记录,鲜活、生动,触摸心灵,抵达灵魂,真实而深入地展现了卡拉斯不为人知的一面。

  尽管排片不多,知道的观众也很少,但因此聚集起的乐迷观影者,也代表着某段时间内的社会文化结构和时代情感基调。正如影片中在剧院门口排队的乐迷被记者提问:“在你的眼中,她是纯粹的天才?”“没错。”他披着毛毯瑟瑟发抖,坚定地回答。

  如果说影片有什么缺憾的话,可能就是对卡拉斯晚年的记录太少。作为观影者,我还想看到更多卡拉斯的脆弱时刻和生活化的模样,那是不同于华丽舞台的真实与残酷。不过这可能是资料有限的因素,无法苛求。

  影片末尾,观众看见的不再是舞台上那个穿着华美服装、五官有棱角有个性,将坚韧和温柔融合于艺术的卡拉斯,而是一个晚年发福的、追求了一生爱恋无果的卡拉斯。1997年9月16日早晨,卡拉斯在她巴黎的公寓里因心脏病发逝世。她美丽过、幸福过、心碎过,她的身体里住着两个人,她想当玛丽亚,但成就于卡拉斯。她尽量在两者之间找到平衡,希望“她们”可以共存。

  “爱情是一只叛逆的小鸟。”命运无常,生活残酷,但艺术永恒,给人以信心与勇气,使人保持抵达“卡塔西斯”境界的可能性。玛丽亚-卡拉斯为爱而声,把她作为女性的饱满情感和作为艺术家的热烈张力都留在了人间。

·三代人琴声缅怀盛中国

2019-09-22 11:51:42

  暖黄的灯光下,一圈洁白的百合花环绕着舞台。正对着观众席的大屏幕上,盛中国先生嘴角噙笑,手里拿着一生都不曾放下的小提琴,还是记忆中优雅随和的模样。

  著名小提琴演奏家盛中国去世一周年,在盛中国生前登台最多的中山公园音乐堂,人们再次为他而来。昨天下午,盛中国的夫人濑田裕子与吕思清、刘云志等小提琴家共同登台,用一场“永恒的爱”纪念音乐会遥寄思念。

  场灯渐暗,一段《沉思曲》缓缓奏响,轻柔哀婉。在刘云志和濑田裕子合奏的琴音里,饱含思念和敬意的音乐会正式开始。“弦之爱”、“弦之情”、“弦之冀”、“弦之彩”,整场演出的四个篇章,每一首曲目、每一位演奏者都带着盛中国的一个故事。

  一把小提琴,一架钢琴,从上世纪八十年代开始,盛中国和濑田裕子就这样同台32年。直到现在,濑田裕子还清楚地记得,两人合作的第一曲是弗兰克的《A大调奏鸣曲》。昨天音乐会上,年轻的小提琴家何畅与钢琴家郝楠在“弦之爱”篇章中演绎了这部作品。“那个时候,我们还没有见面。”提及往事,濑田裕子哽咽的声音里仍然听得出追忆爱人的温柔甜蜜,“中间的联系人告诉我,他想让我弹弗兰克《A大调奏鸣曲》。我知道他要用这首曲子来考验我,因为弗兰克写的钢琴伴奏很难。我还没完全练好,他来了,到我家里跟我合这首曲子的第一乐章。那天下着大雪,但我们都能感受到音乐中的那种温暖。”

  “弦之情”篇章里,盛中国的胞妹盛中华带着女儿盛小华远道赶来。盛中国的父亲盛雪是我国著名的小提琴教授,母亲朱冰是声乐教育家,他们养育了11个儿女,其中10人从事音乐,9人拉小提琴,盛中国是家中长子。盛小华特意带来了小提琴“苏珊娜”,这把琴是盛中国使用过最多、也最喜爱的小提琴之一。“几年前大舅动过手术后,有些时候不能演奏,我就用了这把琴替他登台。”盛小华说,盛中国提醒多年在国外学习生活的她一定要演奏中国作品。带着这份嘱托,盛小华演奏了马思聪的《思乡曲》和陈钢的《金色的炉台》。

  “弦之彩”篇章中,曾受盛中国提携的陈允、谢楠、刘云志、吕思清四位著名小提琴家依次登台。音乐会终曲,濑田裕子和七位小提琴家带来了被盛中国无数次奏响的《梁祝》,这些小提琴家横跨了三代人,既包括盛中华代表的老一辈艺术家,也有吕思清、刘云志、谢楠等琴坛的中流砥柱,更有何畅等正在迅速成长的年轻一代。

  吕思清透露,所有演奏家都参加了这场音乐会的曲目安排,“裕子老师提前把盛老师喜欢的作品发给我们挑选。”比如,吕思清挑了《牧歌》和《D大调波兰舞曲》,谢楠挑了《渔舟唱晚》和《天鹅》,刘云志则带来了《沉思曲》和《查尔达什舞曲》,“最后我们一起演奏《梁祝》,这是中国小提琴最著名的作品,也是盛老师生前演奏最多的作品,还有一重意思是,我们想一起为中国的小提琴事业继续贡献自己的力量,我想这也是盛老师最希望看到的。”

·虽不相识,但她的琴声你也许听过

2019-09-22 11:49:23

  有一张解放日报记者拍摄于1954年6月的黑白照片。照片拍的是当时中央音乐学院华东分院的一间琴房,两个女孩在那里练琴:背景中的短发女孩弹着钢琴,面对镜头的,是一个梳着两根麻花辫的圆脸女孩,低头拉着大提琴。

  1956年,中央音乐学院华东分院正式更名为上海音乐学院。新中国成立70年来,这里涌现了丁善德、周小燕、桑桐、俞丽拿、廖昌永等几代卓越的作曲家、音乐理论家、表演艺术家及教学名师,诞生了小提琴协奏曲《梁祝》、交响组曲《长征》等经典之作。许多毕业生成为国内外各大乐团与音乐机构的领军人才。我想知道,照片上的女孩是谁?毕业后去了哪里?是否实现了自己的音乐梦想?

  将中国声音传递到更远地方

  几番辗转,我找到了上音老教授、小提琴演奏家丁芷诺,她一眼认出了照片里的女孩。“卢佩林我记得,我读附中的时候,她已经在读大学了。有一次我父亲丁善德从国外买了两张唱片回来,其中有一张是德沃夏克的大提琴协奏曲。很长一段时间,卢佩林天天来我家听,非常用功,毕业后她考入了上海交响乐团。”丁芷诺说。随后,她告诉我,卢佩林上世纪80年代就去了澳大利亚,不过,听说前几年去世了。

  卢佩林的老同学赵佳梓回忆起他们的校园时光。在新中国成立初期,上音的师资力量相当雄厚,来自全国乃至全世界的知名教授在这里教导和培养学生。卢佩林在校的时候,就曾师从俄罗斯大提琴演奏家佘甫磋夫和中国大提琴教育家陈鼎臣。他们对西洋音乐传入中国以及中国音乐的继承和发展起了巨大的作用。

  从上音毕业后,卢佩林在上海交响乐团工作了多年。在上海交响乐团资料室无数的黑白照片里,我找到了卢佩林的影子。她虽不是独奏家,也不是声部首席,但却是乐队里必不可少的一份子。你也许不知道她的名字,但你有可能坐在台下听过她演奏的某场音乐会,她曾在这条140年流淌不息的音乐之河中,激起过属于自己的浪花。

  当解放日报记者在琴房里拍下卢佩林那张黑白照片时,丁芷诺正在上音少年班就读。少年班由贺绿汀开创于1951年,是上音附中的前身,第一批招收了25名学员,除了丁芷诺,还有俞丽拿、石林、邓尔博等,他们被视为新中国培养的第一批音乐家。丁芷诺还记得,新中国成立初期,学乐器的人非常少,俞丽拿等几位同学学过钢琴,还有一位学过二胡,其余的大多数都是“白丁”,只能现场唱一首歌,展示自己的乐感。

  卢佩林的弟弟卢琮辉告诉我,姐姐小时候学过一点钢琴,但直到考进上音,才开始接触大提琴。她从前在家练琴,地上总有一滩汗水。大提琴的尾针,在家里的地板上留下了深深浅浅的痕迹。“我们那一代学生,练起琴来总是这样废寝忘食。”丁芷诺说。1960年,她和俞丽拿、吴菲菲和林应荣组成的上海女子四重奏,为了去德国参加比赛,每天进行高强度练习。每天吃完午饭,只休息十分钟就接着开练了。“苏联专家劝我们,这样下去会过劳的,但当时我们很年轻,浑身充满了热情,根本感觉不到疲惫。”那一年,上海女子四重奏拿了德国舒曼弦乐四重奏国际比赛第四名,这是来自中国的重奏组合首次登上国际领奖台。

  改革开放以来,无数上音学子从上海走向世界,在图鲁兹国际声乐比赛、多明戈声乐大赛、贝藏松国际作曲比赛、玛格丽特-隆国际钢琴比赛、帕格尼尼国际小提琴比赛等世界顶级音乐赛事中屡获大奖,为国争光,将中国声音传递到更远的地方。

  让音乐融入城市生活

  新中国成立70年来,上海音乐学院培养了一代又一代具有国际视野的音乐家,然而他们的创作和演出并非曲高和寡,而是与社会生活、与人民的文化需求紧紧相连。俞丽拿提起,在上世纪50年代,她和同学们常常走出象牙塔,将音乐送到田间地头,送到老百姓身边。那时候,小提琴这件西洋乐器并不受老百姓的喜欢,她和同学们就用小提琴为老百姓演奏《步步高》,向民间艺人讨教。正是因为扎根民族音乐,才有了中西交融、真挚动人的《梁祝》诞生。

  延续注重实践、服务大众的传统,上海音乐学院在1978年创立了“星期音乐会”,每周末在学校大礼堂举行。在文化活动匮乏的年代,“星期音乐会”成为许多上海市民每周一次的音乐享受。演出门票在当时只要几毛钱一张,不少爱乐者会提前把下一个月的套票买下。上音老教师秦尚修还记得,“星期音乐会”总是人山人海,不少场次一票难求。“那个时候条件很艰苦,但师生和观众的热情都很高。如今许多活跃在各大舞台的音乐家,当年第一次登台都是在星期音乐会。”

  “大学不应该有围墙,艺术也是。艺术机构应该和市民、城市文化形成良性互动。”上海音乐学院院长廖昌永说。今年10月,新落成的上音歌剧院将正式投入使用,迎接广大市民的到来。

  亚洲最古老的交响乐团、中国近代历史上第一所独立的高等音乐学府,中国第一家交响音乐博物馆,交织成了这片空气中漂浮着音符的街区。倘若当年那个梳着麻花辫的大提琴女孩还在,走过这片街区,会不会感到惊喜?她当年未曾实现的梦想,是否已变成了现实?

·当钢琴家忘记自己在弹琴

2019-09-22 11:46:54

  近日,在上海音乐学院举办的国际钢琴艺术节闭幕音乐会上,钢琴家陈宏宽精湛的演奏赢得了观众热烈的掌声。

  陈宏宽是当今乐坛获得国际钢琴大赛奖项最多的华人钢琴家之一,也是许多乐迷心目中最值得聆听的钢琴家之一。在接受记者专访时,他这样讲述自己心中的钢琴艺术。

  弹琴最大的乐趣是能听到越来越复杂的声音

  解放周末:您在此次上音国际钢琴艺术节闭幕音乐会上选择了三首贝多芬的钢琴奏鸣曲,为什么选择这三首作品?您如何理解贝多芬?

  陈宏宽:这三首曲子展现的都不是一般人眼中的贝多芬,听上去并不是那么刚强或倔强,它们展现了贝多芬的另一面。《降E大调第13号钢琴奏鸣曲》之一是一首很甜美的曲子。《A大调第28号钢琴奏鸣曲》很奇妙,有人猜测作曲家可能是暗恋了某个人,才会写出这样的曲子。

  古典音乐给很多人的感觉是四四方方、有条有理的,可是创作它们的人并不是四四方方的,并不是只有浪漫派作曲家才知道怎么叫浪漫,巴赫、贝多芬等古典乐派作曲家也有浪漫的一面。我希望听众们能够跳出对贝多芬固有的充满愤怒的印象。当然这并不意味着我会把贝多芬弹得像拉赫玛尼诺夫,因为他的作品遵循的是古典的结构,我必须尊重这种结构。

  解放周末:您在音乐会上还演奏了肖邦的《第二号钢琴奏鸣曲》,您弹的肖邦和其他钢琴家似乎不太一样。

  陈宏宽:这可能是因为我对肖邦的理解和别人不太一样。肖邦的这首奏鸣曲是我13岁就开始学的,已经弹了将近50年了。我小时候觉得肖邦的旋律很美,很好听,后来觉得他的音乐中有悲伤的成分,我想这可能和肖邦的健康状况一直不好有关系。他20多岁就得了肺炎,几乎半辈子都在生病,他内心的悲伤不仅仅是源自于对祖国波兰的思念。我弹得越多就越发现,在优美与悲伤之外,肖邦的音乐基础其实很深厚,这份基础来自于巴赫。肖邦的启蒙老师曾经让肖邦练习巴赫的平均律。要知道在那个年代很少有人知道巴赫的平均律,这对肖邦后来的创作产生了深远的影响,在他的曲子里经常能听到多声部的复调风格。

  肖邦的复调和巴赫很不一样,你看巴赫的谱子,一看就知道那是复调,但在肖邦的谱子里就未必能看出那么多复调,需要仔细用耳朵去听,这种听觉的训练可能需要很长的时间。所以大多数年轻学生只能够把肖邦的旋律弹得很美,但在音乐的内在构造上不一定能建构得很完美。我也做过学生,我深深知道经过持续的听觉训练后,我在他的音乐中所能听到的东西会越来越多,这种感觉是很奇妙的。我觉得弹钢琴这么多年,最大的乐趣就是发现自己可以听到越来越复杂的声音。

  解放周末:这种听觉技能是如何训练的?

  陈宏宽:我喜欢用听交响乐来训练自己的耳朵,我可以同时听到很多声音,就像指挥在看总谱一样。尤其是马勒的交响乐,他是德奥派音乐的代表。我也很喜欢听勃拉姆斯以及德彪西、普罗科菲耶夫、伯恩斯坦等人的作品。听交响乐的时候我还会研究各种乐器的音色以及它们组合在一起的效果,我会记下来,在钢琴演奏中进行模仿。

  好的音乐能触碰人心最柔弱的地方

  解放周末:有人说,成功的钢琴家需要在理性与感性之间实现一种平衡,您在演奏中如何平衡感性与理性?

  陈宏宽:很多人评价我的演奏比较理性,其实我觉得我的理性来自于感性,或者说是感性带动了我的理性。我研究音乐的时候通常都是以感性为主,然后再追问自己为什么我会有这种感觉。在练习一部作品的过程中,如果我突然弹出了一种很妙的效果,我就会去探究,刚才的音乐表情是如何做到的,因为我希望能够重复它。假如只是灵光乍现,而不去总结分析,那这辈子可能就只能弹出那一次。

  解放周末:您希望您的演奏能给听众带去什么?

  陈宏宽:我想带给听众一段经历。听音乐有点像看电影,一部好的电影能让人沉醉其中,收获情感上的经历或者体验,音乐也是如此。

  解放周末:但与电影相比,音乐更为抽象。

  陈宏宽:是的。我们每个人都有弱点,每个人内心都有属于自己的秘密,好的音乐能触碰人心最柔弱、最隐秘的地方,让心灵获得一些安慰,感觉到安稳,不需要再隐瞒或者隐藏什么。尽管有些音乐听起来有很强的节奏或者气场,但没有强就体现不出弱,当你体会到那种弱,就能与作曲家实现某种心灵的沟通。

  解放周末:您在弹奏哪些作品时更容易与作曲家实现这种心灵的沟通?

  陈宏宽:我弹莫扎特的时候常常觉得他的音乐里有一种过意不去。因为他太优秀了,周围的人无法真正理解他,他有很多话无法对人讲,但在音乐里我们可以听到他内心的声音。

  舒伯特的音乐是忧伤与爱的混合体。一个钢琴家如果不知道什么是爱,是弹不出舒伯特的忧伤的。但如果只是把他的曲子弹得很漂亮,而表现不出其中忧伤的话,那他音乐里的爱也是表达不出来的。

  肖邦的音乐里有一种反抗,不理解这份反抗,就弹不出肖邦的美。斯克里亚宾的作品我也是从小就弹了,他的音乐很抽象,他一生都在研究阴与阳的关系。

  希望人们听到的是音乐而不是钢琴

  解放周末:钢琴被称为“乐器之王”,与这件乐器相伴近50年,您觉得它的最独特之处在哪里?

  陈宏宽:钢琴的独特之处就在于它能够模仿几乎所有乐器的声音,甚至连人声也可以模仿,钢琴家其实一直都在做模仿的工作。

  我常常在想,如果一个演奏家在弹琴的时候能够“离开钢琴”,忘记自己在弹钢琴,那不是很妙吗?我有一个钢琴系的同事曾经告诉我说,他小时候练琴,妈妈经常这样批评他:你练了这么久,我还是听到你在弹钢琴。

  钢琴大师鲁宾斯坦也说过类似的话:如果人们听到的是音乐,而忘记了我是在弹钢琴,那就成功了。将近50年来,我一直在慢慢想办法,在弹琴的时候忘记自己是在弹琴。

  解放周末:您曾经说过,一个人的艺术生涯大致会经历三个阶段:做徒弟的阶段、“漫游”的阶段、做师父的阶段。您曾担任过上海音乐学院钢琴系的主任,近年来又多次在上音国际钢琴艺术节进行指导,您觉得这些年来中国学生的钢琴演奏发生了怎样的变化?

  陈宏宽:十多年前来上音做钢琴系主任的时候,我就决心改变一些学生的弹法。这些年我回上音开大师工作室,参加钢琴大师班、艺术节,希望能给中国学生介绍更多的钢琴美学。傅聪老师也是钢琴大师班的常客,借用他的话说:经过这些年的努力,我们的学生在音乐里面有了选择。音乐是一种选择,一种艺术上的选择,要知道自己为什么要这样弹,而不是谱子上怎么写,就按部就班地弹,在这些音符背后可能有一千种弹法。

  人物

  陈宏宽的钢琴之路起步很晚。

  1958年出生于台北的他,吹过小号、圆号,拉过中胡,还学过一个月的大管。直到14岁,他才开始在德国全心投入钢琴的学习。他说,学习过其他的乐器,让他更好地认识音乐。

  年轻时的陈宏宽包揽了世界九大国际钢琴比赛中七项大赛的奖牌及三项大赛的最高奖项。成名后,他又陆续担任包括范?克莱本国际钢琴比赛在内的诸多国际钢琴重要赛事的评委。他是美国茱莉亚音乐学院的首位华人终身教授,还任教于耶鲁大学音乐学院、波士顿大学、新英格兰音乐学院等世界知名音乐学府。

  34岁,正值职业发展黄金时期的陈宏宽遭遇了“灭顶之灾”。他的手意外受伤,医生判断,他可能永别舞台。

  近7年后,他凭借不懈的努力,奇迹般地康复了,并再次举办独奏音乐会。乐评家这样评价陈宏宽的演奏:“他上世纪80年代的演奏如太阳神与酒神,充满强烈对比的演奏个性在他的内心战斗,他能够发自内心如诗般地演奏,也能够爆发惊心动魄的效果。而如今,安详宁静与气势磅礴的演奏达到如此和谐完整的融合。”

  2004年,陈宏宽受钢琴家傅聪之邀,到上海音乐学院担任钢琴系主任及国际钢琴艺术中心主任。任期结束后,他也经常参与上音举办的国际钢琴艺术节。2018年,他在上音开设了陈宏宽钢琴大师工作室。

·向世界传递中国旋律

2019-09-22 11:42:50

  了解孕育经典作品的时代风云并用自己的演奏表现出来,这正是古典音乐演奏者的快乐,你手中的乐器是助你收割这份喜悦的镰刀

  回首60年长笛教学生涯,我时常思考这样一个问题:怎样才能成为真正的音乐家?

  “工欲善其事,必先利其器。”以长笛为例,你首先需要成为一名长笛手,以长笛为打开艺术之门的钥匙,为载你奔驰在艺术草原上的骏马。“器”不仅是适合自己的具体乐器,还包括驾驭它的方法。一个会学习的人,不是一味追求用知识填满头脑,把自己变成百科全书,而是要具有活到老学到老的精神、有探究最新技法的好奇心,以及放空自己从头学起的勇气,哪怕已经取得不错的成绩。

  掌握演奏技巧固然重要,但不能被技巧所累。区分业余和专业,不在于演奏曲目难易,而在于谁的基础更扎实、更牢靠。从这个角度来说,勉强攻克一首难曲并不值得骄傲。南方的毛竹,最初四年几乎长不过3厘米,但到第五个年头,就以每天平均30厘米速度成长。何以如此?因为在之前四年里,它的根深扎在泥土里,延伸极广。所以,啃得下哈恰图良、伊贝尔这样高难度作品的演奏者未必能成大器,相反,能把巴赫、莫扎特的作品演奏到位的人更有可能成为大家。

  不为技术所累另一层含义是不要过度追求可量化的参数标准。比如,长笛演奏不能简简单单只追求更高、更快、更响——通过音乐让人与人心灵相通,这是音乐的核心要义。“高、快、响”是美,“柔美”“低缓”就不是吗?同时,演奏者还应该懂得合作的意义和奉献的价值,长笛的首要职责是与其他乐器一道完美呈现整部作品。作为交响乐团木管声部重要的高音旋律乐器,长笛手不能“锋芒毕露”:你要锻炼出一双敏锐的耳朵,耳朵里要装得下整个乐队,而不是突出自己;你要做一颗有用的螺丝钉,先别问乐队能为你做什么,多问问自己能为整个乐队做什么。

  透过一滴水能看到一片海,对于长笛手来讲,“一滴水”就是长笛,它是你畅游艺术之海的船桨。你要捍卫它的纯洁,不止步于以它谋生。你需知道如何通过它去体会、去发掘艺术之美,切忌深入宝山空手回。以具体演奏来说,你需做到知其然更知其所以然:把乐谱上每一个音符演奏对,是“知其然”;知晓作曲家为何这样写,是“知其所以然”。感受到海顿的隐忍、莫扎特的叛逆、贝多芬的呐喊、勃拉姆斯的柔情还不够,还要知道是什么造就他们的艺术个性。在历史长河中溯流而上,了解孕育经典作品的时代风云并将其表现出来,这正是古典音乐演奏者的快乐,你手中的乐器正是助你收割这份喜悦的镰刀。

  与此同时,艺术是美育手段之一,美育先美德,做艺先做人。诗人艾青说:“为什么我的眼里常含泪水?因为我对这片土地爱得深沉。”作为一个长笛手、长笛教育工作者,我深深爱着的不仅仅是长笛、音乐,我更爱养育我的这片土地和人民。作为一个中国艺术家应该首先做一个堂堂正正、顶天立地的人,恪尽职守,以艺术传递美、教育人。

  在全球化时代成长起来的年轻音乐家,应首先做一个热爱自己文化、充满文化自信的艺术家。数千年中华优秀传统文化是我们共同的精神家园。我亲历新中国70年尤其改革开放40年以来的发展变迁,当温饱问题解决,国力不断增强,随之而来的是如何向世界传递中国的旋律和中华民族的声音。创新是艺术的生命,如何创新,我们应善于从自己的文化土壤里寻找答案。如果说五声音阶是中国音乐的基因,新时代的创作者就不能完全抛弃这个传统。中国人的新作品无论怎么写、如何演,都要让人能够辨识出它独有的气韵和面孔。

  (张炜采访整理)

  王永新,生于1934年,长笛演奏家、中央音乐学院教授,享受国务院政府特殊津贴。1954年由国家公派赴捷克布拉格高等音乐学院学习长笛,1958年毕业回国,执教于中央音乐学院至今。编辑出版长笛演奏教材、创编木管五重奏曲《中国曲选》七首、长笛独奏曲《僮锦幻想曲》等。

·原创歌剧的艺术感染力

2019-09-22 11:40:20

  “神农尝百草”的故事在中国家喻户晓,但有关的舞台艺术作品却鲜有耳闻。今年8月9日、10日,由上海歌剧院创作演出的歌剧《天地神农》,将这个神话传奇搬上了舞台。编剧游暐之这样解读剧名:“天”代表神,“地”代表人,《天地神农》讲述的,正是神农“由神变人”的心路历程。以写人的角度写神,是这部“神话”歌剧最具有创新思维的特征。

  歌剧《天地神农》的故事并不复杂,围绕“兴农耕”“尝百草”两个事件展开,全剧结构清晰、主题突出、跌宕起伏、扣人心弦。作品最吸引观众的还是在戏剧事件当中人性的展现,无论神还是人,都鲜活生动,充满人性,引发观众的共情。

  歌剧是音乐的戏剧,有了好的故事,更要有好的音乐和入耳入心的唱段。作曲家金复载的整体创作娴熟老道,结构完整连贯,音乐与戏剧相当统一,既有戏剧性又有旋律性。这部歌剧以交响乐队演奏,没有使用民族乐器,形式上似乎很“洋”,但是整体风格却非常“中国”,民族民间音乐巧妙地化用其中并进行再创作,有着鲜明的“中华文化音乐辨识度”。剧中《一束九穗禾》《百草歌》基本能让人过耳成吟。几段大咏叹调《崖边的小花》《幽深的夜晚》既好听又令人感动。这部歌剧特别出色的是合唱,旋律动听,演绎精湛,对于营造氛围、推动戏剧发展都起到非常重要的作用。尾声以无伴奏的阿卡贝拉式开始,感人至深,具有很强的艺术感染力。

  舞台呈现方面,导演陈蔚精准把握住了“雄浑神奇、古朴自然”的大基调,主舞台是人脸形状的山体,深具意味,而悬吊的可以上下左右变换的山体景片,参差错落,质感逼真,虚实结合形成立体三维空间。舞美的语汇与戏剧本身交融紧密,比如瘟疫来袭时黑红相间倒悬的荆棘,“百草歌”时在透明纯净的绿色中从天而下的各种古朴瓶壶。服装和造型同样充满想象力,尤其是具有塑形作用的肌肉服,充分表现远古人类的健硕、天然,而模仿麻、树叶、花朵制作的服装,在材质色彩上将古风与时尚融为一体,极具当代美感。舞台调度流畅自如,几段戏剧中的舞蹈如《丰收舞》等令人印象非常深刻。演员的表演都很投入,男中音歌唱家孙砾连演两场,唱演俱佳,“放弃神力”和“尝草牺牲”的两场戏让很多观众落泪。

  指挥是歌剧二度呈现的灵魂人物。指挥家许忠曾经在欧美指挥过多部西方经典,而《天地神农》是他回国后指挥的第一部中国原创歌剧。无论在音乐的诠释还是内容的表达上都非常精准,他的风格稳而不温、细腻准确、自如流畅,确保了《天地神农》首次亮相的艺术水准。

  歌剧《天地神农》以古照今,以具有时代风格、创新前沿的艺术思考,讲好中华人文始祖神农的故事,生动呈现了歌剧的艺术魅力,充满文化自信。

·吸引世界目光,聆听“音乐之城”发出的声音

2019-09-22 11:37:52

  哈尔滨不仅是一座有着悠久历史的城市,也是有着热爱古典音乐传统的城市。在国内,热爱古典音乐的最著名的城市是上海,哈尔滨则是北方古典音乐重镇。哈尔滨交响乐团成立于1908年,是中国乃至远东地区第一支真正意义上的交响乐团,被爱乐者亲切地称为“老哈响”,这是哈尔滨值得自豪和骄傲的历史。而正是从哈尔滨开始,这些音乐家走向全中国乃至全世界,可谓影响深远。

  夏末秋初,素有“冰城”之称的哈尔滨迎来一年中气候最舒适、景色最宜人的时节,也迎来了一项重要的国际音乐赛事。8月31日,由哈尔滨市人民政府、哈尔滨音乐学院共同主办的“第二届哈尔滨音乐比赛开幕式暨作曲决赛音乐会”在哈尔滨音乐厅启幕。该音乐比赛是一项国际性、综合性的音乐赛事,吸引了来自世界各地的音乐家、优秀选手以及爱乐者们齐聚“音乐之城”哈尔滨,不断聚焦世界目光、焕发城市活力,也生动地演绎了音乐联通世界、文化交流互鉴的华彩乐章。

  在这里,音乐本身就是一种生活

  “对于哈尔滨而言,音乐本身就是一种生活。这座美丽的城市是联合国授予的世界‘音乐之城’,拥有百余年音乐传承的历史。音乐自始至终与这座城市的每一个人共生共存。”中国文联副主席、中国音协主席、哈尔滨音乐比赛组委会主席、赛事艺委会主任叶小钢这样说道。的确,哈尔滨的城市发展始终与音乐相伴,不仅拥有交响乐团、芭蕾舞团等的百年音乐传承,拥有哈尔滨大剧院、哈尔滨音乐厅、哈尔滨音乐学院等顶级艺术殿堂,还有已举办了34届的“哈尔滨之夏”音乐会、中俄文化艺术交流周等精彩纷呈的音乐活动,而哈尔滨音乐比赛给这个城市增添了更浓厚的艺术魅力。

  “黑龙江的文化具有中外交融的特质,其中哈尔滨在近百年的东西方文化交融过程中,积累了厚重的音乐历史文化底蕴,最具典型性。”正如哈尔滨音乐学院党委书记、哈尔滨音乐比赛组委会主席、赛事执委会主任关健所说,我国第一支交响乐团、第一批西洋音乐学校都诞生在哈尔滨。尤其是哈尔滨人对音乐的挚爱和渴求形成了这座城市的独特魅力。正因为这座城市的音乐传统、艺术氛围和影响力, 2010年,被联合国教科文组织授予“音乐之城”称号,成为亚洲唯一获此美誉的城市。关健希望这项国际性音乐赛事能够助推黑龙江地方经济尤其是文化产业发展,进一步加强哈尔滨与世界的音乐文化交流,更能够提升哈尔滨在国际音乐艺术领域的影响力和竞争力。

  据了解,哈尔滨音乐比赛一经举办就进入AAF国际赛事联盟,与哈尔滨承办的勋菲尔德国际弦乐比赛一道都获得最具权威、最高水准的专业认证,成为世界各地音乐家交流互动的盛事。2018年1月,首届哈尔滨音乐比赛一鸣惊人,让很多选手和评委都惊叹于比赛的高规格、高层次、高质量、高品位,也使得赛事的吸引力进一步提升。

  一出生就风华正茂

  出生于1994年的潘林子在首届哈尔滨音乐比赛钢琴比赛中以唯一中国选手、唯一女选手以及年龄最小参赛者的身份闯入钢琴组决赛并最终斩获冠军。近几年潘林子多次参加国际、国内的重要钢琴比赛,取得了一系列骄人成绩。音乐比赛很多,是什么吸引了潘林子来到哈尔滨参加音乐比赛?她表示,最重要的原因是评委阵容强大,可以从受邀的评委名单上感受到哈尔滨想做顶级音乐比赛的决心。令潘林子印象深刻的还有赛事组委会的专业,由于首届比赛是在隆冬时节举行,北国冰封的寒冷与志愿者们对参赛选手温暖如春的周到服务都给潘林子留下十分深刻的印象,因此她特意再度来到哈尔滨,为第二届大赛助阵。

  事实上,第二届哈尔滨音乐比赛组织更成熟,参赛选手水平更高,评委阵容更权威,来自世界各国的钢琴、小提琴、声乐、作曲领域内的27位顶级大师担任评委。赛事艺委会秘书长尹锋谈道,为了让参赛选手能够获得更多的演出机会,本届赛事特别邀请了如美国大都会、巴黎歌剧院、伦敦皇家歌剧院、莫斯科大剧院等全球一流歌剧院的艺术总监以及国际知名经纪人,以便帮助取得成绩的选手与演出平台直接对接。

  除了重量级评委,赛事也吸引了世界范围内的高水平选手。据了解,本次比赛共吸引到来自美国、英国、奥地利、加拿大、中国、法国等22个国家和地区的305名选手报名参加比赛。经过预选赛的层层选拔,最终有30位钢琴选手、30位小提琴选手、 35位声乐选手和6位作曲选手入围,前往哈尔滨参加比赛。除了作曲比赛已于开幕式音乐会现场决出名次之外,在10天的时间里,小提琴组、钢琴组和声乐组比赛也展开激烈角逐。而为本届赛事担任乐团协奏的两支乐团全部由哈尔滨的本土乐团完成,分别是拥有百年历史的哈尔滨交响乐团,以及具有中西特色的哈尔滨音乐学院中俄乐团。担任第二届哈尔滨音乐比赛艺术委员会副主任的是著名指挥家胡咏言,为开幕式暨作曲决赛音乐会执棒的是著名指挥家朱其元。

  以“雪国”主题传递中国概念

  特别值得一提的是,本届哈尔滨音乐比赛除首届已涵盖的钢琴、小提琴、声乐比赛之外还增加了作曲比赛,以主题创作为主,旨在推动全世界的青年作曲家讲述中国故事、传递中国概念、展现中国形象。叶小钢作为作曲比赛的评委,特别谈到这次作曲挖掘新人的目标很明确,进入决赛的选手大部分名字都没有听说过,而有的事先被看好的“种子”选手都没有进入决赛,评委不看选手,只看作品,公平、公正、公开地选拔与展示,这也是一项国际音乐比赛必须做到的。

  音乐会分别演奏了进入决赛的6位参赛选手的曲目。第一首参赛作品是澳大利亚选手吴承昊带来的《冰风雪地》,该曲目通过音乐描绘了风格迥异的风雪景象:寂静森林中雪花悄然而至,乌云密布下皓雪纷飘,以及苍茫大地上暴风雪堆银砌玉。第二首参赛作品是中国选手张光一带来的《冰-雪》,试图将听觉与视觉相结合,运用乐器的特殊演奏法模仿雪花在空中飘舞的景象、冰凌碰撞的声音,并描绘冰城冬日的寒风背景。第三首参赛作品、中国选手卫铭睿的《无垠之皑》以不同乐器组合的力度动态变化,刻画出漫天飞雪舞动的状态。第四首参赛作品、美国选手鲍比葛的《冬至-黄昏》,描述了冬天的第一场雪,展现了一场大风中呼啸的降雪,以及雪后令人敬畏又浪漫的冬日景观。中国选手邓欣源带来《冰辰幻雪》,作为参加决赛的唯一女性选手,她的作品在乐曲段落间的每个部分都有着不同的情绪,赋予了冰雪新的生命。最后登场的作品名字与此次作曲比赛的主题相同——都为《雪国》,由中国选手周铁创作的这部作品灵感来源于中国当代女作家迟子建的长篇小说《额尔古纳河右岸》,尝试通过声音,通过对小说中的冰雪、狩猎、祭祀、苦难等文字意象的表达来营造小说中描绘的画面感和深邃的思想内涵。

  最终,经过激烈角逐,澳大利亚选手吴承昊凭借《冰风雪地》获得一等奖,中国选手张光一的《冰-雪》和美国选手鲍比葛的《冬至-黄昏》分获二、三等奖。出生于1995年的吴承昊在获奖后表示,这次哈尔滨音乐比赛的作曲比赛以“雪”为主题,十分契合他所擅长和感兴趣的有关气候、气象的创作主题。没有感受过冰天雪地如何写出《冰风雪地》?主要还是靠艺术想象和感知力,他认为这部作品在比较好地展现作曲技巧的同时,也做到了能够很好地跟观众沟通、让观众认可,“用所创作的曲目来表达自己的所思所想、所见所遇是我的梦想,希望能够有机会在冬天再来哈尔滨,感受这里真正的‘雪国’魅力。”

  据悉,第二届哈尔滨音乐比赛闭幕式暨颁奖音乐会将于9月10日在哈尔滨大剧院进行。

·新中国七十载交响梦

2019-09-22 11:34:38

  五四运动后,人们随着对“赛先生”的拥抱而同时开始了对交响音乐的推介与探索。在旧中国,交响乐团总共不过五六支。新中国成立后,职业交响乐团纷纷成立,1956年7月3日,新华社发出一篇纪念莫扎特音乐会的报导:“中央乐团合唱队和管弦乐队表演了莫扎特的名作”,这一天新中国的国家乐团成立了。而此时,上海的那支由外籍人士组成的原“工部局交响乐团”也完成了中国化的改造,定名为上海交响乐团。从此,国有交响乐团加之各省市的职业交响乐团或管弦乐团,及解放军各军、兵种文工团中的管弦乐队的大格局形成了。同时,一批作曲家也拥有了职业化的创作环境,中国的交响乐事业自此起步发展。1959年10月,中央乐团以演奏罗忠镕《第一交响曲》和贝多芬《第九交响曲》这一中一西两部作品,向国庆十周年献礼。20世纪五六十年代,小提琴协奏曲《梁祝》、交响乐《沙家浜》、钢琴协奏曲《黄河》、琵琶协奏曲《草原小姐妹》等一批交响音乐作品的诞生,昭示中国作曲家以欧洲传统作曲技法来呈现民族音韵的创作,已达到炉火纯青的地步。

  但是这样的发展并不一帆风顺,60年代,因片面强调“民族化”,交响乐队的建设和交响音乐的创作都受到了冲击。对于西方交响音乐的借鉴也较为狭隘,记得一位作曲家回忆说,五六十年代在音乐学院作曲系接触的世界经典交响作品局限于莫扎特、贝多芬和柴可夫斯基等古典派和浪漫派的,西方现当代交响音乐属被禁艺术,连肖斯塔科维奇的作品也受限,因为他属于“修正主义”作曲家。群众只能听到八个“样板戏”,人们欣赏交响音乐唱片,不论是西方的还是《梁祝》《嘎达梅林》这样的中国作品,都要“关起门来”。倒是各地通过“学习样板戏”而恢复或组建了一些管弦乐队,因为这些戏中都有管弦乐的编配。

  1977年3月26日,经过中央特批,中央乐团在北京民族宫礼堂举行了纪念贝多芬逝世150年音乐会。这是中国中断了西方古典音乐公演十年后的首次演出,欣赏交响音乐再不用“关起门来”了。

  1980年,中央音乐学院的一批作曲专业学生,在听了来自剑桥大学的作曲家亚历山大-格尔教授举办的西方现代派作曲技术讲座后,掀起了一股探求作曲新技法的“新浪潮”,形成一个“先锋”创作群体。谭盾以一曲大量运用现代技法的交响曲《离骚》出道,随后以石、水、纸等材料开发音乐新声源,形成一种独特的人文取向。叶小钢以藏族囊玛音调为核心,辅以泛调性和无调性现代作曲技法推出了《第二交响曲——地平线》。瞿小松的作品以大量粗犷的不协和和弦彰显狂放不羁的艺术个性。陈其钢,音乐以无调性与五声的结合来追求音色的变幻。周龙以现代作曲技法与中华传统文化水乳交融,形成哲理性的音乐思维,其歌剧《白蛇传》荣获第95届普利策音乐奖。

  许多老一代和中年作曲家也积极探索现代交响音乐创作技法。朱践耳以现代交响乐技法的运用一连创作了10部交响曲。罗忠镕对欣德米特的理论体系进行深入研究,并结合民族元素创作出“五声性十二音集合”作品。王西麟在管弦乐组曲《太行山印象》中运用了多调性和十二音技术。“先锋音乐”在整个八九十年代蔚然成风,丰富了表现手段,然而也出现了一些唯技术至上和技术堆砌的现象。

  也有一批作曲家坚守有调性有旋律美感的民族音乐传统家园,“先锋”技法仅作为一种特色效果或色彩变换。王世光将精湛的交响手法用于美声歌剧《马可-波罗》,形成戏剧性音乐语汇。已90岁高龄还在创作的作曲家杜鸣心,至今仍恪守将欧洲古典技法与民族音乐相结合的准则与信条。关峡将包括戏曲音调在内的民间与民族素材升华为“激情燃烧”的时代旋律,交响幻想曲《霸王别姬》被国际业内人士赞誉为“五声音阶的浪漫主义”。近年来,作曲界对现代技法的运用开始趋于理性,新技法保持在合理、合度的范围内,成为民族音调发展的助推剂,打造出一批批具有民族化音乐美感的交响音乐作品。

  70年来,我们的交响音乐发展从曲折的道路走上壮阔而高速发展的道路。近些年来,中国的交响乐团已达到七八十支,演奏水准已整体提高至一个高新层面,且大力拓展演奏曲目并委约国内外优秀作曲家的新作。舞台上国内外交响乐团的音乐会目不暇接,观众群体呈年轻化。西方惊叹交响音乐-古典音乐的未来在中国。

·乐队在路上

2019-09-22 11:32:15

  夏末午后,北京亚运村附近的387路公交车场站里,这条“全国青年文明号”线路的公交车有秩序地出站、入站。在另一边办公楼的会议室中,隐约有歌声、吉他声和鼓声传来。每隔两周,“蓝色行者”乐队的6名成员相聚在这里排练,他们都是在公交公司任职10年以上的职工。排练通常在午后一两点开始,刚好是乐队里早班司机、乘务员下班的时间。

  这支平均年龄35岁左右的乐队,由主唱侯孝辉、吉他手兼和声尚宏志、主音吉他手王博君、贝斯手韩乐、键盘手齐笑和鼓手于良组成。在车队里,他们的角色分别是司机、调度员、乘务员、团支部书记、工会主席和安保管理员。

  说起摇滚,6个人都能滔滔不绝地聊上半天。今年夏天有一档很火的乐队综艺,侯孝辉从第一期追到最后一期,“摇滚的心永远年轻,小时候喜欢,现在40岁了还是喜欢。”

  年纪最小的于良今年30岁,2008年,他和王博君都在387路公交车上当售票员,车队联欢会上的一次搭档,让他们产生了组建乐队的想法。后来,在单位内部的一次演出中,他们遇到了唱歌还不错的尚宏志,三人一拍即合。第二年,和于良同龄的韩乐加入乐队,乐队的“技术担当”王博君用吉他的乐理教会了他弹贝斯。

  键盘手齐笑2014年加入乐队,为了提高水准,他花了近万元配置了一台专业编曲键盘。他爱人一开始不理解,“不就是电子琴吗,怎么那么贵?”后来看到齐笑在音乐上投入的心思,也慢慢支持了。今年,齐笑还找了老师学习专业编曲,一小时300元。“乐队越来越好,别因为我把乐队的整体质量降下来。”齐笑说。

  于良算是乐队中唯一有专业基础的,但也只是初中时学过一年多架子鼓。他的音乐启蒙和其他人有点不同,他特别喜欢传统文化和京韵大鼓、京剧、相声、北京小调这类“老北京”的东西。刚工作时,他一个月的工资只有3000多元,买鼓就花去一多半。最初在家里跟着音响练习时,左邻右舍总是找上门来“投诉”。渐渐地,他打鼓的技术越来越好,后来他就把架子鼓搬到单位的会议室了。有一天,邻居的大爷又来敲门,问他怎么不打鼓了,每天饭后的鼓声消失了,他竟有些不习惯。

  公交系统平时工作忙碌,跟音乐相关的事只能挤出时间干。上早班时,担任公交乘务员的王博君会在凌晨四五点骑车半个多小时到场站,把吉他和音箱提前放到调度室,等大家都下班了再一起排练。尚宏志的调度员工作是上24小时休48小时,前段时间,为了赶在演出前写完乐队的原创歌曲《蓝色行者》,尚宏志只能夜里十点多下班后继续留在车队写歌。

  跟车不太忙的时候,王博君总是坐在乘务员坐席上看向窗外,脑子里琢磨音乐的事儿。“有时候路上一个景,激发一种感觉,一段旋律就出来了。”工作时不能用手机,他在脑子里一遍一遍地重复旋律,直到下车。如今,凌晨四五点跟车做乘务工作,午后下班回家睡一会儿,醒来再练两个小时吉他——这是王博君每天保持的生活节奏。

  每次写完歌,尚宏志14岁的女儿总是第一个听众。他还会给从70后到00后的人都试听,问他们的感受,“要是都能过关就说明这首歌能过关。”

  半个多月前,乐队登上了央视一档黄金时段的综艺节目,演唱了他们的第一首原创歌曲《蓝色行者》。录节目当天,观众席的一位大妈始终不相信他们是真正的公交职工,觉得他们是节目找来的演员、或是公交公司招的“音乐特长生”。同去现场的公交公司宣传人员对她说,您明天早上去二拨子新村625路公交场站,看看开车的是不是拿黄吉他的那位师傅,或是去德胜门箭楼380路调度室,看看调度员是不是中间唱歌的那位师傅……几番解释下来,那位大妈才相信。

  这次演出给了他们不小的鼓励。节目播出后,同事、朋友、邻居纷纷来问候。“演出后着实忙了两天。”尚宏志说,很多人从前不知道他们还会玩音乐。韩乐的父亲平时用手机舍不得开流量,那天却在车上用流量看了他们的整场表演。

  乐队走过10年,此前一直排练经典名作,今年才正式拥有了自己的乐队名称和第一首原创歌曲。“乐队名称中的‘蓝色’象征着天空、大海,也象征着公交员工的制服,以及最近陆续更换的新能源公交车的颜色。”韩乐说,而“行者”则代表公交人一直在路上。他们的第一首原创歌曲与乐队的名字相同,韩笑用两天写完了歌词,和乐队前后打磨了半个多月。其中有这样一句歌词:“城市中繁华的街道上,蓝色行者勇敢向前方。”写的是关于梦想和希望,也是公交人的心声。“大家风雨兼程、披星戴月,就是为了让乘客享受更好的公共出行服务。”齐笑说。

  虽然喜欢的音乐风格各有不同,但在写歌这件事上6人达成了共识——写朗朗上口的简单旋律、写百姓的普遍情感,让所有人都能听完就哼出来。

  关于未来,乐队成员们的愿望都围绕着“办一次专场演唱会”展开。有人想要“不插电”演出,展现最真实的声音;有人希望致敬偶像乐队,唱唱那些经典歌曲;还有人希望为公交职工唱歌……在音乐之外的时间,他们还会一直在路上。

  中国青年报-中国青年网见习记者 曲俊燕摄影报道 来源:中国青年报

 

·吉他出山记

2019-09-22 11:24:27

  一把吉他,正要引吭高歌。

  琴柄挺峻,琴身玲珑,拨弹轻扫,切切嘈嘈。这旋律仿佛来自吉他的故乡西班牙……

  但是,若这吉他开口说话——

  “期饭”“瞌睡”“板意儿多”!浓重的西南口音,来自山里的家乡话。

  吉他当然不会说话,但一纸商标,注明它的出身:正安国际吉他产业园。

  正安,黔渝交界,遵义市的一个县。这个名字,许多人有些陌生,却不知,这一县的吉他出口量,占据中国吉他出口总量的近半数。这个大娄山脉中的国家级贫困县,在吉他声中,正生机焕发。

  “吉他出深山,扶贫富一方”。非凡事迹背后,总有非凡故事,而正安这段非凡的故事,要从人称“吉他兄弟”的郑家兄弟俩说起……

  创 业

  郑传玖从没想过,自己有一天会吃“吉他”这碗饭。

  他没摸过吉他。别说吉他,除了二胡和脚踏风琴,就没亲见过别的乐器。对于一个出生在正安的七〇后“山里娃”,这实在稀松平常。

  没办法,正安群岭环绕,路难行,地难种,村里人在地里忙活一年,能吃饱肚子就不错。这条件,还玩啥“洋乐器”?想要看世界,只有“走出去”一条路。

  1993年,大郑传玖两岁的三哥郑传祥,离家去广州打工,经亲戚介绍,进厂造吉他。郑传玖读书坐不住,早想出去闯。听闻哥哥造吉他干得不错,郑传玖跟到广州,投奔三哥。

  郑传祥心思细密,喜欢跟手里的活计“较劲”。恰好,造吉他正是一份重手工、需耐心的活计,郑传祥如鱼得水。郑传玖虽难比哥哥“精益求精”,做得也不赖。从没接触过吉他的哥俩,都在“造吉他”上展现天赋。

  喷漆、打磨、木工……几年工夫,两兄弟把做吉他的诸多工序,一一学成在身。几番跳槽,干上管理岗,多的时候一个月拿过五千多块钱。

  后来兄弟俩萌生单干的想法。别人能干,我们凭啥不能干?

  找上几个老乡,叫上几个亲戚,租厂房,搞设备。一百二十五万的本钱,十八个“股东”兼工人,“广州神曲乐器”就这么诞生了。

  一伙人的想法,就是造货换钱。至于如何运营、销售,想都没想过。多年后郑传玖如此评价当初:敢创业,主要是因为没文化。

  2007年7月,工厂开工。一上班,一伙人在厂子里面面相觑:造吉他。造什么吉他?客人要什么样的吉他?客人又在哪?一伙人,突然都愣在原地。

  这个当口,哥哥郑传祥站了出来。

  “客源我去找,但咱们得先干起来,客人来厂子里,得有样品。咱们先做些常规的样品出来。”

  摸索一个月,托朋友介绍,才接到第一份订单:两百支。大家喜不自胜。结果客人验收,却说不满意,挑挑选选,只买下七八十支。厂里第一次大规模生产,经验不足,这批货确实有问题。

  那天,兄弟俩把不合格的吉他堆在厂房,当着全厂人的面,一把火全烧掉。木材在火光里劈啪作响,飞散的火星映照在眼里的,是懊恼,是不甘……

  瑕疵品中相对较好的吉他,没有被烧掉,兄弟俩拿去降价处理,或者送人情,好歹回收一点成本——烧吉他,是为了立志;半卖半送,是为了生存。

  好不容易熬到2008年,通过贸易公司,接了一家美国吉他厂上万把的代工大单。本想大干一番,没成想,“金融危机”来了。两兄弟哪经历过什么“金融危机”,然而美国的吉他厂倒闭,兄弟俩的成品压在仓库无人收,款项回不来,工人要吃饭,厂房要交租……

  两兄弟一边到处找朋友托关系,把吉他五十把、一百把地零售出去,尽量回款;一边尽量筹钱,先挺过眼前。

  朋友给兄弟俩指了条路:参加乐器展,直接跟外国公司面对面谈合作。正好,一场大型乐器展即将在上海举行。

  兄弟俩一商量,毅然将五六十人的生产团队,裁员到只剩下二十多人——几乎是退回创业的最起点。以前的产品,一件件拿出来,分析总结;新产品出炉,兄弟俩亲自邀请歌手们试弹、点评……

  2008年10月,兄弟俩带着精挑细选的新品,赴上海一试运气。

  这次,他们遇到了业务发展的“贵人”——巴西的吉他品牌“塔吉玛”。

  “没想到,竟有中国工厂能做出这么棒的吉他!”在众商云集的展会上,塔吉玛的品牌代表由衷赞叹。

  你们厂子有多少人?一个月多大产能?

  郑传玖脑子转得飞快,五指一张:一个月能做四五千支!——虽带夸张,拼了老命,也不是做不出。

  好!先下两千支!

  两千支,对当时的厂子来说是个大数;但回过头看,又是个小数。因为从这两千支开始,大感满意的“塔吉玛”,后续加单源源不断。

  美国吉他大牌“芬达”也不请自来,主动寻求合作,兄弟俩又惊又喜。一问才知道,“芬达”正和“塔吉玛”争夺南美市场,研究“塔吉玛”的吉他,发现了“神曲”。兄弟俩足未出户,又签下一笔国际大单。

  这对创业之初没资源、没门路、“没文化”的“憨”兄弟,靠着“做好产品”这“华山一条路”,引来资源,闯出门路。

  “没文化”吗?或许,他们缺少经验,却有着更宝贵的东西——一颗敢想肯干的心。

  归 乡

  郑家兄弟的吉他生意风生水起时,在家乡正安,改变也正发生。

  2012年,正安县领导班子换届。新班子是带着任务来的:要把这个经济状况省内倒数的贫困县,搞出点起色来。

  一番调研,正安二十多万外出务工人员,有五万多人,专做吉他。其中做了老板、自己有厂的,挑来选去,有戏的只有一家——广州神曲,郑氏兄弟。

  刚上任的县长,马上带人奔赴广州。

  家乡领导来,兄弟俩自然开心。但一听说,要让他们搬回大山里造吉他,还是吓一跳。家乡要捐钱,不在话下。但搬厂子,可是动命根子。在广州干得好好的,为啥要冒这个险?

  不出意料,答复是“考虑考虑”。

  县里一定要“拿下”两兄弟。先是晓之以理:厂房,县里建,可先免费用;政策,法律范围之内都是最优惠的;服务,县长亲自跟进,包您满意。但“好处”虽多,还得动之以情。

  于是,郑传玖再回贵州,下了飞机,总能看见县长手捧鲜花,在机场迎接;郑家在正安每有大事,县长有空必到。

  半年多过去,县里“精诚所至”,两兄弟“心里有数”:县里这么看得起咱们,应感恩图报。再说给家乡做事,难道不是应该的?搬!

  可搬归搬,但大山里面造吉他,闻所未闻,前途未卜。哥俩商量一番,计议已定:让郑传玖带着木吉他生产线先回正安,郑传祥带着另一条电吉他生产线,留在广州观察。

  2013年,郑传玖回正安,这次不需要县长去机场接——他带回一个厂子。大小设备,从广州汽车运到正安。正安当时路况不好,十七米长的大拖车进不来,用九米小拖车,足足拉了三十七车。

  厂子安定,郑传玖的心却安定不了。

  这趟返乡创业,他是不意外又意外:不意外的是,果然有困难;意外的是,困难原来这么多!

  “神曲”造吉他,多用进口木材,走海运到广州。到正安,材料运进,成品运出,仍需经过广州,来去路远,成本“三级跳”;设备维修、细碎配件,在广州一个电话全到位。到了正安,什么都要靠广州那边“接济”,甚至连打包吉他的纸箱,也无处采买。兄弟俩一咬牙,又在正安建个纸箱厂。

  麻烦事还远不止这些。

  郑传玖“率部”回老家,只带回少量骨干。工人主力,还要从正安本地招。工人培训好了,试生产做了,一过质检——几乎“全军覆没”。收货公司面露难色,多年的“免检”待遇,默默取消。

  一气之下,“昨日重现”——郑传玖把报废的吉他堆在厂房:烧!

  工人们眼睁睁看着,那么多的吉他在火焰里化为黑烟和黑炭。心疼啊,愧疚啊,五味杂陈的时候,“质量”两个字,就悄悄印在这群人的心头。

  郑传玖不服气:条件差,认了;难道乡亲们人也“差”?没道理!于是“开小灶”:下班后,吃过晚饭,每三十个新员工一组,轮班接受“郑总”亲授培训。

  几个月培训下来,良品率终于回升。

  企业和环境,企业和工人……磨合,一场接一场,磨得郑传玖心力交瘁。幸而,此时留守广州的哥哥郑传祥,靠着运作良好的电吉他生产线,支撑起公司,为“磨合”争取了时间。这条“退路”,反倒成了支撑郑传玖在正安“力战不退”的支柱。

  “还是‘没文化’!”如今,郑传玖把当初“搬家”吃的苦也归结为这三个字,“当初要是想的多一点,就不会搬回来。”但转念又说:“要是没搬回来,也不一定能做得今天这么好!”

  “没文化”吗?或许,他们欠的只是思虑周全,拥有的却是更可贵的——朴素的感恩心和故乡情。

  共 富

  2015年,两兄弟再次“会师”正安。

  这次,哥哥郑传祥从广州回到正安,依旧不需要接机:他带回了留在广州的电吉他生产线,六十多车设备,浩浩荡荡开进“神曲”正安厂区。

  搬来的理由很简单:木吉他生产线,经过一年多的整理磨合,经营状况已不次于在广州时。

  于是,“神曲”在广州就保留进出口的经营功能,依旧由哥哥郑传祥驻守。生产部分,全部来到正安,由郑传玖负责,全力运转。

  宽敞的新厂房里,流水线上工人各司其职,有自动化的激光开料、自动喷漆车间。力邀制琴大师加盟的手工琴工作室,也开始运作。东印度玫瑰木、洪都拉斯桃花木;长达一个月的手工上漆、全程精准的温湿度控制……为的,就是冲击高端。

  “神曲”蒸蒸日上,成了正安一块“活广告”。郑家兄弟投桃报李,在同行圈子里逢人就夸,正安的扶植政策好,政府说话办事靠谱。许多吉他企业听了郑家兄弟的“游说”,又眼见“神曲”财源滚滚,这才放下心来,纷纷入驻正安。企业越多,规模效应越强;规模效应越强,越吸引企业入驻,良性循环就像滚雪球一样,越滚越大。

  园区出产的吉他,远销全球三十多个国家和地区,占亚洲市场的20%,美国市场的30%,巴西市场的40%;除了为国际大牌代工,还有三十余个自主品牌。“国际吉他产业园”一天天热闹起来,正安的经济数据也一天天好看起来。

  好消息还不止这些:贵州的“县县通高速”工程,如火如荼展开,正安的交通状况改善,一日千里,大山里行路不再难。十七米长的大型货车,当初缺席了“神曲”搬家,如今终于派上用场,频繁穿梭于正安和广州之间的高速路上。

  一个真实的故事:大货车拉着满满一车吉他,从正安往广州去,路遇收费站,工作人员望着一车货满脸狐疑,好心问司机:是不是跑错方向了?——从来只有广州发货进来,何曾有过包装严整的大宗产品发出去?司机到广州把故事讲给郑传祥,郑传祥笑了半天,逢人常讲这饱含自豪的“保留曲目”。

  而最多的改变,发生在正安的乡亲们身上。

  四十四岁的郑苹会,丈夫身体不好,孩子又小,郑苹会只能在正安守着家里的一点薄田,喂鸡,种地,勉强支撑家用。如果没有什么大的变化,她的生活也就只能这样下去。

  但变化来了。2014年,郑苹会进了“神曲”,在厂子里加工吉他的木质初胚。如今,她已经可以胜任初胚流水线上任何一个手工岗位,月薪过四千。

  更重要的是稳定。过去,“土里刨食”,看天吃饭。如今,每天按时上班,见的是熟悉的工友,做的是日趋熟练的活计,安稳感油然而生。

  戴红霞,正安瑞溪镇人,一直在广州电子厂里打工。

  2015年,戴红霞和同乡的王学军结婚。王学军当兵退伍后,在外工作过一段,之后回到正安,在厂子里上班。戴红霞跟着老公,进了“神曲”。小两口住在厂子的宿舍夫妻房里,朝夕相伴。一个月,两人收入七八千,在县城里,生活充裕。

  叶前玉,也曾在广州的电子厂打工,2016年回到正安,进了“神曲”,负责给木吉他上弦。一支吉他,六根弦,全部装好,慢的时候要一分钟,快的时候只需十秒!

  改变,发生在每一个人身上。

  她们身上有共同点,她们都曾是建档立卡贫困户。

  郑家兄弟优先解决本县贫困户的就业。县里推荐来的贫困户,“神曲”几乎来者不拒;每个月工资外还给额外两百元“补贴”。厂里自食其力的工作,让贫困户们收获了人格独立、劳动尊严、生活希望。

  在“神曲”,女职工占到七八成,许多正安吉他企业亦然。因为正安“留守妇女”多。曾经,她们的生活里只有“照顾老人孩子”;而今,在吉他厂里,她们顶起半边天。

  现在,“神曲”每隔两三天,就要装一整卡车的吉他,发往广州。一批批身着工服的女工们,将单箱二十公斤重的吉他,一箱箱搬上卡车。

  女人们干着这样的体力活,辛苦吗?也许。但你看到的,是一张张欢喜的笑脸,就像农民们在搬运丰收的粮食蔬果。

  她们还有一个共同点。问起“会不会离开厂子”时,郑苹会、戴红霞、叶前玉的回答都一样:

  只要厂子不关门,愿意一直干下去。

  放 歌

  2018年,郑传玖做了一个决定:造了二十多年吉他,如今他要学弹吉他。

  这个决定,依然和正安的变化有关。

  吉他产业越做越好,从业人口越来越多,吉他企业的“生态”,也越发多样化。比如八〇后年轻老板创立的“贝加尔”吉他厂,与“神曲”主做代工不同,“贝加尔”搞起网店,直接面对消费者,在电商平台上销量领先。正安年轻时髦的姑娘们,也纷纷加盟“贝加尔”的“电商部”,在家门口做起白领。

  “产业”做大了,“文化”自然跟上。如今,正安人对吉他耳熟能详,学吉他、弹吉他顺理成章,各种吉他培训机构纷纷挂牌开业;县城中心,“正安吉他文化广场”热闹非凡,喷泉绿地掩映着众多吉他元素,居民载歌载舞、休憩纳凉。广场一侧,“吉他风情一条街”正在建设中,一些吉他主题的餐厅、酒吧已经抢先进驻,慕名而来的吉他爱好者在舞台上构思今晚的表演……

  环境如此,坐镇正安“神曲”的郑传玖,还不会弹吉他,就有些说不过去了。

  而最直接的原因,还是郑传玖身上发生的一件大事——2018年,他当选十三届全国人大代表。

  新中国成立以来,正安县一共出过三个全国人大代表,郑传玖是第三个。这么大的荣誉和责任面前,郑传玖压力不小。

  赴京开会要发言,前一天,郑传玖心里忐忑,打电话给县长。彼时,县长已是县委书记。郑传玖说,书记啊,明天发言的都是有文化、有水平的,我一个农民出身,有啥可讲的?

  书记道,要你发言,就是要听农民的发言,你咋想,平时咋干,就咋说。

  听这一席话,郑传玖定住心神,第二天发言,有一说一,博得满堂彩。其间,提到郑传玖还不会弹吉他,他当场许诺,回去就学,下次弹给大家听!

  开会归来,郑传玖感慨万千。当初县长对他们兄弟俩“三顾茅庐”,已经让他吃惊不小,没想到各级领导,都这么关注自己这小小的吉他买卖。

  他琢磨着,领导们看重,主要是因为他们做的事,连同这个产业,给正安老百姓带来了好处。自己能做的,就是为家乡做更多贡献。

  回到正安后,郑传玖代表兄弟俩,又发一个愿:一个人富不算富,大家富才是真富,我们现在是一棵小草,但我们一定要做成一片绿地。

  这两个承诺郑传玖都在努力实现。

  2019年,他再上全国人代会,当众抱起吉他弹唱一曲,虽不够娴熟,神情却动人。

  而“神曲”,也依旧源源不断接收着贫困户,带动他们以劳动摆脱贫困。

  不仅仅是“神曲”,“吉他产业扶贫”几乎是所有正安吉他企业的共识。解决就业13978人,其中贫困人口1294人,带动6690人脱贫……不断刷新的数字背后,正向着贫困发起决胜的冲锋。在临近吉他产业园的瑞濠扶贫易地搬迁安置点,曾经囿于深山的贫困户,在吉他厂里实现脱贫的故事,层出不穷。“神曲”“贝加尔”“凯丰”……一个个企业,一颗颗为乡亲们跳动的热心,还有一户户日子安稳的笑脸。

  在这场脱贫致富的吉他合奏中,郑家兄弟的故事还在继续。

  哥哥郑传祥,如今每个月回正安两三天,开会,谈工作,来去匆匆。但和弟弟的感情却从未淡薄。如果有机会,兄弟俩依然能聊天到深夜两三点。

  郑传祥想再过几年,他也回正安长住。广州那边需要操心的越来越少,而正安,亲情、乡情依依,“吉他情”也依依。

  在正安的工作间隙,郑传祥会钻进弟弟的办公室,兄弟俩抱着吉他,一边聊天,一边弹起不太娴熟却旋律悠扬的吉他小调。

  吉他声声,在这大山里回响,化作乡亲们心中殷实的梦想和期盼……

·屡登音乐艺术高地,上交擦亮上海文化名片

2019-09-22 11:14:06

  伦敦当地时间9月1日下午,随着余隆潇洒地将指挥棒一收,可容纳4000名观众的皇家阿尔伯特音乐厅内,掌声欢呼声不断。返场曲目《茉莉花》悠扬清丽,披头士的《Hey,Jude》更点燃现场观众的热情。至此,上海交响乐团140周年世界巡演画上圆满句点。

  23天,上交巡演跨越美国、英国、瑞士、奥地利、荷兰5国,接连登台华盛顿狼阱表演艺术公园、芝加哥拉维尼亚音乐节、爱丁堡国际艺术节、琉森音乐节、格拉芬内格音乐节、阿姆斯特丹皇家音乐厅以及伦敦逍遥音乐节等国际一流音乐节及音乐厅,所到之处均收获一致好评。屡登音乐艺术高地,上交用实力和自信,让“上海文化”品牌深入人心。

  细微之处无不体现职业和专业

  每年,上交世界巡演都有一个惯例,那就是有意识地加入具有中国元素的音乐作品,让“中国之声”呈现在国际一流音乐节的舞台。此前《梁山伯与祝英台》和《北平胡同》已征服不少国外观众,此番带去的陈其钢管弦组曲《五行》,“水”叮咚婉转,“土”悠远空灵,饱含中国人文哲思,同样令国外乐迷沉醉。巡演曲目还包含普罗科菲耶夫《D大调第一小提琴协奏曲》、德沃夏克《b小调大提琴协奏曲》、莫扎特《A大调第二十三钢琴协奏曲》、拉赫玛尼诺夫的《交响舞曲》以及肖斯塔科维奇的《第五交响曲》。

  中西交融的曲目安排,既兼顾国外观众的审美情趣和欣赏习惯,又展现出上交在跨文化理念上的包容。上交音乐总监余隆说:“对多元文化的开放性追求,让如今的上海交响乐团脱颖而出,成为上海走向世界、进一步提升国际影响力的闪亮文化名片。”

  在国际古典乐舞台上展示演奏水平的同时,上交也开拓了一条中国乐团国际巡演可供借鉴的职业化道路。这次巡演,近140人,23天,5个国家,十个航段,累计飞行里程达两万多公里。恒温恒湿的乐器运输,细节繁多的剧场对接,百余人队伍的行程规划和安排,所有细微之处无不体现乐团的职业和专业。

  主流媒体给出“四星”好评

  上交在20多天里接连登台一系列国际一流音乐节,创下中国交响乐团国际巡演纪录。上交的7场音乐会,无论是首次亮相的4场演出,还是在琉森音乐节、格拉芬内格音乐节的再度登台,都给观众奉献了一场场高品质的演出。

  巡演伊始,在华盛顿和芝加哥两站演出后,《华盛顿邮报》著名乐评人帕特里克-D-麦考伊写道:“伴随着这场音乐会开场时的新音乐(指《五行》)到历经时间检验的西方经典作品,这次上海交响乐团在狼阱的首度亮相,无疑是他们历史和传统的完美写照。”作为中国首支受邀登台爱丁堡国际艺术节的交响乐团,《苏格兰先驱报》给上交打出难得的“四星”好评,这通常是海外乐团的最高评价。乐评人基斯-布鲁斯说:“这支中国乐团的木管,尤其是单簧管与韦勒斯坦完美平衡的演奏堪称绝配,尾声段落里余隆棒下的弦乐与独奏家也相得益彰。”另一家主流媒体《苏格兰人》也给出“四星”评价。

  逍遥音乐节今年迎来第125届,这个老牌的一流音乐节每年有100多场演出,但只有10多支海外乐团能获邀参演。“我们选择上交,是因为我们认为它是一支一流乐团,是中国交响乐团的代表。”逍遥音乐节总监大卫-皮卡德说。今年,琉森音乐节行政与艺术总监迈克尔-海弗里格再度向上交递出邀请函:“两年前,上交在琉森音乐节的首演获得巨大成功,我们很愿意和上交保持良好合作,欢迎回到琉森。”

  海外巡演也是品牌塑造过程

  近年来,上交充分依托“一团一策”发展契机,积极拓宽国际合作空间,借力国际著名经纪公司渠道,制定高质量的演出季、创办夏季音乐节和新年音乐会,与世界一流乐团和音乐大师密切合作,与国际著名唱片公司签约发碟等,不但提升乐团水准,还扩展了品牌影响力。

  各国著名音乐厅、一流音乐节纷纷向上交抛出“橄榄枝”。这支老牌乐团也敢于作为,以充满活力的真实形象展现在全球乐迷面前。爱丁堡国际艺术节全球盛名,在艺术节主会场之一的亚瑟音乐厅,上交音乐会座无虚席。演出结束后,大批观众赶到后台出口,列队向演奏员鼓掌致意。在琉森音乐节主会场KKL音乐厅内,等候上交首张DG唱片签售的外国观众排起长龙。

  上交团长周平说,一次次海外巡演的历程,是上交品牌塑造的过程。“向世界发出‘中国声音’,向全球展现中国的时代风貌和精神内核,不仅是对乐团140年丰厚底蕴的展示,也进一步擦亮了上海文化品牌。”

·冲刺5000亿,“看音乐”能成为中国音乐产业的机会吗

2019-09-22 11:05:40

  作为专业音乐从业者,在将抖音等短视频平台作为作品宣发渠道的同时,更应该在其中普及流行音乐的制作技术,引领“抖音神曲”向精品化发展

  载体在变,但在健全的版权制度下,一首好歌版税收入在多种载体、平台上获得的可持续的长尾收益,正是衡量产业健康生态的标准所在

  2023年,中国音乐产业市场有望突破5000亿元。这是近日艺恩咨询发布《2019年中国原创音乐市场白皮书》(以下简称《白皮书》)给出的预判。其乐观的估算有迹可循。再看两组数字:近期国际唱片业协会(IFPI)发布《2019全球音乐市场报告》(以下简称《全球报告》)显示,2018年中国录制音乐市场规模跃升至全球第七位。而去年年底出炉的《2018中国音乐产业发展报告》(以下简称《中国报告》)显示,2017年中国音乐产业总规模超过3470亿元。

  “中国庞大的人口基数,尚未在音乐产业充分释放红利。我们的市场离天花板还有很大距离。”上海音乐学院教授陶辛认为,能否主动拥抱5G、人工智能等技术变革,积极适应新的应用场景,将成为产业增值的空间所在。对于5000亿元的目标,多位受访的从业者、学者表示乐观。

  版权模糊、盗版横行之时,我们一度哀叹技术变革为音乐产业关上了“实体唱片”的门。而在版权意识逐步增强、用户付费收听正版音乐变为可能的当下,很多具有前瞻意识的国内从业者,已在寻觅下一个风口:日活动辄数以亿计的长、短视频平台,让用户消费习惯从“听音乐”逐渐转向“看音乐”,借此能否打开一扇充分放飞产业潜能的窗户?

  版权制度进一步健全,驱动原创音乐的生产力

  率先感受到中国音乐产业蓬勃活力的是国际唱片业协会等海外机构。《全球报告》显示,2018年全球录制音乐市场同比增长9.7%,行业总收入达191亿美元,其中中国继2017年首次跻身全球第十位后,在2018年升至全球第七位。

  位次跃升背后是惊人的增长率。2018年中国录制音乐产业总收入超过5.3亿美元,比2017年增长了近80%,尤其数字音乐收入的拉动力逐渐增强。据《中国报告》显示,中国数字音乐产业规模,已从2013年的440.7亿元增至2017年的580.6亿元,占总产业规模的16.7%。而《白皮书》预计,在付费用户、版权付费、社交付费形势整体利好的前提下,到2023年数字音乐产业规模有望突破900亿元,向千亿元迈进。这意味着,数字音乐有望占到总产业规模的20%。

  数字音乐市场的连年激增,离不开版权制度的进一步健全。近年来,在线音乐平台迎来全面正版化的时代。2017年中国音乐著作权协会许可收入达2.04亿元,同比增长超过17%,而中国音像著作权集体管理协会的总收入近2亿元,同比增长近10%。逐步建立的良性生态、未来可预见的稳定版权收入,直接刺激着原创音乐的生产力。同时,国内几大流媒体平台均推出扶持原创音乐人的计划,从创作启动资金到协助录制,直至宣发推广,全方位帮助音乐人进入大众视野。而腾讯音乐更进一步,今年联合唱片公司打造音乐厂牌,并增设演出经纪代理服务。这些新动作只为在坐拥庞大用户的同时,增强对原创音乐人的黏性,以此深耕“原创”所代表的版权收入这一音乐产业核心层的市场潜力,改变向唱片公司购买版权的单一模式。

  “看经济”能否为中国音乐产业增值

  随着通信技术快速发展,用户在移动端的娱乐消费内容也在迭代升级,从最初的140字微博,到通过酷狗、虾米听音乐,再到如今刷抖音,甚至长时间收看电视剧综艺。用户手机的流量越来越多、网速越来越快,也就意味着对娱乐产品的视听体验要求越来越高。

  听上去,用户消费的迁移似乎是音乐产业紧缩的“危机”,但业界不少人从中看到了机遇——将“听音乐”流失的市场,从“看音乐”中抢回来。据《白皮书》统计,已有27%的受访用户通过抖音、爱奇艺、腾讯视频这样的长、短视频平台了解、消费原创音乐,远超社交、传统和户外渠道,甚至有赶超份额最大的音乐平台所占32%的势头。

  中国音乐产业能否通过“看经济”实现弯道超车?上海音乐学院教授、著名音乐制作人安栋认为,目前音乐创作与构建收益模式两方面亟待破题。从歌曲品质来说,这些歌曲虽然朗朗上口、简单明快,但总体看缺少唱片工业下反复打磨的演绎和精致的包装,很难进入主流音乐价值评判之中。曾担任多个综艺节目音乐总监的他给记者举了一个例子:“抖音神曲”《学猫叫》创作者小峰峰曾参加音乐综艺《这!就是原创》,但很快引发专业音乐人对其创作的争议和网友的质疑。“换个平台就不买账”,与其说是创作者自身的问题,不如说是平台差异带来的受众审美隔离。那么,作为专业音乐从业者,在将抖音等短视频平台作为作品宣发渠道的同时,更应该在其中普及流行音乐的制作技术,引领“抖音神曲”向精品化发展。另一方面,从市场反馈来看,尽管流量高企、传唱度远超专业歌手,但频频遭遇“歌红人不红”,意味着在“神曲”流量变现上,缺乏有效途径,能够将其真正转化为推动产业发展的实际力量。

  “万物皆媒”时代,音乐是不可或缺的多媒体元素

  从“抖音神曲”展望未来,“看音乐”的产业机遇还有很多。陶辛指出,音乐的特性决定了它在多媒体娱乐消费成为主流的当下,不再是绝对主角。但反过来看,正因如此,音乐本身成为不可或缺的元素,出现在每个应用场景之中。现在是长、短视频,未来会不会是VR、AR?回顾过去,中国就有过成功案例。陶辛说:“当拨打电话等待的嘟嘟声变成一段歌曲彩铃,在全世界实体唱片业备受盗版数字音乐打击几近覆没之时,正是两元一首的彩铃聚沙成塔带来的版权收入,让中国在这段危机中喘了一口气。”

  盘点眼下的文化娱乐产品——从平台看,抖音的火爆正是将传统的短视频内容,搭载音乐进行了产品创新赢得市场;从当下的爆款综艺类型看,《乐队的夏天》《明日之子》等节目无不围绕音乐展开;而在游戏、影视之中,对于配乐、主题曲的要求也越来越高,音乐不再只是作为“背景”,同样也成为IP衍生内容。在版权进一步完善细分的前提下,围绕这些所产生的音乐创作、制作都能带来持续收益。不远的将来,“万物皆媒”不再只是想象,这也意味着音乐所能搭载的媒介和应用场景越来越多。在此基础上,产业在巩固扩大数字音乐付费用户的同时,更应摆脱过去相对被动的姿态。眼下,汽车、手机、智能机器人等产品已在定制化音乐上产生市场需求,从业者或能深耕这一商业蓝海,从中找到新的产业细分领域。

  安栋提醒,在产业探索增值空间的进程中,作为音乐创作者、制作者所要关注的,仍是推出经得起时间考验的作品。从黑胶磁带,到CD、MP3,再到如今的流媒体、短视频,载体在变,但在健全的版权制度下,一首好歌版税收入在多种载体、平台上获得的可持续的长尾收益,正是衡量产业健康生态的标准所在。

·花儿永远这样红

2019-09-22 11:01:47

  ——雷振邦与歌曲《花儿为什么这样红》

  “花儿为什么这样红?为什么这样红?哎,红得好像,红得好像燃烧的火,它象征着纯洁的友谊和爱情……”

  六十多年前,伴随着反特电影《冰山上的来客》的播映,一曲《花儿为什么这样红》传遍大江南北。这首取材于塔吉克民歌的作品,经作曲家雷振邦的改编,犹如帕米尔高原的雄鹰一般,从雪域高原传至神州各地,无论城市还是乡村,无论江南水乡、白山黑水、西南蜀道,还是黄土高原、沙漠戈壁、辽阔草原,都能听到“为什么这样红”的追问,一声声叩击着人的心灵。以问句为歌曲标题,这在音乐中非常罕见,它用火热的旋律咏叹着友谊,歌颂着爱情,也铸就了中华民族音乐文化的经典。

  在新中国社会主义建设初期,众多内地热血青年响应国家号召,聆听着“花儿为什么这样红”的吟唱,奔赴边陲,将火红的青春献给祖国事业。2019年,此曲被中宣部列入“庆祝中华人民共和国成立70周年优秀歌曲100首”。情真意切、感人肺腑的歌声,也成为国人心中永不消逝的文化记忆。

  真正创作音乐的是人民,作曲家只不过是把它编成曲子而已

  1961年,《电影文学》上发表了作家乌-白辛的剧本《冰山上的来客》。该剧讲述了新中国成立初期帕米尔高原军民惊险的反特故事。塔吉克族解放军战士阿米尔与古兰丹姆自幼青梅竹马,后古兰丹姆被卖为奴仆,从此音信全无。女特务古里巴儿冒名古兰丹姆嫁给当地牧民,并多次纠缠阿米尔打探情报。杨排长将计就计,与敌人斗智斗勇,最终将特务一网打尽,阿米尔和真古兰丹姆也得以重逢。同年,长春电影制片厂决定拍摄这部故事生动、充满边疆风情的少数民族题材影片。

  塔吉克族是一个能歌善舞的民族,民歌、鹰笛、热瓦普、手鼓等流传甚广,其日常生活中更是随处可见音乐。为了真实展现高原地区的生活,电影《冰山上的来客》以婚礼的奏乐开场,全剧多处使用了插曲及配乐。可以说,这是一部音乐性非常强的电影。找谁来写电影音乐呢?这一任务,落到了当时在长影工作的作曲家雷振邦的肩上。

  雷振邦此前创作过《五朵金花》《刘三姐》等影片的音乐,尤其擅长编写少数民族题材的作品。为了完美地把握塔吉克族音乐的风格,1961年8月他启程奔赴新疆采风。当他到达塔什库尔干,登上帕米尔高原的时候,心胸一下开阔起来,感受到一种从自然景观到内心生活的震撼。他说:“抬头看,是水晶般的冰山;往远看,是一片辽阔起伏的草原。雪白的羊群好像是撒在绿色地毯上的一把珍珠;山脚下传来了牧羊人嘹亮的山歌。在晚霞还没有散去的时候,屋里的电灯亮了,亮得那么温暖,那么喜气洋洋。婚礼开始了,人们跳起了欢快优美的塔吉克族舞蹈。我坐在柔软的炕毯上,嚼着喷香的馕,喝着浓浓的奶茶,看着美妙多姿的舞蹈,听着热瓦甫的动人曲调,分享着他们的欢乐和喜悦。”

  雷振邦此次采风长达三个多月,途中他听到一首塔吉克族的舞曲,即当地广为传唱的民间歌曲《古丽碧塔》。这首古老的民歌讲述了一位在商队赶脚的青年爱上了喀布尔城的公主古丽碧塔,这桩爱情命中注定会被反对。青年编唱着民歌,抒发他对古丽碧塔的爱慕和思念。这首民歌沿着丝绸之路,也传到了帕米尔高原。优美的曲调、凄凉的歌声,深深吸引着雷振邦。他觉得这首作品很适合表现深厚、纯朴的感情,尤其是塔吉克音乐的mi调式与增二度,极富异域风情。只是舞曲速度较快,他把速度适当放慢,并根据歌词句法特点改编了词曲,内容、情境等为之焕然一新。他让上小学一年级的女儿雷蕾来试唱,随时修改,直至定稿。

  1963年电影上映后,《花儿为什么这样红》受到观众的热烈欢迎。《电影歌曲选》1964年第1辑刊载的八首作品中,有四首都是《冰山上的来客》插曲。雷振邦引用俄国音乐家格林卡的名言来表达自己的心得:“真正创作音乐的是人民,作曲家只不过是把它编成曲子而已!”

  一句“阿米尔,冲”,成为几代人的记忆

  阿米尔与古兰丹姆的爱情是《冰山上的来客》剧情发展的主线之一,真假古兰丹姆的识别与交锋,也成为影片的一大悬念。这些都需要一个统一的音乐主题予以表现,《花儿为什么这样红》应运而生。它已经不仅是一首插曲或主题歌,而是深度融入电影,推动着剧情的发展。其在影片中一共演唱了三次:

  第一次是作为背景音乐响起,阿米尔回忆少年时两人情真意笃,委婉、真情的女声询问“花儿为什么这样红”。鲜花在高山雪原盛开,是二人纯洁友谊与浪漫爱情的象征。当古兰丹姆被叔叔狠心卖掉,被摧残的花儿成为友情破灭的象征,歌声也转向哀婉,唱出了少年阿米尔的悲痛心绪。

  第二次是阿米尔坐在草原上看羊群、假古兰丹姆往雪山上走,杨排长特意让阿米尔唱起这首歌。男声演唱的动人歌声在旷野响起,假古兰丹姆却毫无反应,杨排长已经明白了真假。歌声与人物的强烈对比推动了剧情的紧凑发展。

  第三次是在全剧高潮。真古兰丹姆来到哨所,杨排长特意布置鲜花,安排二人相见。分别多年的恋人唱起《花儿为什么这样红》,歌声交织在一起,隐喻着主人公的惊喜与回忆,也终于解开了真假古兰丹姆之谜。杨排长一句“阿米尔,冲”,使得阿米尔勇敢上前,与古兰丹姆在歌声中相拥哭泣,这一场景也成为几代人的记忆。对恋人的思念、对祖国的爱、对革命事业的忠诚,完美地融汇在一起,唱就了一曲青春的赞歌。

  《花儿为什么这样红》由男高音歌唱家李世荣主唱,李世荣此前演唱的《蝴蝶泉边》《草原晨曲》等受到广大听众的喜爱。但这首作品更具挑战性。因为几次演唱的情绪与内涵均不相同,例如花儿虽然象征着主人公的爱情,但阿米尔当时唱给假古兰丹姆的歌,并不是纯粹的感情表达,而是以此试探女主角的真假。雷振邦启发他说:“你唱的时候,你要有机警的心理,别有求爱的那种感觉。”经过反复练习,李世荣终于把握住了感觉,完美演绎了这首经典歌曲。

  我所怀念的“家乡”,并不是生我的家乡,而是抚育我成长的边疆兄弟民族地区

  《冰山上的来客》的拍摄,堪称民族团结的典范。编剧乌?白辛为赫哲族,演员阿木都力力提为塔吉克族,阿依夏木为维吾尔族,恩和森为蒙古族,白德彰为满族,马陋夫为回族,各民族人士在中国共产党的带领下,像石榴籽一样紧紧团结在一起,守卫着祖国的边疆,也创造了电影史上的经典。

  雷振邦是满族人,1916年生于北京。自幼年时期起接触到京剧与民歌小调,受到民间音乐的熏陶。1942年,他由日本东京高等音乐学校作曲系毕业,翌年回到祖国任教并创作音乐作品;新中国成立前夕,任北平电影制片厂作曲,后调任长春电影制片厂作曲。

  雷振邦是一位人民音乐家,他深入民间、扎根中国大地,向祖国各民族音乐学习。他深情地说:“我所怀念的‘家乡’,并不是生我的家乡,而是抚育我成长的边疆兄弟民族地区。”在数十年的创作生涯中,他先后到过二十一个省、区、市,几乎跑遍了大半个中国。无论是南方的壮族、白族、拉祜族、傣族、景颇族、彝族,还是西部的藏族、维吾尔族、塔吉克族、回族,东部的朝鲜族,都与他有着深厚的缘分。为了写好少数民族题材的影片音乐,他曾经十下云南,有时离开家到少数民族地区采风达半年之久,与当地群众建立起了深厚的友谊。他脑海中积累了丰富的民间音乐语言,作品也自然像泉水般从心里流淌而出,将民族音乐素材提炼为风格浓郁、人民喜闻乐见的音乐语言。从《芦笙恋歌》中的《婚誓》到《五朵金花》中的《蝴蝶泉边》,从《刘三姐》中的山歌到《冰山上的来客》中的《花儿为什么这样红》《怀念战友》,雷振邦用一支生花妙笔,谱写着电影歌曲史的奇迹。他的作品多年来传遍神州大地,浸润着亿万听众的心田,显示出长久的艺术生命力。

  若问灵感从何而来,雷振邦的回答是没有捷径。音乐家必须踏实深入生活,刻苦学习民间,与广大劳动人民求得一致,改造自己的艺术观,才能实现青出于蓝而胜于蓝。只有中华民族传统音乐的浩瀚海洋,才是创作“取之不尽、用之不竭”的源泉。这一精神也激励着后来的人们继续投身于人民的怀抱,从祖国大地那里获得无穷的力量,创作出新的具有民族特色、时代精神、生活气息的优秀音乐作品。

  花儿永远这样红!

  (作者:徐天祥,系中国音乐学院副研究员)

·更好传承弘扬古琴音乐遗产

2019-09-22 10:57:17

  日前,《世纪绝响——阿炳传世乐曲》和《丝桐神品——古琴(1950—1970)》两套专辑由人民音乐出版社出版发行。这是中国艺术研究院主持的“中国艺术研究院图书馆馆藏音响档案珍粹”项目成果,标志着学术音响资料的整理与保护迈入新阶段。

  中国艺术研究院图书馆是我国重要的艺术资料信息中心。其中馆藏7000小时的中国传统音乐音响档案,1997年入选联合国教科文组织首批“世界的记忆”(Memory of the World),被列入《世界记忆名录》。此次出版的阿炳乐曲,是1950年杨荫浏、曹安和等学者赴无锡采访民间艺人阿炳的原始录音;古琴专辑则包括1956年全国古琴普查录音及其他馆藏古琴音响资料。

  《世纪绝响》所收阿炳传世的6首乐曲,世人并不陌生。在此之前,不仅有1952年中央音乐学院研究部编的阿炳曲集,更有1951年中央人民广播器材厂出版的唱片,以及后来多家单位复制发行的阿炳原音作为音响参考。

  《世纪绝响》“后记”介绍,本专辑出版经历了修复钢丝录音机、制作新磁头、处理杂音噪音等技术流程,力求最大限度重现阿炳演奏的高清原声,为学界提供保留更多历史信息的第一手资料。为保存录音资料的原始性,整理者对于琵琶曲《龙船》中的一小段音频缺损,并未擅自作任何修补与嫁接,充分体现出对前辈艺术家和学者工作的尊重。

  这是“自杨荫浏对阿炳录音以来,首次从原版钢丝录音带转录,并且6首乐曲全部呈现的阿炳遗音”。此次在高科技手段保障下原版遗音的严谨整理,给人带来耳目一新的欣赏体验——二胡曲《二泉映月》中主题与变奏的沉郁顿挫和激越飞扬,《听松》中散板引子蕴含的雷霆万钧之势,琵琶曲《昭君出塞》的激愤与悲痛,《大浪淘沙》的隽永洒脱和哀而不伤,都在《世纪绝响》专辑中体现得淋漓尽致。一把二胡、一把琵琶奏出的几近乐队的震撼效果,使人充分领略到阿炳二度创作的精湛功力,专辑的音响品质远胜于前。

  同时发行的《丝桐神品——古琴(1950—1970)》专辑,对于古琴艺术传承和学术研究,同样意义重大。上世纪50年代,文化部、中国音乐家协会、民族音乐研究所、广播事业管理局共同组织古琴采访小组,査阜西、许健、王迪三人组分赴全国各地,采访琴家、采集琴曲及与古琴相关的文献、器物等资料,共录制了86位琴家演奏的262首乐曲,总时长近2000分钟。这是一次具有学术里程碑意义的采录,传承数千年的古琴音乐,因此而获得系统整理;所录制的200多首琴曲,也是首次以音响为载体的大规模保存。这次古琴采访的意义,恰如音乐学家田青先生所言,“它就是那个在许多民族口头传说中最终延续了人类与人类文明的‘葫芦’里的‘葫芦籽’”。本专辑收录并首次公开出版的274首琴曲,不少都来自当年的古琴采访录音,另包含部分馆藏其他珍贵古琴音响,成为延续“古琴艺术”这项人类非物质文化遗产代表作生命的“葫芦籽”。

  《丝桐神品》专辑共10卷30张CD,是近年来人民音乐出版社单件乐器音像体量最大的一套出版物。音乐学家黄翔鹏先生曾指出,现存传统音乐有三大宝库:七弦琴(即古琴)的遗产;南北曲与各种地方剧曲音乐、说唱音乐;各地古传的“特性乐种”。这是中国音乐历史长河流淌至今,人们仍可听闻的古乐遗音。

  如何发掘这项珍贵的琴乐遗产?至少有两方面学术工作可以开展。首先,沉睡于古籍中的3000多个不同传谱的600余首琴谱,亟待琴家以科学严谨的态度、持之以恒的努力,潜心“打谱”研究,《丝桐神品》专辑为打谱复原古琴音乐提供了重要参考。其次,每首琴曲的不同传谱,既有流派特色,也含时代特征。探寻600余首琴曲的旋律母体,以及各琴曲传谱的衍展手法和结构原则,揭示传统琴乐的多样化形态构成和艺术内涵,并以此为基础溯流而上,探寻特定时期中国音乐的构成元素,是更好传承弘扬古琴音乐遗产,实现其“创造性转化和创新性发展”的重要学术课题。此次出版的10卷本早期琴乐音响,为学者提供了鲜活而生动的范本。

·“零零后”盲童王雅祺:琵琶成为她明亮的“眼睛”

2019-09-22 10:54:02

  小雅祺热爱音乐、喜欢琵琶,尤其喜欢弹琵琶时的心境,有时她甚至感觉到,琵琶成了她的“眼睛”,让她“看”到了多彩的世界。

  “相信她的故事对于正在学琴的人来说都是一份莫大的激励和鞭策。”著名琵琶演奏家、中国音乐小金钟2019全国琵琶展演评委会主任吴玉霞这样说。日前,在浙江宁波举办的中国音乐小金钟2019全国琵琶展演中,出现了一位13岁的特殊小选手。她上台、找位置、下台,都被人扶着。在第一轮的展演中,她演奏了《春雨》和《霸王卸甲》,刚柔相济的两首琵琶名曲,在她的指尖时而“小弦切切如私语”,时而“铁骑突出刀枪鸣”,颇为传神地体现出琵琶这件民族乐器能“文”又能“武”的特点。

  在镜头拍到她失焦的双眼时,人们才发现,这位表演投入的小选手,根本看不见眼前的一切。她叫王雅祺,是一位先天性失明者。在现场,评委们都为她的技法而惊叹,惊叹于她作为一个盲人居然能够如此娴熟地弹奏琵琶名曲,更惊叹于她真的是用心在弹奏。最终,王雅祺获得了中国音乐小金钟2019全国琵琶展演业余组(少年B组)“琵琶新秀”称号。在8月18日举行的中国音乐小金钟2019全国琵琶展演闭幕音乐会上,王雅祺还被组委会作为特殊嘉宾邀请上台,深情演奏了琵琶名曲《渭水情》,引来了现场观众经久不息的掌声。

  6岁时说出“我要学琵琶”

  这次,王雅祺是由内蒙古音协从全自治区选拔出来的优秀选手之一,来宁波参加全国琵琶展演。由于正好是暑假,做老师的父母和还在读小学的妹妹,陪着她来到了宁波镇海。王雅祺平静地说:“我听琵琶老师讲,宁波的镇海区是中国琵琶大师王范地、王惠然的故乡,所以我一定要来这里参加展演,来感受一下大师的灵气,至于是不是获奖,已经不是很重要了。”

  2006年,王雅祺出生在内蒙古乌拉特前旗,满月时,父母发现小雅祺不会注视物体,医生诊断为“由于大脑皮层先天发育不良造成的双眼全盲”。小雅祺的父母一边带着她四处求医,一边悉心呵护她的成长,一直不放弃对女儿的教育,经常对女儿说:“我们雅祺没有什么和别人不一样的。”在父母的陪伴下,小雅祺成长为一个阳光开朗的小姑娘。

  或许由于眼睛看不见,王雅祺的听觉特别灵敏。每当电视里播放音乐时,她都会静心地倾听。父母想,是不是让她学学电子琴、手风琴什么的,因为有键盘可以摸索,对盲人来说学着可能方便点。如果学成了,既可以陶冶情操,也可能因为有了一门手艺而自食其力。一次,王雅祺听到了电视上的琵琶声,问妈妈这是什么声音?妈妈告诉她这是琵琶的声音。没想到,以后每次电视上有琵琶声出现的时候,王雅祺就很安静地竖起耳朵听着。忽然有一天,王雅祺对妈妈说:“我要学琵琶。”听了女儿的话,父母一时惊呆了:一个失明的孩子怎么学琵琶呢?但是,父母还是想办法去满足孩子的要求,给她买来了一把儿童琵琶,原本想只是作为一件玩具,叫女儿开心开心。几天后,王雅祺又说:“我要学弹琵琶。”父母一时有点为难,到哪里去找老师?学音乐的费用一定很贵,之前为女儿治病已经花费了几十万。那年,王雅祺6岁,却说出了一句很是成人化的话:“爸爸妈妈,你们为我付出了这么多,我一定不让你们失望!”

  正常人10分钟就学会的技艺,她却要花10天

  小雅祺的父母商量着,虽然女儿的眼睛失去了光明,但是必须让她的心里永远充满着光明,于是决定送女儿去北京读书、拜师。妈妈陪女儿来到北京,租了一间10平方米的小房间,让孩子上了北京盲人学校。

  盲人学习琵琶有很多困难,正常人只要10分钟就学会的技艺,王雅祺却要花10天的时间才能掌握。王雅祺学习琵琶的头一个困难就是学指法,学习指法时,她需要老师手把手带她感受。等到她自己练习时,常常因为无法掌握琴弦的位置,手指重重地磕在琵琶面板上;或者因为判断失误,一下就把琴弦划断了。由于平均每天要断2根弦,母亲干脆批发购买了一大包琴弦。因为练习时常常“误伤”琵琶,现在王雅祺这把用了5年的琵琶,已经换了3次琵琶品,还修过一次琴头。琵琶面板上明显发白的划痕,也是她刻苦练习的证明。

  学琴7年来,小雅祺的手指无数次受伤,妈妈和老师看了都十分心痛,但她自己却毫不在意。学习乐理知识,是小雅祺学习琵琶的另一大困难。别人用眼睛看书,小雅祺却需要用双手一个字一个字地在书面上“触摸”。因为经常双手触摸,乐理书的四周很快就“卷边”了。为防损坏,小雅祺请妈妈帮忙,在书的四周仔仔细细地贴了一圈塑料胶布。

  有可能会成为中国唯一的优秀盲人琵琶演奏家

  小雅祺热爱音乐、喜欢琵琶,尤其喜欢弹琵琶时的心境,有时她甚至感觉到,琵琶成了她的“眼睛”,让她“看”到了多彩的世界。王雅祺虽然只有13岁,但是其心智很是成熟。问起以后的打算,她很“老到”地说:“我从听读器上听过很多中国古代的好书,包括《论语》《三国志》,也听过莎士比亚、巴尔扎克的作品。现在我先得把书读好,只有文化水平不断提高,才能更好地理解琵琶名曲的意境,然后把中国的琵琶名曲都学会。”王雅祺多年来担任班长和少先队大队长,还懂得帮助比她还困难的孩子,并热衷于盲人学校的集体活动。

  对于乐观的小雅祺来说,失明并不是什么致命伤。人生广远,只要有着丰富的内心,就能到达任何想去的地方。不论是在不久前CCTV中国器乐电视大赛的比赛现场,还是在中国音乐小金钟2019全国琵琶展演中,小雅祺都以自身的实力和淡定的心境激励着现场的观众和广大的琴童。

  小雅祺现在拜于中央音乐学院副教授、青年琵琶演奏家、教育家江洋门下。江洋说:这孩子对音乐的感悟,非常人所比,而且专注刻苦,说不定在不久的将来,她有可能会成为中国唯一的优秀盲人琵琶演奏家。王雅祺也没有让江洋老师失望,从2015年开始,她不断参加全国性的琵琶赛事,先后获得了辽源杯琵琶大赛儿童业余组金奖第三名、中国琵琶艺术菁英展演非职业儿童组金奖。

  妈妈经常问王雅祺:“想不想成为江洋老师说的那种演奏家?”她不假思索地说:“当然想啦,真有那一天,我就全国巡演,回报所有帮助过我的人,也让那些身体有残疾的同龄人,看到生活的美好。”

·上交在国际顶尖艺术节音乐节打响上海文化品牌

2019-09-22 10:49:44

  当地时间昨天下午,英国BBC逍遥音乐节主场皇家阿尔伯特音乐厅里,一曲江南韵味的《茉莉花》悠扬婉转,随后的披头士名曲《Hey Jude》更是“燃爆”全场,近4000名观众的欢呼与掌声呈现了一个事实:上海交响乐团成功首秀伦敦这一著名的音乐节,为乐团140周年世界巡演完美收官!

  此次上海交响乐团世界巡演共23天,走过华盛顿、芝加哥、爱丁堡、琉森、格拉芬内格、阿姆斯特丹、伦敦五个国家的七座城市。乐团巡演所到之处,均收获观众、媒体、乐评人、合作艺术家和机构的盛赞。有评论家认为,这次巡演不仅将中国交响史上“中国音乐走出去”影响力推向新的高峰,更用自信与实力,在国际顶尖艺术节和音乐节上,再次漂亮地打响了上海文化品牌。

  “五星”“最高好评”,140年底蕴转化为国际一流的文化实力

  有140年历史的上交在这次巡演中,把丰厚的历史底蕴转化为堪比国际一流的艺术水准,用国际通行的音乐语言,演绎着中国艺术的博大精深。美国《芝加哥论坛报》、华盛顿古典音乐评论,英国《泰晤士报》、BBC等海外主流媒体,均对此次上交高水准的巡演表现进行了积极报道。其中,不少当地知名乐评人对上交的艺术表现打出了“最高”评分。

  在华盛顿和芝加哥两站巡演之后,《华盛顿邮报》著名乐评人帕特里克-D-麦考伊写道:“从这场音乐会开场时的新音乐《五行》,到历经时间检验的西方经典作品,这次上交在狼阱表演艺术国家公园的首度亮相,无疑是他们璀璨音乐历史和卓越艺术传统的完美写照。”

  其后,上交亮相爱丁堡国际艺术节,苏格兰乐评人史蒂芬尼-汉弗莱斯为演出打出最高赞誉的五星好评。爱丁堡音乐会结束后,苏格兰《先驱报》给出四星好评,这已是该媒体对海外交响乐团通常给出的顶级评价。另一家当地主流媒体《苏格兰人》同样打出四星评分,该报称:“肖斯塔科维奇《第五交响曲》简直是为上交展示其辉煌灿烂音响度身定制的炫技作品。这支乐团是中国最古老的西洋管弦乐团,其悠久历史反映在凌厉延绵的弦乐、利落爽脆的木管和明亮且具有锋芒的铜管中。”

  曾经,业内认为上交只是弦乐声部音色出众,如今乐团在木管、铜管声部进步神速,各声部水平也变得更均衡。在上海交响乐团团长周平看来,近年来,乐团得益于和国际一流指挥频繁交流合作,上交乐手的可塑性和学习速度已在古典音乐界有口皆碑。“此次巡演收获的掌声、喝彩与好评,就是对我们乐团实力的最佳证明。”

  从知名音乐厅的“入场券”到一流艺术节的“通行证”

  从最早只要走出国门就好,到如今身处顶尖剧场,上交国际知晓度和认可度与日俱增。拉维尼亚音乐节官方杂志以大篇幅封面和内页报道音乐总监余隆和上交;琉森音乐节官方节目册上,上交与柏林爱乐、琉森音乐节管弦乐团等被并称为“顶级交响乐团”;英国媒体把上交逍遥音乐节首秀,同海丁克与维也纳爱乐,巴伦博伊姆、阿格里奇与西东合集等并列为今年音乐节十大精彩看点。

  近年来,上海交响乐团充分依托“一团一策”发展契机,积极拓宽国际合作空间,借力国际著名经纪公司渠道,制订高质量演出季、创办夏季音乐节和新年音乐会、与世界一流乐团和音乐大师密切合作、与国际著名唱片公司签约发碟等,持续提升乐团水准,引起世界各地著名音乐厅、一流音乐节关注,纷纷发来“入场券”。这支立足于国际文化大都市上海的老牌乐团,不失时机敢于作为,用充满活力的真实形象展现在全球乐迷面前。拿到“入场券”只是第一步,凭着真实的实力和正常的发挥,给当地听众留下美好印象之后,才会获得再次邀请。上交就是这样一步一脚印、凭实力把“入场券”换成越来越多顶级剧场演出季和艺术节的“通行证”。

  打响上海文化品牌,上交在举世闻名的艺术节和音乐节绽放光辉。作为首支受邀登台爱丁堡国际艺术节的中国交响乐团,上交收获亚瑟音乐厅2100张门票悉数售罄的礼遇。继2017年后再度亮相琉森音乐节,节日行政与艺术总监迈克尔-海弗里格演出前来到KKL音乐厅后台,与乐手见面的第一句话就是“欢迎回来”。音乐会后,他满怀赞叹地说:“这是又一次巨大成功,我现在就发出邀请——你们一定要再来!”

  中国原创作品,是上交此次巡演每场音乐会的开场必选。中西对话的曲目设计,完成了“交响乐讲述中国故事”的整体艺术表达。在混响效果独特的阿姆斯特丹皇家音乐厅内,乐思细腻的《五行》引领海外观众遨游古老东方,一曲奏毕台下响起热烈掌声。这之前,当上交再度登台格拉芬内格音乐节时,节日创始人、钢琴家鲁道夫-布赫宾德也对中国作品赞不绝口。“《五行》和返场曲《良宵》尤其动人。基于上交在奥地利听众中留下的良好口碑,我们已把她列入今后会常邀的乐团名单。”

  周平说:“上交成立140周年之际举行世界巡演,进一步提升中国音乐国际影响力的同时,也在海外舞台再一次亮出具有上海特色、国际水准的城市文化名片,提升国际文化大都市的标识度。”

  累计飞行两万多公里,职业化、标准化、规范化管理“保驾护航”

  这些年,上交巡演时都会加入中国作品的演奏。比如:2017年欧洲巡演时,何占豪和陈钢的小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》、阿隆-阿甫夏洛莫夫《北平胡同》,都获得了很好的演出效果。今夏巡演,陈其钢《五行》在不同城市多次奏响,音乐中展现的中国传统哲学,激发了当地乐迷的兴趣。

  如果说表演内容激荡起中国乐团和海外观众的文化共振,那么上交职业化、标准化和规范化的乐团管理,则保障了巡演流程的顺利进行。纵观这次规模浩大的巡演——近140人、23天、五个国家、十个航段,累计飞行里程达两万多公里。从恒温恒湿的乐器运输、细节繁多的剧场对接,到迅速适应不同环境的排练走台,百余人队伍的行程规划和安排,所有细微之处无不体现着上海交响乐团的职业和专业,也是国际巡演顺利完成的重要保障。

  此次世界巡演,上交每位乐手和行政人员人手一份“巡演手册”。除演出信息外,酒店信息、飞机航班、大巴分车,甚至酒店和剧场周边的出行用餐信息、各点间车程距离都一一列明。上百人的大团每次入住酒店,十分钟内完成所有人入住的“上交速度”,和舞台上每一位乐手能否呈现最佳面貌一样,“实力”往往就在这些“平常”的细节中积累、催化、迸发。

·把中国的音乐带进澳大利亚

2019-09-22 10:42:14

  “中国培养了我,我心怀感恩,虽身居海外30多年,但看着中华民族的伟大复兴,内心的自豪感油然而生。值此新中国70周年华诞之际,作为一名艺术家,我和悉尼的音乐家们准备在9月1日推出歌颂华夏大地的《神州赞歌》系列原创音乐会之一《草原之恋》,借此表达对祖籍国的热爱。”澳大利亚著名华裔钢琴家吴建刚日前在悉尼接受本报记者专访时深情地说。

  记者初识吴建刚是在去年中国驻澳使馆举办的中秋晚会上,当时他的演奏获得了嘉宾们的阵阵掌声。吴建刚出生于北京一个军人家庭,9岁时被选送到艺术学校学习,后入中央音乐学院深造。1984年,他从中央音乐学院钢琴系毕业,分配到中央歌剧院工作了4年,随后获得一所美国艺术类院校的奖学金,由于当时没有海外经济担保,他只能放弃了赴美留学的机会。此后机缘巧合,他来到了澳大利亚。

  吴建刚动情地对记者说,“在国内,我学习音乐没有花一分钱,当时国家经济底子尚薄,但仍然花大力气培养我们这些音乐苗子。我自认为没有为国家作任何贡献,因此这么多年在海外生活,一直怀揣一颗想要报效国家的赤子之心。这就是为什么我要创作并在澳大利亚推出《神州赞歌》系列音乐会。”

  即将在悉尼北部的查茨伍德音乐厅上演的《草原之恋》原创音乐会,是由10首描绘草原的歌曲组成。为了创作《草原之恋》,吴建刚三去草原,参加了两届内蒙古合唱艺术节。每个艺术家心中都有一片辽阔的、纯净的、想象中的草原。草原之旅激发了他把对祖籍国的爱、对亲朋好友的爱通过音乐表达出来。他的创作灵感就在草原的蓝天、白云、绿色草场、棕色骏马之间喷涌而出。接下来,他还将创作《新疆组歌》《西藏组歌》等,希望能将中国的大好河山融入美妙的音乐旋律之中,也让澳大利亚观众通过音乐这扇窗户,看看中国的山川江河和人文社会。

  吴建刚不仅是位钢琴家、音乐创作者、音乐教育家,多年来他还搭建平台,积极推动中澳两国文化艺术交流,被誉为中澳文化艺术交流的使者。吴建刚说,20世纪80年代后期,他初到澳大利亚时,为了生计,做过音乐以外的很多工作,比如送货送花等。几年后,他重新回到音乐领域,从事音乐教育,参加文化活动。其间,他还创立了澳大利亚黄河合唱团,推动成立了澳华音乐家协会。他最大的愿望是搭建一个艺术平台,让更多华人艺术家的才华得以展现。千禧年之际,他和音乐界的朋友们在悉尼歌剧院举办了两场澳华音乐节。他说,“20世纪90年代,我回国探亲,在音乐学院老师的邀请下,聆听了一场包括郎朗在内的中国本土音乐家演绎的音乐会,让我颇为震撼,也促使我返回澳大利亚后决定投身于中澳文化艺术交流。我由衷地希望将国内优秀的音乐、顶尖的音乐家呈现给澳大利亚观众。随后,我首次策划邀请中国杰出青少年音乐家到悉尼歌剧院演出,演出给当地观众留下了深刻印象,他们感叹中国具有很高的音乐教育水平。”

  此后,吴建刚把重心放在为当地华人社区推广中国文化艺术,比如带相声进社区等。吴建刚说,他和其他音乐人在当地推广中国文化艺术的过程中发现,中华文化博大精深,而澳洲文化不容易融入,因此他们试图寻找能冲破种族文化藩篱的事物,音乐可能是最好的突破口。于是,他们向当地圣诞音乐会推荐一些由华人学生演奏的曲目,让中西文化在音乐中互动。“成功也好,失败也罢,这些经历都变成了生活中的一种正能量,鞭策着我坚守一颗音乐人的初心。”

  谈到他最引以为傲的策划组织的交流项目时,吴建刚说,千禧年之际,他策划组织了《和平之声》《黄河之声》两场澳华音乐节,在悉尼歌剧院推出,大获成功。《和平之声》由华裔音乐家与当地贝多芬协会合唱团合作,演唱贝多芬第九交响乐选段《欢乐颂》,大约有600多人参与,规模宏大。《黄河之声》邀请了中国音协爱乐男声合唱团演唱《黄河大合唱》。在词作家光未然家人的帮助下,他们使全版《黄河大合唱》首次在澳洲推出,场面震撼。《悉尼先驱晨报》对演出进行了报道。“最让我欣慰的是,2012年,为中澳建交40周年献礼,我在悉尼歌剧院举办了一场个人独奏音乐会。中国著名指挥家高伟春担任指挥,我与中央歌剧院女中音歌唱家刘珊同台演出,我演奏了中国钢琴协奏曲《黄河》等。”

  从事中澳文化艺术交流多年,对于文化交流对促进两国关系的重要性,对于中国文化走出去,吴建刚有自己的深刻体会。他说,文化交流起到了润物细无声的作用,是促进中澳关系发展的一个基石。在中国文化走进澳洲的过程中,中国民间文化机构需要给予当地从事中澳文化交流的个人和组织一定支持,从而推动中国文化艺术下社会基层,进当地社区,这样才能让更多的澳大利亚普通民众了解中国文化艺术,进而了解中国。另一方面,中国民间组织还可以支持当地比较知名的文化艺术节,让中国文化艺术融入其中。比如阿德莱德世界音乐节,这是澳大利亚旅游局对外主推的一个项目。我们可以与主办方沟通,选送一些中国的优秀音乐和音乐家参与,在音乐节上向当地观众展示中国音乐。

  (本报堪培拉8月31日电 本报驻堪培拉记者 王传军)

·艺术教育:用孩子的眼光影响世界

2019-09-22 10:35:00

  中国近代以来,从王国维将美育和智育、德育并举,到鲁迅写就《拟播布美术意见书》,蔡元培发表《文化运动不要忘了美育》,美育一直承担着陶冶、净化心灵的德育诉求。艺术教育对于立德树人具有独特而重要的作用。因为艺术教育能够培养学生感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力,引领学生树立正确的审美观念,陶冶高尚的道德情操,培养深厚的民族情感,激发想象力和创新意识,促进学生的全面发展和健康成长。

  美育是审美教育,也是情操教育和心灵教育。面向新世纪的美育,绝不仅仅是单纯的技能训练,而应是通过全方位的艺术熏陶,培养人的艺术鉴赏力,高尚的审美情操和修养。教育部相关文件指出,落实立德树人的根本任务,实现改进美育教学,提高学生审美和人文素养的目标,艺术教育承担着重要的使命和责任。

  什么是面向国际、面向未来的少儿艺术教育?艺术教育应培养孩子们具备何种能力?21世纪属于创新教育的时代,随着现代社会、科技的不断发展,创造力已成为社会对于人的基本能力要求。联合国教科文组织在《世界艺术教育会议联合声明》中提出“构建面向21世纪的创造力”这一主题,认为社会需要的公民应具备:灵活的应变能力;创造性地运用语言或非语言的交流能力;具有批判性思维和想象能力,以及跨文化理解力和对文化多样性的尊重和认同。这正是新时代下,科学技术高速发展的时代所需要的人文情感。同时,也只有在更广泛的文化情境中认识美术教育,才能使得孩子们更好地共享人类文明资源,实现美育与德育、智育、体育相辅相成、相互促进。

  如何发展美育,是一个具有时代意义的命题。随着政策和市场的共同促进,中国的教育产业不断发展。就艺术教育而言,《人民日报》评论显示:近87%的学生在中小学接受了艺术教育,65%的学生参与了艺术社团或兴趣小组,学习掌握了艺术技能;到2018年,美育教师人数达到了71.7万。在2018年《中国家庭素质教育消费报告》中,少儿美术教育凭借44.72%的比例占据了家庭教育消费的榜首。其中,近七成家长认为孩子在3岁至6岁就有必要开始接受艺术教育。

  2019年7月,联合国儿童基金会发布的《儿童友好型城市规划手册》(中文版)中指出:鉴于全球日趋城市化,让儿童参与有关影响他们的生活环境、与城市资源的互动以及塑造行为习惯的决策提供了极大的可能性。

  面对时代际遇和社会需求,在北京文化发展基金会青年艺术发展专项基金支持下,由青年艺术100、中国现当代美术文献研究中心(CCAD)联合发起“少儿100——2019年度少儿人才选培计划”,以海选征集、院校合作、机构推荐为发掘方式,以专家评委、艺术委员会公开评议、甄选、确定最终选培名单为途径,以年度性的海内外巡展、教育论坛、成果结集出版、全方位课程、艺术游学等活动为载体,鼓励儿童自由创作,倡导“多元创意、自信表达”的美育观念,致力于建构与营造具有国际视野、多元创新的良好艺术生态,助力开启孩子们的艺术未来。

  该计划以“美好城市规划师”为主题,希望通过孩子们的创作、展览及系列项目,立足于培养少儿的观察力、思维意识、跨学科能力及创造力,培养少儿的文化意识,促进文化艺术实践和人的全面发展。

  同时,通过呈现孩子们心目中的理想城市愿景,让孩子们以自己的眼光及需求去规划和认识他们的生存环境。让孩子们对于自己生活的环境有更多参与感及成就感,从小培育孩子们的社会主人翁意识,拥有改变世界的勇气与责任感。

  孩子们的生活空间,不仅仅是家、幼儿园、学校与游乐场。他们与成人一样,生活在巨大的、复杂的城市之中。儿童友好城市规划是一个新兴领域,它不局限于添置育儿设施和游乐场,还倡导系统化地设计城市,为孩子们带去安全、健康、公平的成长环境,给他们未来的社会生活带来积极的影响。

·从《巴黎圣母院》到《图兰朵》

2019-09-22 09:14:19

  对谈嘉宾 理查德-科西昂特(法语音乐剧《巴黎圣母院》、中文原创音乐剧《图兰朵》作曲)

  对谈记者 王润

  正在天桥艺术中心上演的法国音乐剧《巴黎圣母院》20周年纪念版,无疑是这个夏天最热门的演出。剧中每个人物都散发着光彩,每个唱段都洋溢在人们心头。尤其是全场观众一起高声合唱剧中经典歌曲《大教堂时代》的盛况,更是每天演出谢幕时都会上演的感人时刻。谱写这些动人旋律的,是享誉国际的著名作曲家、歌手理查德-科西昂特。此次他携夫人专程飞到北京,不仅登上了《巴黎圣母院》的舞台,和观众们一起合唱剧中歌曲;而且还有另外一个重要任务,就是作为北京四海一家文化传播公司正在打造的中文版音乐剧《图兰朵》的作曲,为《图兰朵》亲自挑选演员。

  这位有着多元文化背景、个性强烈的音乐家,个子不高,但气场强大;一头浅棕色卷发,散发着艺术家浪漫诗情的气质;眼神中流露出谦逊、温和的笑意,但常常紧抿着的嘴唇,又让人感受到他对艺术的严谨和苛刻……当年,《巴黎圣母院》全世界9个语言版本的主演全都由他亲自选定,而这一次,什么条件的中国演员才能得到他的青睐,成为中文版音乐剧《图兰朵》舞台上的耀眼明星?为此,本报记者专访作曲家理查德-科西昂特。令人没想到的是,他毫不在意演员的资历和背景,而更看重的是艺术的天分和才华。不管你是什么年龄、背景,也不管你是不是专业学过音乐、甚至识不识谱都不重要,最重要的是,你有才华和天赋!”

  “我的作品无法定义为一种类型”

  记者:上一次看到您,是中文版原创音乐剧《图兰朵》在故宫举办的发布会上,当时您现场唱了《巴黎圣母院》中的经典曲目《大教堂时代》,令人难忘。而这一次,不仅您最重要的代表作《巴黎圣母院》音乐剧正在北京热演,您还登台跟中国观众一起合唱。看到自己的作品受到中国观众的喜爱,您是什么样的心情呢?

  科西昂特:《巴黎圣母院》从1998年首演到现在,已经在全世界很多国家上演了5000多场。这一次看到中国观众竟然可以用法语跟我一起合唱其中的歌曲,让我非常惊喜,也很感动,这对于我来说,真的是很棒的礼物。

  记者:《巴黎圣母院》诞生21年来,据说音乐和编曲部分没有做过任何修改,但至今仍然能够常演不衰,震撼人心,而且它的音乐风格似乎不同于其他音乐剧,非常多元,又有着强烈的个性特色,这是不是和您个人独特的成长经历有关呢?

  科西昂特:一部作品其实创作出来之后就已经很完整了,不需要再做额外的修改,否则反而会破坏它原有的和谐。《巴黎圣母院》可以说是我创作音乐剧的“开山之作”,也奠定了我后来作品的风格,它不同于其他歌剧、音乐剧、摇滚戏剧,而是一种综合了各种元素,取其精华,它不属于任何一种类型。我从一开始创作作品,就不喜欢追赶潮流或者迎合大众,而是去创作独特的具有个人风格的音乐。我的父亲是意大利人,母亲是法国人,我出生在越南,受到过东方文化的影响,11岁后回到欧洲,在罗马长大,现在经常住在爱尔兰。我可以用法语、意大利语、西班牙语三种语言创作,我也喜欢各种类型的音乐,古典乐、摇滚乐、爵士乐……但我不会只专注于其中某种类型,而是把它们融合起来,从而扩展自己的音乐世界,更好地去表达自己想要表达的东西。

  “图兰朵的纠结复杂和现代女性很像”

  记者:您的成长经历有着东西方文化的背景,您现在正在选角的《图兰朵》也是一部融合了东西方文化的故事。听说您十多年前就已经把这部作品的音乐创作出来了,这是一部什么样的作品呢?

  科西昂特:2006年,我花了一年的时间把这部作品的音乐完成了。现在音乐小样也已经完成了,我自己把里面所有的歌曲都演唱了一遍,我所有的作品,都会在讲述故事的同时,去呈现精神层面的东西。无论是《巴黎圣母院》,还是《图兰朵》,内在的主旨都是希望人们接纳差异,寻找内心深处的自由,寻找存在于世间的意义,寻找爱的意义。我想要告诉人们的是,认清你自己是十分必要的。不要试图成为别人,要勇敢做自己,这是我的作品想要传达的最珍贵的信息。

  记者:《图兰朵》作为歌剧已经被很多人熟知了,那么这次的音乐剧有什么不同呢?

  科西昂特:我需要特别重申的是,这个作品和伟大的普契尼歌剧《图兰朵》无关,而是基于来自阿拉伯民间故事集《一千零一日》中的故事。在这个有着东方背景的故事中,不仅有外在的战争冲突,也有人物内心的纠结。主人公图兰朵公主本身就是一个内心很纠结的人物,她在小的时候遭受到父亲被抢走的刺激和伤害,所以在内心筑起了一道墙,对接触男性、接受爱都有种抵触,是一个起初不懂得爱的角色。她在男性面前表现的非常高傲冷酷,但内心其实是非常脆弱的。卡拉夫王子的到来,其实就是为了打破她心中的那堵心墙,让她知道什么才叫作爱。

  图兰朵有点像是一个处于全世界中心的人物,所有的男性都想去追求她。但他们所描绘出的她的形象,并不是真实的她。而她的困境在于,如何在如此强烈的名望光环之下,如何去面对内心真正的情感。这其实有点像现在的明星一样,既有在公众面前的形象,也有属于自己的一面,二者可能截然不同。现代生活中其实也有很多这样的女性,为了在社会中争取自己的一席之地,表现出的并不是自己内心真正的性格和情感。

  记者:那您认为什么样的演员适合塑造这样的角色呢?

  科西昂特:我不是在找演员,而是在找有才华的歌手。我会避免去找演员性质的歌手,我想要的不是表演出来的,而是自己本身就具有强烈的个性和天分的歌手。唱歌不仅仅是技巧性的艺术,更多是传达自己思想和价值观的方式。在图兰朵这个人物身上,有两种个性融为一体,既要表现出权威和冷酷,还要表现出她内心非常脆弱的小女孩的一面,是非常复杂和冲突的,所以我想寻找天性就有这样特色的歌手。

  “比起学历、资历和年龄,最重要的是才华和个性”

  记者:我之前听到有些音乐剧的导演说,音乐剧的演员最重要的是表演能力,是演技,而不是唱功好。这跟您的说法好像不太一样?

  科西昂特:我的观点完全相反,我觉得唱歌的才华要比演技更重要。因为演技可以去学习,但一开始就是适合这个角色的有才华的人,这是学不来的。所以我要找的,是真正符合角色个性的有才华的歌手。作为一个艺术家或者歌手,最重要的是要呈现出自己个人的独特之处。我看到很多有着学院背景的歌手,确实学校可以让我们学到更多音乐和表演的技巧,但更重要的是你如何在学习之后能够突破这些技巧和框架的束缚,去寻找属于自己的风格。学校教育常常以统一的标准把大家都塑造的比较类似,但你在进入这个行业开始自己的个人艺术生涯时,还是要去寻找自己明显的个人特色。而这和年龄、资历是没有关系的。

  我很喜欢和一些非常年轻的歌手合作,比如《巴黎圣母院》中有一个扮演卡西莫多的演员,当初被我选进来的时候,只有15岁。才华不是通过年龄、学习来堆积出来的,而是与生俱来的天赋。我自己就不是学院派出身,我从来没有到专业的音乐学校学习过唱歌、弹钢琴,还有作曲,但我都能做到,我都是完全自学的。

  记者:所以您会希望有更多不一定具有专业背景,但是有才华的歌手来参加《图兰朵》的演员招募吗?

  科西昂特:太欢迎了!无论你什么年龄、什么经历,无论你唱的是哪种类型的音乐,只要你有才华,我们都欢迎!《图兰朵》中有很多的角色,既有年轻的,也有年长的,所以我们需要不同年龄、不同性格的演员。像《巴黎圣母院》中的演员,他们来自各个国家,各自的求学经历和生活经历都很不一样,有的之前是唱蓝调爵士的,有的是唱摇滚的,有的甚至不会识谱但歌唱得很好……正是因为有这样的融合,才会让作品变得更饱满丰富。我希望有更多有才华的歌手来到我们这里,不用顾虑自己的音乐背景和风格,原原本本展示出自己的个性,这是最重要的!

  记者:听说《巴黎圣母院》全世界9个语言版本的演员,都是您亲自挑选的?这次来中国演出的唯一参加过1998年首版演出的演员丹尼尔“丹叔”,也是您当初选定的吗?他当时被选中的时候是一个什么样的情况呢?

  科西昂特:是的,丹尼尔也是我选的。他当时在加拿大有一点名气,但在法国默默无闻,他没有学过古典乐,对自己能否胜任这个角色也感到有些惶恐、怀疑。因为主教这个角色的音域要求非常广,高低音跨度很大。为了让他演好这个角色,我帮他找到适合他的发音方式,后来他的妻子来看他的彩排时也很吃惊,说没有想到他可以唱得这么好!无论是丹尼尔,还是扮演卡西莫多的演员,他们都是在音色和个性上非常有特色的人。在中国也有很多有才华的歌手,我们期待着能把他们找到,希望更多有个性、有才华的人,加入到我们的《图兰朵》当中来!也许其中就有未来的“丹叔”呢!

·引吭高歌奋进曲 深情礼赞新时代

2019-09-08 15:56:40

  8月29日晚,由中国文联和中国音协共同主办的庆祝中华人民共和国成立70周年——《奋进新时代》大型原创交响合唱音乐会在国家大剧院音乐厅举办。此次音乐会演出的作品是中国文联和中国音协组织音乐界中坚力量,紧扣新时代主题,坚持以人民为中心的创作导向,集中创作推出的优秀原创成果,力求全面反映新时代,深情讴歌新时代,把中华儿女对祖国的热爱和对新时代的赞颂,化作温暖人心、振奋人心的最美和声。

  中国文联主席、中国作协主席铁凝,中国文联党组书记、副主席李屹,中国文联副主席赵实,中国文联党组成员、副主席李前光、陈建文,中国文联党组成员、书记处书记董耀鹏,中国文联原党组领导杨承志,中宣部文艺局局长汤恒,中国文联副主席、中国音协主席叶小钢,中国音协分党组书记、驻会副主席韩新安,以及中国文联各全国文艺家协会、机关各部门、各直属单位和北京市文联等单位主要负责人与音乐界代表、首都各界群众观看音乐会。

  《奋进新时代》大型原创交响合唱音乐会由“序”、四个乐章和“尾声”六部分组成,共12首作品贯穿其中,通过独唱、重唱、合唱和单乐章交响曲等形式演绎,饱含抒情、抒怀、赞美、自豪、激励、奋进的情愫,既有大气磅礴,又有高山流水,既有振聋发聩,又有涓涓细流,急缓有致,动静相谐,张弛有度,相映生辉,以丰富的音乐语言生动表达了中国人民置身于新时代的幸福感和使命感。

  “序”由混声合唱《祖国的道路》(朱海词、胡尧曲)作为开场歌曲,回眸中国特色社会主义波澜壮阔的伟大征程,表现了中国人民从“站起来”到“富起来”“强起来”的自豪感,展现出新时代人们坚定自信的精神风貌。

  第一乐章“新时代的脚步”由三首歌曲组成:混声合唱《追梦人的脚步》(陈维东词、王喆曲)节奏紧凑,描写了在追梦的道路上,从一群人一个梦到每一名中华儿女都是追梦人,在党的带领下,向着民族复兴的目标勇往直前的气概;女高音与混声合唱《嫦娥与我》(陈涛词、印倩文曲)以具有海南黎族民间音乐特色的元素,营造了富于浪漫色彩的静谧意境,表现了“我”与嫦娥号遥遥相对的深情;男、女高音与混声合唱《高铁来了》 (杨启舫词、栾凯曲)独辟蹊径,以偏远山区百姓的视角,歌唱高铁通车来到自己家乡时的欣喜,展现高铁给人民的物质生活和精神状态带来的变化。

  第二乐章“新时代的向往”由三首歌曲组成:混声合唱《我向往》(宋青松词、孟卫东曲)用亲切自然的语言、和谐优美的音乐,表达了不同阶段、不同人群的美好向往,以及为实现这些向往而努力奋斗的精神;女声组合与混声合唱《金不换银不换》(罗木果词、阿说阿木曲、具本哲改编)运用富有生活气息和地域特色的语言和音调,表达了西南少数民族人民对党和政府的感恩之心和对绿水青山的由衷赞美;男高音与混声合唱《一个都不能少》(屈塬词、张千一曲)以浓郁的陕北风格,高亢明亮地展示了脱贫攻坚战取得决定性进展的生动画卷,洋溢着人民群众在小康路上大步跨越的豪迈心声。

  第三乐章“新时代的荣光”,演奏由著名作曲家关峡创作的同名单章交响曲《新时代的荣光》。作品采用奏鸣曲曲式原则,表现中国共产党带领中华儿女在奋进新时代的历史进程中,各行各业奋斗者们的昂扬精神与喜悦之情。

  第四乐章“新时代的奋斗”由三首歌曲组成:混声合唱《我奋斗,我快乐》(王晓岭、宋小明词,杨帆曲)以简洁明快、朗朗上口的歌词和旋律,充分运用合唱艺术丰富的表现手段,呈现了奋斗者的光荣和自豪感;男声三重唱《奋斗的血脉》(宋小明词、鄂矛曲)以三代人的视角,讴歌了共和国建设者们前赴后继的奋斗历程和牺牲精神,刻画出一代代为了祖国富强与人民幸福而奉献终身的英雄形象;女声独唱《奋斗才有幸福来》(张咏民词、杨一博曲)选取了与老百姓生活息息相关的真实体验和感受,以平实质朴的语言和清新流畅的旋律,生动而形象地诠释了奋斗的意义和幸福的真谛。

  “尾声”呈现的男、女高音与混声合唱《新时代的光芒》 (王晓岭词、印青曲)是一曲赞美新时代的辉煌颂歌。作品选取了具有典型性的新风貌、新气象、新画面,以磅礴的气势和热情的赞美之情,讴歌了新时代祖国建设的巨大成就,展示了新时代思想引领着全国各族儿女面向世界、走向未来、实现民族复兴的自豪喜悦之情和坚强信心。

  大型原创交响合唱《奋进新时代》由中国音协副主席、著名作曲家印青任艺术总监、音乐组组长,著名词作家王晓岭任文学组组长,中国音协副主席、著名指挥家张国勇指挥,著名指挥家、音乐教育家吴灵芬任合唱总监,著名舞蹈编导刘晓栋任导演,著名词作家杨启舫撰稿。音乐会由中国爱乐乐团担任演奏,中国音协爱乐男声合唱团、中央音乐学院合唱团和北京音协合唱团参与合唱。著名歌唱家张也、杨小勇、王宏伟、王丽达、周晓琳、龚爽、薛皓垠、王传越、王传亮、陈淼和“彝彩妹妹”组合等参加演出。音乐会由朗诵表演艺术家徐涛担纲朗诵,马跃、于芳共同主持。

  党的十八大以来,以习近平同志为核心的党中央高度重视文艺工作,习近平总书记对文艺工作发表了一系列重要讲话和重要论述,为新时代文艺工作和文联工作指明了前进方向,提出了明确要求。组织创作推出大型原创交响合唱《奋进新时代》,是中国文联和中国音协深入贯彻落实习近平总书记重要指示精神的具体实践和工作举措。从策划至今历时近一年的时间,先后组织召开了16次研讨会、改稿会、审听会等,广泛征求意见,充分研讨论证,反复打磨提高。音乐家们以高度的使命感和责任感,潜心创作,倾情奉献,将中国传统音乐元素、地域民族风情和当代中国音乐表达有机地结合起来,题材视野新颖、思想情怀真挚、风格形式多元、艺术地展现了时代脉动和时代风貌,具有重大的政治意义和现实意义,具有高度的历史价值和艺术价值。

  (中国文学艺术基金会中国文学艺术发展专项基金 资助项目)

·高原飘来动人的歌

2019-09-08 15:54:38

  ——2019中国少数民族藏语原生态唱法情歌展演综述

  民歌是中华文化的根基和源泉之一。其中,藏族情歌作为我国民歌的重要组成部分,是藏族儿女交流感情、歌颂美好生活的一种民间艺术形式,以其鲜明的地域特色和厚重的藏族文化底蕴独树一帜。

  8月20日至21日,由中国民间文艺家协会、青海省文学艺术界联合会、青海省民族宗教事务委员会、青海省文化和旅游厅、青海省广播电视局、青海省海南藏族自治州人民政府主办的2019中国少数民族藏语原生态唱法情歌展演,在“中国藏族情歌之乡”海南藏族自治州共和县举行。来自青海、甘肃、西藏、四川、云南5个省区的80位藏族原生态歌手登台献唱,为观众带来一场藏族情歌的视听盛宴。

  多元一体 打造藏族民歌盛会

  “藏族民歌种类丰富,其中,拉伊(情歌)占比最大、数量最多,也最生动、感人、鲜活、真挚,能触及人心灵深处。”青海省音乐家协会主席苍海平介绍,目前传唱的藏族情歌达10万多首,且每个地区的发音、唱法均有差异。此次展演以“弘扬中华优秀传统文化、共庆新中国七十华诞”为主题,以“唱响民族团结、感恩伟大祖国”为主线,分3场进行,覆盖了卫藏、康巴、安多三大藏语方言区的多种情歌类型,全方位展示了藏族情歌文化。

  “迪庆十几个乡镇都有情歌流传,高原、峡谷、牧区等不同区域有不同特点。”云南省迪庆藏族自治州非遗中心工作人员益新卓玛说。她携8位藏族歌手乘飞机辗转至西藏拉萨、青海西宁,再乘车来到共和县,行程千余公里,晚上到达便立刻进行排练。益新卓玛说,为了准备此次展演,他们耗时一个多月,邀请专家对不同区域的歌词发音、曲调进行研讨,在9个节目中展示了12首精选曲目,“我们想尽可能充分展示迪庆藏族文化,把原生态歌曲传承下去”。

  与云南相似,西藏拉萨、昌都、林芝、那曲等地的情歌皆有不同风情,8位西藏歌手每人平均演唱3首,演绎了藏族情歌的丰富内涵。对此,西藏自治区音乐家协会主席才仁巴松表示,藏族人民的能歌善舞、纯朴善良、热情豪放,在藏族音乐中都能得以诠释。

  “此次是改革开放以来首次举行5个藏区三大藏语方言区情歌的集中展演,在文化保护、文化和方言交流方面都具有开创意义。”青海省民间文艺家协会主席索南多杰表示。

  根植本土 藏族民歌活态传承

  台上的演出酣畅淋漓,台下的故事诉说不尽。藏族情歌与藏族的成长历程同步,承载着民族的创造力和生命力,显示出独特的文化价值。然而,近年来,随着藏族人民生活方式的变迁,藏族情歌一度式微。记者了解到,在此次展演中,众多原生态藏族民歌手在深入挖掘藏族文化、保护传承藏族民歌方面,做出了有益探索。

  流传于四川省黑水县的国家级非遗项目阿尔麦多声部民歌,是川西北嘉绒藏族的原生态歌唱方式。由于嘉绒藏族没有文字,阿尔麦多声部民歌一直靠口口相传来延续。阿尔麦多声部民歌传承人泽英俊的爷爷将阿尔麦多声部民歌传给泽英俊的父亲泽旺扬初,泽旺扬初每天早上都会把一家人叫醒,到河边练唱。受父亲影响,泽英俊辞掉了在当地交通局的工作,全身心投入到民歌传承中。此次展演,泽英俊携妻子、内弟、女儿同台演唱,展示了祖先留下的文化财富。“专家认为阿尔麦多声部民歌有价值,其他藏族同胞也给了我坚持下去的信心。我们要把自己的民歌唱到更远处。”泽英俊说。

  在位于我国西南边陲的西藏阿里地区,次仁措姆同样坚守着父亲传给她的阿里宣舞。宣舞是西藏特有的集说、唱、跳于一身的藏族传统抒情歌舞,承载了西藏古格王朝的历史文化记忆,至今已有上千年历史。一直以来,传承阿里宣舞是次仁措姆的一个心愿。丈夫去世后,次仁措姆失去经济来源,为抢救濒临失传的宣舞,她仍自费数万元、耗时数月自制服饰,并发动17个朋友学习现存的39首宣舞。谈及此次演出,次仁措姆止不住地流着泪说:“在这么大的舞台上展示宣舞是报答父母的恩。祖先传承下来的民族文化不能丢,一定要发扬光大。”

  困惑与发展 保护藏族文化生态

  事实上,藏族民歌的发展并非一帆风顺。相比原生态民歌,现在很多民众更接受通俗歌曲。即便如此,雪之子组合中的康巴汉子慈吉龙部还是希望有更大的平台去展示和传播原生态歌曲。流行作品火得快,但潮流过了就会被人遗忘,原生态民歌是永恒的,有持久的生命力。

  近年来,随着我国非遗保护工作的逐步深入,各类针对传统民歌的传承推广工作火热开展,如何兼顾原生态音乐品质和时代审美需求,一直是民歌传承发展面临的一大难题。

  “原生态民歌是土生土长的,经过当地民间长期的代际传承,凝结了众人的智慧,反映了大多数人的审美选择;原生态民歌也是通俗凝练的,无论是唱词还是曲调,都是民众易于学习传唱的。因此,每当华丽的引腔唱起,牧民就会闻声而聚拢,激动之情写在脸上。”中国音乐学院教授李月红说。

  据了解,此次原生态民歌展演活动不作任何声部、乐器的改变和加工,经互联网直播,视频播放量第一天达到69万,第二天达到127万。“藏族民歌的生态环境保存相对完整,这是藏族民歌文化之福,也是中国民歌文化之福。”中国传媒大学教授何晓兵表示,传统民俗文化是传统民歌赖以生存的主要土壤。保存好藏族聚居区的文化土壤,“拉伊”才能更好地“热”起来。

  “以情动人是藏族情歌的魅力,即使听不懂藏语歌词,观众仍然可以毫不费力地分辨出歌中传递的情绪,并随着旋律节奏的起伏触摸到歌者的忧伤和欢乐。”中国民间文艺家协会顾问罗杨说,越是在社会发展“乱花渐欲迷人眼”的时候,艺术越要回到生活的初衷和本真。要让藏族情歌原汁原味地保护和传承下去,让古老的情歌在全面继承传统的基础上,在新时代绽放出更加夺目的光彩、焕发出新的生机和活力,从而薪火相传、弦歌不辍。

·看“2.5次元音乐剧”怎样在中国落地

2019-09-08 15:52:30

  日前,由网易游戏旗下现象级IP《阴阳师》衍生的音乐剧《阴阳师之大江山之章》,经过上海、郑州、成都、重庆、长沙、武汉等9站35场演出后,在北京天桥艺术中心落下帷幕。场场爆满、一票难求、粉丝扮演剧中角色去看戏……这部号称中国首部的“2.5次元音乐剧”,带来的不仅仅是票房的火爆。

  所谓“2.5次元音乐剧”是指以真人演员还原二次元作品的音乐剧,即将二次元的动漫、游戏作品,重现在三次元的真实舞台。这种演出形式在日本已形成成熟体系。和真人电影一样,“2.5次元音乐剧”逐渐成为动漫游戏IP产业链中不可或缺的一环。近年来,国内先后引入了日本的《火影忍者》《美少女战士》等“2.5次元音乐剧”热门作品,而《阴阳师》则是国内创作的首部游戏IP衍生音乐剧。

  《阴阳师》是由网易游戏自主研发的3D日式和风回合制RPG(角色扮演游戏)手游,游戏以小说《源氏物语》中的古日本平安时代为背景,讲述了阴阳师安倍晴明于人灵交织的阴阳两界中,探寻自身记忆的故事。

  相较于其他游戏IP在二次创作中遇到的剧本问题,音乐剧《阴阳师之大江山之章》放弃了改编整个游戏剧本,而是另辟蹊径,从日本作者梦枕貘的同名原著中截取片段进行扩充。“这个在原著中类似‘番外’的故事,在游戏中大约需要2小时至3小时完成体验,与舞台剧的时长完美契合。不得不说,原作游戏提供了一个极好的剧本基础。” 该剧运营方普润国际总裁李昆说。

  为了吸引更多玩家走进剧场,该剧在创作中特别加强了玩家熟悉的主人公塑造,一系列原本只在手机屏幕中可见的动画形象与武器装备,生动地出现在音乐剧的舞台上。为了呈现剧中日本平安时代的着装特色及风貌,除邀请日本剧作家进行剧本创作外,该剧全部采用日本舞台剧演员作为主创,他们丰富的“2.5次元音乐剧”表演经验,吸引了不少该类别的粉丝到场助阵。此外,舞台设计领域,多媒体视频的引入,巧妙解决了传统舞台剧布景中的虚实问题,也把玩家观众直接拉到熟悉的游戏氛围内。

  为了强调游戏的IP属性,提升音乐剧与游戏的黏性,该剧还特别以阴阳师施咒前所念的“急急如律令”为切入点制作了主题曲,在剧中反复使用,玩家惊呼“十分洗脑”。曾创作机动战士高达《SEED》系列等顶尖动漫作品的作曲家佐桥俊彦担纲该剧作曲,用音乐烘托了演出中扣人心弦的编舞、打斗等多番动作展示的战斗场面。

  除了剧目制作,该剧在商业化运作上也借鉴了不少日本“2.5次元音乐剧”的成功经验。“今年,中国的二次元用户已达到4亿人,要想把他们吸引到传统剧院中来,仅靠宣传音乐剧本身是行不通的,所以我们采用了一些创新的营销手段,如看剧送闪卡等。”据李昆介绍,本次音乐剧衍生品中包含了角色的Q版毛绒玩具、徽章、钥匙链、手持风扇等。同时,观众还可以得到随票赠出的角色皮肤闪卡,大家可凭票在演出现场兑换音乐剧主人公在游戏中的限定皮肤,这也成了不少观众看戏的动力。“有些观众甚至为了拿到附送的闪卡来到剧院,从而爱上了音乐剧,为传统舞台艺术带来了新的观众群体。”李昆说。

  据运营方介绍,目前音乐剧《阴阳师之大江山之章》的观众群体中,纯音乐剧的观众与游戏玩家的比例大概三七分成,剧目单场票房销售大约在70万元,此外仅周边商品销售额,单场也高达10万元左右。

  音乐剧《阴阳师之大江山之章》的巡演成功,也引发了戏剧界对IP的思考。“最近几年IP剧不少。目前看来,IP影响力的大小,往往成为这些作品的市场晴雨表,而作品的生命力则维系在剧作的内容质量和演出品质上。把IP的内容经营好,故事讲好,人物塑造好,在IP的基础上进行新的有益创造,这样的IP改编才是有前途的。”青年戏剧评论家徐健说。

  中国戏剧文学学会常务副会长梧桐认为,在中国,舞台演出一直是个相对小众和高度分散的市场,所谓“2.5次元舞台剧”更是小众中的小众,但因这部分作品源于手游等“圈粉”游戏,客观上可以把已经形成完整产业体系与相对成熟市场的大量青少年游戏玩家带入剧场,成为“戏粉”。当二次元由游戏跨界至戏剧,无论对游戏而言,还是对戏剧来说,这场台上台下、业内业外的共融共合,前景无疑令人期待。

·《复兴的力量》源自“中国精神”

2019-09-08 15:48:39

  由北京市委宣传部、山东省委宣传部、中央军委政治工作部制作的歌曲《复兴的力量》荣获第十五届精神文明建设 “五个一工程奖”。为此,记者走访创作者之一、作曲家印青,听他讲述这首歌曲创作背后的故事。

  “这首歌就创作于去年这个时候。”说起这首歌,印青仍难掩激动。《复兴的力量》由作曲家印青和词作家李维福共同创作,殷秀梅演唱。这首歌曲表达了全国各族人民对美好生活的向往和对祖国的热爱之情,讴歌了党的十八大以来祖国建设取得的巨大成就,继而展现出中华儿女为实现中华民族伟大复兴中国梦的决心。

  “本来这首歌叫做《中国精神》,也是我和李维福合作的,但是大家觉得《中国精神》和中华儿女为中华民族伟大复兴奋斗的内容还有些距离,就请我们重新填词作曲,写了现在这首《复兴的力量》。”印青说,这首歌虽然来源于《中国精神》,但和修改之前相比,已经完全是另外一个样子,“《中国精神》只是合唱,《复兴的力量》就听感而言,简明欢快、朗朗上口,这其实是印青深思熟虑后的选择,“给这首歌谱曲不容易,因为它的歌词信息量很大,其中包括老百姓对祖国的感情,对祖国建设成就的自豪,还有不忘初心、牢记使命、实现中华民族伟大复兴这样宏大的时代命题,内容丰富,立意深远。”印青说,在歌词信息量很大的情况下,如果作曲也很繁复,出来的效果就不一定好,所以他决定用简洁的音乐手段表现这些内容。

  简洁不等于简陋。如何用音乐进行高度凝练的表达,印青也琢磨了很久。与此同时,他心里还装着一件事:歌曲旋律要过耳不忘,适于群众传唱,达到艺术性和大众性的统一。为此,他尝试了很多种方式。最终,他找到了“咪拉咪拉”的核心旋律,一首简洁明快的歌曲就这样流淌而出。“从专业角度来说,这是一种洗练的技法,观众听起来很贴近生活,听几遍就会了。”他还决定用小调曲式创作,“小调曲式给观众带来温暖感,很亲切,同时我还使用进行曲的速度,让整首歌曲刚柔并济,既激昂向上,又不是那么‘硬’,非常贴近生活。”

  由于歌曲带有刚柔并济的风格,创作出来后准备找领唱时,印青一下就想到了歌唱家殷秀梅,“我和她合作过很多次,她的风格特别适合这种大气的作品。”在印青印象里,殷秀梅唱歌大气且擅长抒情,现场表现力很强,“《复兴的力量》这首歌虽然类似进行曲的节奏,但也有舒缓抒情的地方,什么地方要表现得有力量,什么地方要缓和下来,这个尺寸很难拿捏,但我认为殷秀梅可以呈现得很好。”

  果不其然,殷秀梅的演唱为这首歌更加添彩。录制歌曲时,殷秀梅和印青的合作就非常顺利,更让他感到满意的是在现场,每次殷秀梅在舞台上唱这首歌,底下的观众都掌声如雷,“我还跟她开玩笑说,这个歌本身还不错,但是主要靠歌唱家表现。”印青谦虚地说着,难掩兴奋的心情:“最终效果出神入化,我都在座位上直拍巴掌。”

  

·《南泥湾》《白毛女》作曲者马可日记手稿入藏国博

2019-09-08 15:46:04

  提起《南泥湾》《咱们工人有力量》《吕梁山大合唱》等耳熟能详的歌曲,以及《白毛女》《小二黑结婚》等著名歌剧,人们就会想到我国著名作曲家、音乐理论家马可,这些动人的旋律都出自他的笔下。26日下午,马可先生的46册珍贵日记手稿正式入藏中国国家博物馆。王春法馆长向马可的家属代表颁发了收藏证书。

  马可学生时代参加抗日救亡运动及抗日宣传活动。1940年到延安鲁迅艺术文学院音工团工作。1943年参加了“秧歌运动”,创作多部秧歌剧。1945年到东北解放区工作。新中国成立后历任中央戏剧学院音乐室主任、歌剧系主任,中国戏曲研究院音乐室主任,中国音乐学院副院长、代院长,中国歌剧舞剧院院长,中国歌剧团领导小组组长等职。马可毕生勤奋写作,创作过各种体裁的音乐作品600多首,代表作品如歌曲《吕梁山大合唱》《南泥湾》《咱们工人有力量》、秧歌剧《夫妻识字》、歌剧《白毛女》(主创)《小二黑结婚》、管弦乐《陕北组曲》、评剧《志愿军的未婚妻》、电影音乐《画中人》《梅兰芳》《红河激浪》等。

  《南泥湾》创作于1943年,当时日伪军大举进攻抗日根据地,国民党顽固派也加紧封锁包围抗日根据地。在最困难的时期,毛泽东发出了“自己动手,丰衣足食”的号召。为了歌颂在根据地大生产中建立功勋的八路军战士,由鲁迅艺术文学院音乐系马可作曲、戏剧系贺敬之作词的歌舞剧《花篮的花儿香》应运而生。后经贺敬之、马可对《花篮的花儿香》的修改,整理为歌曲《南泥湾》,这首歌很快在边区和大后方传唱开来,至今不衰。

  马可是民族音乐的提倡者,也是创作中国民族新歌剧的实践者。《白毛女》的创作,是我国音乐家对新歌剧进行探索的第一步。它以一个带有传奇色彩的典型事例,深刻概括了20世纪40年代中国人民的反帝反封建斗争。《咱们工人有力量》是1948年初夏马可深入新解放的鞍山钢铁厂体验生活的产物。在鞍钢,马可亲身感受到中国工人阶级那种不怕苦、不怕累,以生产劳动一心一意支援解放战争的豪情,于是创作出这首流传极广的优秀歌曲。

  王春法表示,此次入藏的46册马可日记手稿,几经周折才得以保存下来,具有较高的文献研究价值,对研究特定历史时期的社会和文化生活具有重要的史料价值,对完善国博名人手稿书信类馆藏体系具有一定的现实意义。今后,国博将继续拓展征集范围,丰富和完善反映革命文化和社会主义先进文化代表性物证的馆藏体系,更好发挥凝心聚力、弘扬社会主义核心价值观、增强文化自信的作用。

  入藏仪式上,马可的女儿马海莹与马海玲共同朗诵了父亲所著《日记的故事》的片段。

·谭利华:耕耘树艺只做三件事

2019-09-08 15:43:59

  盛夏,炎热,透过咖啡馆的透明窗,可以望向外边繁茂的绿树。指挥家谭利华面前有一杯咖啡,还有一摞报纸。

  《银棒挥洒爱乐情——记北京交响乐团首席指挥谭利华》《谭利华率北京交响乐团一行今赴德国和奥地利进行商演》《北京交响乐音回响欧洲大地》……这些是几十年来《北京日报》对谭利华和北京交响乐团的报道,它们像一根隐藏的线,串联起这位指挥家与这支交响乐团走过的风雨兼程。

  往事斑驳,林林总总,几言几语,实难概述,不过谭利华总结得精辟到位,他说自己一生只做三件事:建立一支与首都地位相称的交响乐团,推动高雅艺术普及,推进中国作品创作。

  “夙兴夜寐,耕耘树艺,手足胼胝……”《荀子-子道》里这句话借喻在谭利华身上,也许并不为过。对艺术,他爱得纯粹,炽烈;而对北京的艺术发展,他尽一己之力,做得无怨、无悔。

  执掌北交

  “手心向上”找钱,拉帘考核留人

  “只有乐团里每个人都是优秀的,乐团的水平才能提高”

  “现在需要年富力强的指挥家顶上去,你们一个一个都走了,谁愿意留下来呢?出去是锦上添花,留下是雪中送炭。”因为我国著名指挥家、“李大爷”李德伦的一句话,谭利华的命运轨迹发生了改变。

  出生于江苏的谭利华,无论从外形还是性格来看都更像是北方人,耿直豪爽、直言不讳,面对艺术争论甚至不留情面。1991年,他本可以选择在国家级乐团——中央乐团(中国交响乐团前身)担任指挥,也可以选择出国深造,但就因为恩师李大爷的那句话,他决定留在北京,担任北京交响乐团常任指挥,并于1993年出任团长。

  彼时,北交是一张白纸,一张让人有些尴尬的纸:乐手水平参差不齐,士气不足,乐团经费捉襟见肘,全无职业化交响乐团的样子。“一个国家的首都,要有一支和这座城市地位相称的、高度职业化的交响乐团。”谭利华觉得,北京交响乐团的地位,应和德国的柏林爱乐乐团、奥地利的维也纳爱乐乐团、英国的伦敦交响乐团一样,说出去让人竖大拇指,才对得起中国北京的门面。

  心怀信念,谭利华签下“军令状”,接下改造北京交响乐团之重担。

  交响乐团要发展,一靠经费,二靠人才,北交在这两方面都堪称困难户。“李德伦说,指挥家的手心都是向下的,这样才能指挥。”谭利华却把手心向上一摊,“我当了团长,就得手心向上,各方找钱,这才知道要钱有多难啊。”

  多年来,谭利华为了乐团四方“化缘”,次数无限。有一次,他站在对方办公室外的楼道里等待,同时还有另一个人也在,俩人攀谈起来。谭利华说自己是来要钱的,没想到对方说了一句:“我也是来要钱的,他们的盒饭还没给钱呢!你也是卖盒饭的吗?”闻此,这位大指挥家苦笑了一下,心中滋味实难描述。

  回顾北交一路跋涉,谭利华特别感谢北京市委和北京日报社的支持。据1994年12月20日,《北京日报》头版刊发报道《北京日报社每年资助北京交响乐团一百万》,北京日报社这一决定令谭利华至今感念不已,“北京市委和北京日报社给了我们很大的支持,保障了乐团的发展!”

  说到广聚人才,不得不提谭利华的一计“狠招”,对北交开始大刀阔斧的改革:拉帘考核,不行走人。部队出身的他,给北交定下“排练不准迟到”等无数条铁的规矩。1996年1月5日,《北京日报》刊发《谁有本事请坐前排》的报道,称持续4天的北京交响乐团1996年业务考核演奏会“使70多位在岗的演奏人员经历了一场如同上火线般的体验”。

  谭利华此举轰动圈内,有赞赏的,有感慨的,当然,还有不满甚至憎恨的。“这相当于砸了人家的铁饭碗,那时候一到晚上有人给我打电话,从天擦黑打到第二天早上,我都不能睡觉……”甚至还有人恐吓他,“小心你的女儿!”

  重压、煎熬、痛苦……一起涌向谭利华的内心,可他咬牙坚持下来。北交的拉帘考核前后持续了7年,“我要建立一支优秀的乐团,必须有人才,只有乐团里每个人都是优秀的,乐团的水平才能提高,水准才能呈现。”他也很清楚,乐团在实施改革的过程中肯定会遇到意想不到的困难,需要付出艰辛的努力,会得罪很多人,“但我不后悔,如果再给我一次选择,我还是会那样做!”

  就这样,谭利华为初生牛犊的北交打下坚实的骨骼基础,并带领全团一路精进,积累和沉淀影响力。从2001年开始,在世界知名经纪公司代理下,谭利华率领北交七次赴欧洲、一次赴美洲进行商业巡演,2013年应邀参加布鲁克纳音乐节和德沃夏克音乐节。在布鲁克纳音乐节宣传册上,北交被放在与维也纳爱乐乐团、伦敦交响乐团、德累斯顿交响乐团并列的位置上。此外,乐团还与全球知名唱片公司EMI合作,录制多张唱片并全球发行。

  “中国文化传播要自信!中国人能在西方国家完美准确地演绎他们的‘国粹’交响乐,并赢得欢迎、认可、尊敬,这是最令中国音乐家骄傲的事情!”多年来谭利华坚持带团勇闯西方大码头,原因在此。

  普及艺术

  走遍城市角落,积累“下基层曲库”

  “要让观众有所共鸣,而不是自己带团去了,演了,就算交差了”

  对很多人来说,爱上一座城市,或许仅仅因为这座城也是精神的栖息地。文化艺术普及,是展示城市文化气质、艺术品位、精神特质的一个重要载体。唯因如此,谭利华始终重视乐团的普及性、公益性演出。他就像一位使者、一座桥梁,弥合着高雅艺术与普通老百姓之间的距离与隔膜。

  “台下70名北京交响乐团乐手中间‘插’进了59名中学生”“每个乐谱台前都是一个北交乐手和一个小乐手,看上去意趣盎然”……2005年6月6日,《北京日报》报道了谭利华指挥的一场演出,是北交和北京22中学生乐团的合作。

  对这场音乐会,谭利华记忆深刻,“北交刚创建普及音乐会那会儿,一开始免费让观众听,效果不错,后来来的人慢慢就少了,免费的票太容易拿到,大家反而就不在乎了。”于是,他想了个办法,让北交的乐手和北京知名中学的金帆乐团合作,一个乐手带一个孩子,在正规音乐厅上演经典曲目,“有的孩子小,坐大提琴凳上脚都碰不着地,但也非常认真地拉琴,特别有模有样。”在他看来,这种方式不仅让孩子感受到职业交响乐团是怎么工作的,还能带动他们的家长、同学关注交响乐,不就是普及了吗?

  一点一滴,一场一次,谭利华的艺术普及之旅从未停止。乡村、部队、学校、社区、工厂……北京的太多地方,都曾留下谭利华带团演奏的身影。几乎每次下基层演出,他都将看起来高高在上的演出服放于一旁,特意换上黑衬衫或是T恤衫,这样显得更加亲和。演出前,只要有可能,他都会给观众们讲讲曲目,说说作曲家,抑或是欣赏交响乐的礼仪知识。

  在谭利华看来,北京是国家首都,首善之区的市民要有与之相应的文艺欣赏水平,“我不反对娱乐,那是对繁忙庸常生活的一种调剂,但在娱乐之外,人们也需要通过高雅艺术来陶冶情操、洗涤内心,交响乐恰恰能够很好地担负起这样的文化责任。反之来说,交响乐的发展需要有观众,需要不断拓展观众群,艺术普及就像播撒种子,只有辛勤育种、培苗,才可能枝繁叶茂、开花结果。”

  多年走下来、演下来,谭利华脑中已经积累了一套丰富的“下基层曲库”,到不同地方拿出不同曲目,因地制宜、更有针对性地普及交响乐。深入部队,到抗洪前线,多选进行曲,《卡门》序曲、《威风堂堂进行曲》令战士们心潮激荡;下乡镇,走社区,就演《春节序曲》《瑶族舞曲》,再来段《红色娘子军》选段,基层百姓们一听熟悉的旋律,立马儿拉近了和高雅艺术的心理距离;要是去高校,他会尝试演大部头交响曲,因为他知道,莘莘学子们已不满足于交响乐片段欣赏,而是有更高欣赏需求了。

  现如今很多人都知道中山公园音乐堂有个“打开艺术之门”暑期艺术节,坚持做了二十年,几乎每年都由谭利华担任开幕音乐会指挥。“谭”指一挥间,带领观众们打开的,是一扇艺术之门,更是一扇心灵之门,走近艺术,爱上艺术,传播艺术。“做交响乐普及,艺术家必须塌下心、定下心,真正走到群众中去。要让观众有所共鸣,而不是自己带团去了,演了,就算交差了。”

  扶持原创

  胸怀责任感,希望留下经典作品

  “用点心,不要像写流水线作品似的,那肯定留不下来”

  虽说交响乐是艺术舶来品,但不妨碍它有一颗“中国心”。这么多年来,谭利华率团演出始终坚持一点:推广中国作品,他把推动和推广中国当代交响乐作品的创作和演出作为自己义不容辞的责任,这是性格里的一种倔强,更是骨子里的一种文化使命感。

  “交响乐是西方文化的瑰宝,中国人能完美演绎可以赢得他们的尊敬,要是再能推动中国作品走出去,让外国观众欣赏到我们自己的作品,那就是中华民族的骄傲,也是我们这一代艺术从业者的责任。”在掌舵北交的岁月里,谭利华率团或首演、或委约了一大批中国作曲家的作品,包括鲍元恺、郭文景、王西麟、张千一等。

  出国巡演,中国作品更是必演曲目,北交每次欧巡、美巡,谭利华都会精心甄选中国曲目。2012年7月,第三十届奥林匹克运动会在英国伦敦开幕,因为北京是上一届奥运会的举办城市,北京交响乐团与伦敦爱乐乐团联袂上演一场庆典音乐会。北交献上的是中国作曲家郭文景为2012伦敦奥运会创作的交响序曲《莲花》。“作品没有刻意营造轰轰烈烈的气氛,而是把莲花代表的高洁气质展现出来,意境悠远,直击人心,赢得了西方观众认可。”谭利华说。

  久居北京,谭利华深爱北京,所以在委约作品时尤其注重北京题材。从周龙创作的带有钟鼓庙会元素的《京华风韵》,到委约鲍元恺创作的交响套曲《京杭大运河》、委约郭文景创作的《海坨戴雪》,都与北京地域特色紧密相连。“我想给这个城市留下点禁得起反复演奏的作品。”谭利华一字一句,若有所思。

  “《京杭大运河》地域色彩非常鲜明,从钱塘江一路过来,流经每个地区,都用有代表性的民间音调和当地典型的民族乐器加交响乐协奏的形式表现,既有地域风味,又有交响乐的厚度。”虽然《京杭大运河》还没有全部完成,听过部分乐段的谭利华对它的喜爱和期望之情溢于言表。

  谭利华推崇中国作品,同时保持着极高的艺术鉴赏力,对艺术家严格要求也在业界出了名。他曾批评过一些作曲家:“别总让我听什么定音鼓带起来的高潮,多听听马勒和肖斯塔科维奇,他们创作的题材和作品多伟大!用点心,不要像写流水线作品似的,那肯定留不下来。”遇上作曲家为交差而敷衍、糊弄事儿时,他会非常不客气地怼一句:“水里是榨不出油的!”

  “现在想想,我处理事情显得情商有点低啊,不过这就是我的性格。”谭利华哈哈一笑,“我一个文艺工作者,当过兵,是个1980年就入党的老党员。中国经历了四十多年的改革开放,已经成为世界第二大经济体,文化应该跟上时代的发展要求,应该产生优秀的传世之作,我想为中华民族复兴做点什么。”他找出一张刚当兵时拍的照片,照片上那个眉清目秀的小伙子,神色腼腆稚嫩。

  时光如洗,当年那个青涩的小伙子,如今已过花甲之年,岁月也许磨洗了他的些许秉性,却从未磨损掉他的赤子之心,“我的初心就是对中国交响乐艺术和首都北京这座城市的爱与责任,我觉得我做到了,我对得起自己,对得起我的老师,也对得起北京对我的培养!”

  择一事,终一生,这样的执念,其实是一种幸福。

·比赛与交流结合,上青赛上演不一样的精彩

2019-09-08 15:40:11

  8月14日晚,随着欢快活泼的音符在美国伊斯曼音乐学院终身教授白瑞-施耐德的指尖流淌,2019第十二届上海国际青少年钢琴大赛(以下简称“上青赛”)总决赛正式拉开了帷幕。

  本届上青赛由中国社会经济文化交流协会主办,全国14个省市钢琴学会协办。赛事自今年5月正式启动,共在上海、浙江、重庆、福建、安徽、吉林、辽宁等地设立了27个分赛区,吸引了数万名青少年钢琴爱好者报名参与。经过两个多月的层层选拔,最终有1177名选手入围全国总决赛,共赴这场收获满满的钢琴艺术盛宴。

  上青赛始于2008年,由中国社会经济文化交流协会携手数十位国内知名钢琴家联合发起创办,旨在为广大青少年钢琴爱好者搭建交流学习的平台,助推全国钢琴艺术普及教育。大赛每年都会云集一批国内外知名的钢琴家、钢琴教育家。今年,上青赛邀请了来自中国、美国、俄罗斯、比利时、以色列、澳大利亚等国的著名钢琴家、钢琴教育家担任评委。评委们还在现场讲课,举办音乐会,或是做嘉宾助演等,让这一赛事变成了一场精彩的音乐盛典。

  白瑞-施耐德的独奏音乐会是本届上青赛为选手们献上的第一道“佳肴”。当晚,演出现场座无虚席,几千名选手、老师、家长听得如痴如醉。第二天一早,当大家还在回味白瑞-施耐德的琴声时,他却现身在小选手的身边,当起了孩子们的指导老师。除了白瑞-施耐德外,许多国内外知名艺术家也纷纷为选手展开一对一的辅导教学。一边是激烈的赛事,一边是艺术家大师班,一样的激情,不一样的精彩。

  “感情处理对于演奏好一首曲子很关键,要通过处理好强弱音,更好地表达出曲子的情感。”“不能一味追求速度,每个弹奏者心里要有节拍。”去年,因为担任评委而没能开设大师班的作曲家储望华,今年提前跟组委会协商,希望协调时间兼任评委与大师班的指导教师,这让不少学生、老师和家长兴奋不已,纷纷踊跃报名参与。来自河南的平昊阳在经过储望华的指导后,弹奏的《侏儒进行曲》获得了台下的阵阵掌声。他说:“储教授的指导细致入微,让我的演奏水平在短时间内获得提升。”来自安徽合肥的章登铭听完大师课也收获满满,他说:“以前弹奏总觉得有所欠缺,经过专家点拨终于找到了原因,原来是装饰音处理得不够好。相信回去琢磨一下,以后能够弹出更好的曲子。”

  同样火爆的还有钢琴家朱雅芬的大师班。秉承着普及钢琴艺术、挖掘优秀艺术苗子的信念,年过九旬的朱雅芬已连续7届担任上青赛的评委。她说:“上青赛能够为钢琴艺术教育和普及作贡献,我不能缺席。”

  上青赛承载着我国钢琴家、钢琴教育家渴望挖掘和培养人才,振兴我国钢琴艺术事业的热切期盼。因此,每场比赛结束后,评委们便聚集在一起讨论各赛场的情况,做好相关的记录,并对钢琴艺术的普及提供建议。上青赛组委会主任、中国社会经济文化交流协会副秘书长陆海军说:“我们欢迎更多青少年钢琴爱好者和老师参与进来,增加各地钢琴教育的交流与学习,共同助力中国钢琴事业的发展。”

  来自湖北赛区的带队老师刘丰在赛后说:“通过参加上青赛、聆听大师们的教诲,不仅学生获得了成长,老师同样受益匪浅。”她说,大师们对曲目的点评简单易懂,讲演结合得恰到好处,与孩子们的互动让她对钢琴教学方式有了新的认知。

  上青赛也为一些优秀选手搭建了师资平台。陆海军说:“每年评委们都能在赛场上挖掘到不少好苗子,并为他们推荐优秀的师资进行进一步培育。”据介绍,曾有一名来自广西北海的选手自身条件良好,但缺少优质师资。于是,上青赛为其牵线搭桥,推荐了优秀的老师。去年,该选手在众多考生中脱颖而出,考上了浙江音乐学院钢琴系。

  正是“助推钢琴艺术教育发展平台”的定位,让上青赛的影响范围越来越广。例如,去年,重庆的38个区县均有选手参赛,辽宁省每年的参赛选手数量都在增加。辽宁省领队胡新宇说:“每届选手带回来的良好评价,让上青赛成为一个精品赛事。大家都想来这里交流、学习与成长。”

  自上青赛举办以来,组委会一直致力于为选手搭建更宽广的交流学习平台。此次决赛结束后,组委会还首次组织获奖选手在上海、杭州、重庆、福州、南宁、沈阳、郑州、长沙、武汉9个城市进行巡回演出,并将延续去年的做法,组织优秀选手赴奥地利维也纳国立音乐与表演艺术大学交流。

·艺术夏令营为什么火了这么多年

2019-09-08 15:31:51

  每年暑假,孩子们的生活里总少不了各式各样的艺术夏令营,但在大浪淘沙的教育领域,怎样让夏令营长久地经营下去,并不是一个简单的话题。

  中山公园音乐堂“打开艺术之门”的夏令营提供了一个很好的范例。十几年来,从最初的京剧到后来火爆的琵琶、打击乐,再到最近两年新开设的胡琴和朗诵,“打开艺术之门”夏令营的种类越来越多,报名的人数逐年增长,绝大部分夏令营开票即“秒空”。艺术夏令营想要“常青”,无论师资还是管理,都有许多的功课要做。

  孩子与大师面对面

  “我以前看过宋飞老师两场演出,这次亲眼见到她,真的特别开心!”“打开艺术之门”胡琴夏令营闭营仪式上,11岁的孙雨阳兴奋极了。每个学习二胡的孩子都不会对著名胡琴演奏家宋飞的名字感到陌生,学琴六年半来,孙雨阳一直格外仰慕她高超精湛的琴技。夏令营里,有许多像孙雨阳一样慕名而来的孩子。

  “可以说,夏令营一年比一年火。”在中山公园音乐堂演出部经理刘昕看来,名家大师的加入是夏令营火爆不衰的重要原因。“打开艺术之门”的各类夏令营一直由行业内顶级名家担任艺术总监,比如琵琶夏令营艺术总监章红艳,舞蹈夏令营艺术总监王亚彬,竖琴夏令营艺术总监王冠……行程安排得再紧,艺术家们也会亲自赶来,与孩子们面对面交流。“这些老师,我们平时都很难见到,更没有机会让孩子跟着他们学习了。学琴的孩子难免会遇到瓶颈,光靠自己,可能很长时间都走不出来,如果有经验丰富的老师点拨他两句,其实很快就能有突破。”李先生已经连续三年带着孩子来参加“打开艺术之门”的夏令营了,“每年抢票确实很难,但冲着教学团队,还是愿意试一试。”

  山里娃走进音乐堂

  夏令营的小营员早已不局限于北京市内,以琵琶夏令营为例,每年都有琴童从全国各地赶来。“打开艺术之门”也在尽可能地让更多的孩子接受最好的艺术教育,无论是音乐堂还是合作的艺术家,都肩负着一种责任感,夏令营中也从来不乏那些来自边远或相对贫困地区孩子的身影。今年,12个从江西省良山镇第一小学远道而来的小朋友就“免费”参加了朗诵夏令营。

  良山一小距江西省新余市市区大约二十公里,坐落于群山之中,由几所乡村小学整合而成,学生中有不少留守儿童。“乡村学校的艺术师资是很短缺的。” “聆响-行歌艺术教育公益课堂”负责人黄谦(左下图)始终难忘第一次走进教室时,孩子们向他投来的质朴而热切的眼神。多年来,黄谦一直在推广古诗词的吟诵。一场公开课后,良山一小的校长邀请他去学校参观。“那天正好是语文课,我带着孩子们读了贺知章的《咏柳》,效果非常好。”临行前,孩子们纷纷围上来,说什么也不让他离开。黄谦百感交集,“我觉得我应该为他们做点什么。”

  黄谦很快带着几位老师在良山一小建起了古诗词朗读歌吟的试点,不到两个月,孩子们就在市级的比赛里拿下了二等奖,这个成绩让黄谦和老师们喜出望外,“本来就是大山里的学校,没有什么艺术教育的基础,之前比赛时,连镇里都走不出去。”良山一小一下子在全省出了名,不光演出邀约纷至沓来,越来越多的人还赶到学校里考察,著名朗诵表演艺术家徐涛也从元旦前后繁忙的演出中抽身,去大山里一探究竟。

  徐涛被孩子们的表现深深打动。作为“打开艺术之门”朗诵夏令营的艺术总监,他向黄谦提出,要自费资助孩子们来北京参加夏令营。徐涛的想法与中山公园音乐堂一拍即合,音乐堂给予了最大限度的支持和配合。“这是孩子们第一次来北京,第一次坐卧铺车,他们太兴奋了,一晚上都没睡觉。”回想孩子们来时路上的表现,黄谦很感慨:“北京有全国最好的艺术教育资源,有这么多的艺术家,这么多的演出,眼界很不一样,我们都非常珍惜这次机会。”

  8月23日晚,聆响-行歌音乐朗诵会在中山公园音乐堂上演,徐涛亲自带着这12个孩子朗诵了王昌龄的《出塞》。从大山深处走到万众瞩目的音乐殿堂,黄谦为孩子们感到无比的骄傲,“我相信,这次经历一定会改变他们今后的人生。”

  1:5师生配比保安全

  孩子们聚集的地方,安全一向是个大问题。“夏令营期间,我们比平时演出还要忙。”刘昕说,“演出可能也就一周两三场,但夏令营几乎每天都有,音乐堂能用的地方都用起来了。”从七月的打击乐夏令营到上周落幕的朗诵夏令营,一个多月的时间里,11个夏令营接连展开,“如果有孩子们磕着碰着,那都是大事儿。”每年暑假,是音乐堂工作人员压力最大的时候。

  夏令营大致上按照年龄进行分班教学,据中山公园音乐堂副总经理史永锋介绍,30至40人的小班一般配有8个工作人员,专门保证孩子们的安全:孩子去厕所时,一定要排好队,由工作人员带领;音乐堂的所有出入口都有保安值班,家长接送孩子时,必须在名单上签字,每天早上,还会有专人给每个孩子测体温;孩子们中午要在音乐堂吃饭休息,因此夏令营开始前,工作人员会提前联系家长,询问孩子有没有食物过敏等情况……

  “‘打开艺术之门’除了夏令营,还有10个讲座,70多场演出,这段时间,我们的人手比较紧张。”为此,音乐堂组织了260多位志愿者来协助服务,他们当中近一半都参加了夏令营。每天早上八点左右,志愿者会比孩子们提前一个小时来到音乐堂,为一天的活动做准备,直到下午五点前后打扫完卫生才离开。“我们选择去夏令营的都是比较有经验的志愿者,只要愿意,可以一期一期地参加下去。”史永锋说,“孩子们的事没有小事,大家很辛苦,但都是值得的。”

·未来的音乐老师,不只是能弹会唱

2019-09-08 15:26:04

  艺术教育是心灵的教育,关乎人的基本素质,对于陶冶情操、温润心灵、启迪思想具有不可替代的作用。培养德才兼备的艺术老师是实施艺术教育的关键所在,高等师范院校音乐学(教师教育)专业的人才培养目标就是培养符合新时代艺术教育发展要求的中小学音乐教师。今年4月,教育部出台《关于切实加强新时代高等学校美育工作的意见》,对于艺术师范教育提出了新要求。笔者认为,做好培养方案,坚守师范特质,是保障中小学音乐师资培养质量的前提。

  重视培养未来中小学音乐教师的理论水平与专业技能

  长期以来,我国高等师范院校音乐学(教师教育)专业的课程设置与专业音乐学院大致相同,师范教育的特色不够突出,影响了音乐教育人才的培养质量。

  为推动普通高等学校音乐教育专业的改革与发展,建设适应基础教育课程改革需求的高素质音乐教师队伍,1999年起,教育部开始举办“珠江杯”全国普通高等学校音乐教育专业本科学生基本功比赛(每两年一届),至今已举办10届。笔者多次带领学生参加该项活动,从各高校学生的展示情况来看,专业水平普遍较高,但多数学生的自弹自唱能力相对薄弱。作为中小学音乐教师必备的综合性技能,自弹自唱并不是简单的会弹琴、会唱歌就能完成的,它涵盖了多种音乐理论与多项音乐技能,最具师范特色。由此,精研师范特质的培养方案,提高未来中小学音乐教师的理论水平与专业技能,是音乐学(教师教育)专业教学改革的重点任务。

  除通识教育课程、教师教育课程的学习之外,艺术教育师资培养还应紧紧围绕中小学音乐教师必备的音乐专业技能开设专业课,充分体现以师范性为主导的课程设置原则。

  专业必修课旨在培养学生全面掌握音乐教师必备的基础理论知识与基本技能,如:钢琴、声乐、自弹自唱、即兴伴奏、合唱与指挥等专业技能课程。专业教育课程(如学校音乐导论与教材教法、音乐教学设计等)和专业理论课程(如乐理与视唱练耳、和声学、曲式与作品分析、中国民族民间音乐、中国音乐史与作品赏析、西方音乐史与作品赏析等),涵盖面广,学生可根据自身的专业优势及发展目标,有针对性地自主选择,个性化发展。同时,高等师范院校还可以发挥地域优势,增设特色课程,传承中国优秀传统文化。

  重视培养未来中小学音乐教师的实践能力和创新精神

  高等师范院校应加强实践教学基地的建设,为实践教学质量的保障提供良好条件,音乐学(教师教育)专业的人才培养应本着“坚持服务需求”的宗旨,从两个方面强化实践教学。

  一是扎实做好教师教育实践环节。在本科不同阶段,适时进行教育见习、教育实习、教育研习等实践。其中教育实习是非常重要的一环,其目的是通过中小学音乐教学实践,使学生将所学专业知识与技能运用到实际教学中,教学相长,从而切实提高学生的执教水平。

  二是高度重视专业实践、社会实践、毕业论文、毕业音乐会等实践环节。专业实践要求学生通过观摩、参加高级别的比赛及演出,提高自身的专业水平。社会实践要求学生通过执教实践以及社区实践等,提高自身的社会服务能力。高等师范院校应鼓励学生深入农村和社区演出、教学,特别是服务于贫困地区的基础音乐教育事业。毕业论文以及毕业音乐会能够提高学生的初步科研能力和舞台实践能力。

  重视培养未来中小学音乐教师的教学能力

  要提高学生未来的教学能力,高等师范院校音乐学(教师教育)专业应以培养“唱、奏、听、动、创”等中小学音乐教师必备的教学能力为出发点,进行行之有效的教学改革。

  首先,努力实现与中小学音乐教学的对接。教学内容在体现学术性的同时,要兼备师范性,契合中小学音乐课堂教学及课外活动的实际,使其更具针对性和实效性。其次,创新教学模式及考核方式,在教学中,既要发挥好传统课堂教学的效能,又要充分运用信息技术,改进教学方法,丰富课程内容,充分发挥学生自主学习的能力,调动学生的学习积极性。针对不同类别的专业课程,采取灵活多样的考核方式。理论性强的课程仍采用传统的闭卷方式;技能类课程考试以现场演唱、演奏的形式进行;理论与实践相结合的课程(视唱练耳、即兴伴奏、合唱指挥等)由传统考核方式改为音乐会考核方式,把考试舞台化,增强学生的舞台实践能力。

  (作者:刘冬云,系山东师范大学音乐学院教授)

·传承民族和声一脉的赤诚心声

2019-09-08 15:23:22

  ——评魏扬作品音乐会

  8月16日,作曲家魏扬的三部作品在北京音乐厅上演。《琴瑟和鸣》由琴学泰斗丁承运、瑟演奏家付丽娜携其女儿丁霓裳演奏;旅美钢琴家、上海师范大学音乐学院钢琴教师蔡颖演奏《赤子之心——丰子恺儿童漫画音乐集》;青年钢琴家、上海师范大学音乐学院副教授翁怡演奏《汉字“心”之音》。三部作品均是2019国家艺术基金资助项目,故而此次音乐会亦可以说是近年来魏扬小型创作成果的集中展示。

  复合五度成佳曲

  唐代出现的和声现象“合竹”是“五正声纯五度复合和声”的滥觞之一,魏扬在《五正声纯五度复合和声的和弦体系》一文有过详细阐述。魏扬认为,“纯五度复合和声是数个纯五度音程纵合形成的复合结构和声”,《赤子之心——丰子恺儿童漫画音乐集》《琴瑟和鸣》《汉字“心”之音》正是魏扬将这种和声体系实践化的成果。已故作曲家金湘是中国当代音乐创作领域的代表性作曲家之一,生前一直为探索民族和声不懈努力,魏扬作为其弟子,承其衣钵、秉其遗志,在坚守民族和声阵地的同时,敞开广博的文化胸怀,以开阔的文化视野审视自己的创作,古今中西一切音乐创作手段皆可为其所用。所以音乐会上,我们既可以欣赏到古色古香的《琴瑟和鸣》(瑟谱为魏扬创作),又可欣赏到纯粹的民族和声作品,其中也不乏运用多调性创作的作品,令人一饱耳福。

  琴瑟和鸣游太玄

  魏扬在《神人畅》《渔樵问答》《普庵咒》等琴曲的基础上为瑟作曲,创作了《琴瑟和鸣》。武汉音乐学院教授丁承运教授治琴学凡六十载,却老骥伏枥,其志不歇,一直致力于古琴演奏、教学和理论研究。他的琴风苍古遒逸,儒雅蕴藉,气象高远,运指如行云流水,于中正平和中寓雄浑磅礴之气。魏扬早年与丁承运相识,结为忘年交。这部《琴瑟和鸣》不仅体现了他们在传承优秀传统文化方面共同的学术理想,亦见证了二人品茗论琴、恬淡如水的君子之谊。

  付丽娜现为武汉音乐学院副教授,长期致力于琴、瑟表演艺术研究。青年古琴家丁霓裳现为武汉音乐学院教师,她的演奏沉稳大气,已显露出古琴世家的大雅风范。付丽娜与丁承运为琴学伉俪,音乐会上,付丽娜抚瑟,丁承运鼓琴,二人你唱我和,凤游凰从,超然物外,心游太玄。三人合奏的琴瑟弦歌《卿云歌》,丁承运声如洪钟,付丽娜和蔼慈祥,丁霓裳柔美娇艳,三人配合默契,其乐融融。

  赤子之心似孩童

  蔡颖演奏的《赤子之心——丰子恺儿童漫画音乐集》每首乐曲时长约2分钟左右,短小精悍、妙趣横生。乐曲标题与漫画相应,分别为:《山涧清且浅可以濯我足》《快乐的劳动者》《蝴蝶之墓》《云霓》《小猫送信》《蟹之乡》《郎骑竹马来》《鹞鹰拖小鸡》《月上柳梢头》《蛙鼓》《锣鼓响》《旧时王谢堂前燕》。旋律化的乐曲如《月上柳梢头》《山涧清且浅可以濯我足》优美动人,使人如痴如醉,不禁对画中意境心生向往;音响化的乐曲又有不同趣味,《鹞鹰拖小鸡》急促的音型和厚重的低音和弦颇有惊心动魄之势,而《锣鼓响》却欢快热烈、动感十足;旋律化和音响化兼而有之的是《郎骑竹马来》,两种音乐形象,一前一后,前者活泼后者舒展,一唱一和,交相辉映、妙不可言。

  蔡颖是在中国民乐、西方古典乐方面均有建树的青年音乐家。钢琴泰斗罗素-谢尔曼赞叹“从她的演奏中可以感受到她温暖仁善的内心。”蔡颖在音乐会上流露出不同的气质面貌,她的演奏或如微雨低飞燕,恬淡从容;或如奔腾脱缰马,潇洒恣意;又或如翩翩穿花蝶,曼妙轻盈。

  汉字之心音不同

  魏扬将六个带有“心”字偏旁部首的汉字拆解,根据自己对文化的理解,融入自己的人生体验,创作出一部具有中国禅学意味的钢琴组曲——《汉字“心”之音》。该曲由上海师范大学音乐学院钢琴系副教授翁怡演奏,曲分6首,长短不一,分别为:《悦-兑心》《憬-心景》《愉-心俞》《悟-吾心》《憧-童心》《思-心田》。自中国近代音乐史发轫以来,音乐的民族性一直是个争论不休的话题,各家各派各执其词。分层和弦、带有变声的五正声纯五度复合和声“离调和弦”和不带变声的纯五度复合和声交替运用,作曲技法上“叠置法”“包围法”“交叉法”“混合法”的使用,制造出色彩斑斓的和声效果。所以,这部《汉字“心”之音》既是对延绵不绝的音乐民族化时代浪潮的印证,又体现了作曲家勤敏好学,善于挖掘本体文化资源、寻求创作题材的文化智慧。

  翁怡不仅是上海师范大学音乐学院钢琴系的副教授,也是美国印第安纳波里斯大学客席演奏家。好的演奏家总给熟悉他的听众以意外之喜,要演奏好这部作品,不仅要体会原字之意,也要对拆解后的两个字不断玩味揣摩,这对拥有文学博士学位的翁怡来说,似乎并不难做到。她的演奏热情奔放,奔放的情感又可以控制得张弛有度,以精湛的演奏技术,融合自己独到的理解,带观众走进了奥妙纷呈的音乐世界,为观众推演着有与无、空与色、动与静的哲学命题。

  请君为我倾耳听

  请君为我侧耳听!一听作曲家魏扬为传承民族和声一脉的赤诚心声,他的审美旨趣、他的个性特点与个人创造,我们只有通过反复聆听才能鉴别一二。请君为我倾耳听!诠释新作品是一种行为意义上的音乐修辞,通过演奏家的演奏,新作品得以发表,通过聆听显现的不仅是抽象的文本内容,也有“新”带来的陌生审美体验与演奏家独一无二的个性创造带来的美妙享受。请君为我倾耳听!三听观众的心声,作曲不是闭门造车,演奏不是自娱自乐,观众不是终端接收器。作曲家作为创作主体、演奏家作为发表中介或者二度创作主体、观众作为审美接受主体,他们是保证音乐生生不息、健康发展的不可或缺的组成部分。他们各司其职,但又可以灵活转换角色,他们之间的积极交流,是保证音乐繁荣发展的必要因素。

·能“文”又能“武” 有“技”更有“道”

2019-09-08 15:20:30

  ——琵琶“小金钟”全国展演带来的思考

  在中国传统乐器中,琵琶是少见的能“文”能“武”,且中西皆宜的一种。四根弦在手指拨弄间亦是气象万千,而且琵琶“抱”在演奏者怀中,也就决定着“琴人合一”的重要性。提到琵琶演奏人才的涌现,就不得不提到一个重要的“标志性事件”,那就是1980年的“上海之春”全国琵琶比赛。而时隔将近40年,8月15日至18日在浙江宁波举办的中国音乐小金钟全国琵琶展演或许也将被深深记录下一笔,一批琵琶演奏的“明日之星”正从这里冉冉升起。

  被比赛改变的人生

  随着民乐教育体系的不断完备、专业人才一定的积累, 1980年5月,“上海之春”举办了新中国成立30年来的首次全国性琵琶邀请赛,“上海之春”全国琵琶比赛选拔出一批能代表当时全国最高水准的青年琵琶演奏家,他们亦是当今活跃在舞台上和讲台上的琵琶名家。

  中国音乐小金钟全国琵琶展演评委会主任、著名琵琶演奏家、教育家吴玉霞,小金钟全国琵琶展演专业组评委、著名琵琶演奏家、教育家杨靖、刘刚,著名琵琶演奏家、作曲家陈音等都是那次比赛的参与者和见证者,在那次比赛中,吴玉霞、杨靖获得了二等奖,刘刚获得了三等奖,陈音排在了21名,没有获得等次奖,这让他念念不忘、颇为感喟。

  在琵琶“小金钟”专业组公布第一轮成绩的时候,如今已是中国广播民族乐团琵琶首席的陈音十分坦诚地对小选手们说,“1980年参加‘上海之春’,那时我还很小,也是第一次参加比赛,而那次比赛让我学到了很多东西。就像今天的你们站在这里,每个人都感觉很自信,但其实进入到比赛环节,评委们都有各自的审美。艺术的道路是非常漫长的,只有不断地磨砺,不断地学习、借鉴,看到别人的长处,自己才能不断地进步。音乐也是时间的艺术,它在短暂的十分钟的展示时间里,把你十几年、几十年的功力瞬间爆发、呈现出来。”陈音改编的《阳光照耀着塔什库尔干》是此次琵琶“小金钟”全国展演中选手们演奏率非常高的乐曲。他创作的琵琶乐曲《山之舞》《山之韵》《茶马古道行》《秋月吟》也在界内获得一致的好评。“道阻且长,那时第21名的我仍然在弹、在创作,但不少那时获得很好名次的演奏者却已经不再弹琴了。”

  利用缠着皮筋儿的搓衣板练习左手技巧,用自制的竹弓练习右手的轮指,也正是因为这样的刻苦与勤奋,普通人家出身的女孩吴玉霞考入上海人民广播电台少儿乐队,随后又考入北京舞蹈学院乐队学员班,开始了学艺的道路。40余年与四根弦打交道,往往就是一人一凳刻苦钻研,吴玉霞以其对琵琶独到的钻研、丰富的舞台实践,形成了学贯南北、刚柔并济的演奏风格。在向小选手宣布成绩时吴玉霞有些不忍甚至有点哽咽,45进18的比赛,要淘汰大半选手,“做最好的自己”,这是她反复对台下小选手们说出的肺腑之言。“我自己就是艺术普及的受益者,我有着普通人的情结。可以说我们是被比赛改变人生命运的一代人,‘上海之春’全国琵琶比赛让我们成为了受益者,让我一步步稳步走,变得强大。希望‘小金钟’也是,不论对艺术人才的挖掘还是师资力量的涵养,都是一种激励和激发,让琵琶艺术往良性发展的方向走。”

  用心、用情、用智

  本次展演分为专业组和业余组,专业组参赛者是18岁以下,目前就读于音乐学院、艺术院校等附中、附小琵琶演奏专业的演奏者;业余组参赛者是由各地音协甄选推荐的、有良好演奏基础和艺术修养的琵琶演奏者,按年龄划分为少年B组(14岁至16岁),少年A组(10岁至13岁)和儿童组(9岁以下)。在展演的业余组评委、中国音协琵琶专业委员会顾问傅丹看来,少年B组的不少选手因为年龄和学琴时长的关系,演奏水平以及对作品的理解都非常出色,甚至接近专业组选手的水平,这对于琵琶演奏的发展来看是一件非常好的事情。从娃娃抓起,是“小金钟”展演的要义,不仅要发现和重点培育琵琶专业演奏的好苗子,更要从基数较大的业余组选手中储备力量。“这就好比塔基和塔尖的关系,只有‘塔基’的稳固人数与扎实基础,才有可能有‘塔尖’的发展。这几年来我们一直希望用技术引导、活动参与等方式推广、普及琵琶艺术,来激发基数更大的学琴人群的热情,提高演奏基本功的水准。而展演的目的则是给阅历尚浅的选手们提供一个互相交流、互相借鉴的平台,有助于他们打开音乐视野。”吴玉霞强调。

  来自辽宁的13岁小选手岳昊洋是专业组选手中年龄最小的一位,从4岁多开始学习琵琶,12岁考入音乐学院附中,第一次参加这么高水平的比赛,第一次穿礼服和高跟鞋演奏,也让岳昊洋既感到兴奋不已又深感“天外有天”,从“琴房”走向“赛场”要走的路还非常漫长,止步于第一轮,也让岳昊洋深感艺无止境。上一次琵琶“小金钟”展演还是在五年前,那时的岳昊洋还是懵懂的小孩子,这次之后或许再次举办就是五年之后,那时的岳昊洋已即将高考,面对的或许是更加残酷的竞争压力,正如岳昊洋妈妈所说,“这次没有白来,见识了这么多高水平的选手,对孩子来讲也是极大的历练。”

  专业组评委、中国音协琵琶学会副会长刘刚强调,在练习基本功以及磨练技术的同时,要重视艺术修养和文化知识的储备,一些选手感觉确实在弹琴,但脑袋“很空”。正如吴玉霞对选手们所说,“学习音乐是由内而外呈现的一种美,不仅丰富生活、积累学养,也让视野、眼界更加开阔,学音乐的人必须全面发展,因为演奏需要严谨。所以展演过程中,不仅考验技术储备,更多的是考验心理,功夫在诗外,要通达‘技’和‘道’的关系,做个有心人。也就是‘用心’、‘用情’更要‘用智’”。

  沉下心,育新生

  在民族器乐中,琵琶的学习难度公认是比较大的,并不像有些乐器学几次就能很快上手,这在一定程度上也确实增加了专业门槛以及业余普及的难度。学习和演奏琵琶更需要强调耐力和耐心,因为要付出很多。从山东来的儿童组小选手段姝含只有9岁,自从报名参加这次“小金钟”展演,她整个暑假每天练琴6个小时以上,几乎没有休息日。陪伴孩子前来参加展演的段姝含妈妈说,对于比较小的孩子来说,理解曲目并弹出作品的韵味真是很难。

  《龙船》是展演中选手们演奏率非常高的一首曲目,专业组评委、中央音乐学院民乐系教授张强就认为很多选手一味追求“快”而让曲子失了味道。“音乐作品不是炫技,要考虑倾听者的心理感受,并不是演奏越快越好,声音越大越好,尤其是琵琶这件乐器,最有魅力的恰是‘大珠小珠落玉盘’,现在听到的很多的却是‘嘈嘈切切错杂弹’,琵琶‘珠落玉盘’最有魅力的美的声音在哪里?现在琵琶的“脾气”太坏了,太暴躁,比如‘扫弦’包含了太多音乐性和丰富的声响在里面,变换无穷,非常具有魅力,而声音之美应该是所有琵琶演奏者的毕生追求”。

  在民乐领域,中国音乐“小金钟”只有琵琶和二胡展演,注重引领性、专业性的同时进行社会艺术教育普及,是“小金钟”艺术展演一贯的宗旨。中国音协分党组成员、副秘书长王宏表示,近年来,从中国音协音乐考级的数据来看,考级人数是在逐年上升,但琵琶、二胡这两种民族乐器的考级人数却有所下降。中国音协举办“小金钟”展演,就是希望在促进这两种民族乐器发展方面起到引领作用。“小金钟”这个全国性、专业性的展演平台,对于学习者的学习热情是非常大的鼓舞,既有利于拔尖演奏人才的脱颖而出,也有益于社会艺术普及拓展更多受众。在行业内最具权威性的评委在展演过程中的专业评比,对选手们来说是难得的专业提升机会,而极为严苛的评选标准也向选手们传递了作品、谱例、演奏方面规范性、专业度的重要性。

  中国音协会员部的王昕作为少年A组展演的工作人员一直在展演现场忙碌着,闭幕当天她不禁在微信朋友圈中这样感慨:“2019中国音乐小金钟全国琵琶展演——沉浸、沉醉、沉下心;育优、育美、育新生”。而这,也正是大众对“小金钟”的美好期许。

·音乐剧本土化的有益探索

2019-09-08 15:16:28

  ——评音乐剧《淮海儿女》

  音乐剧在中国一直面临“本土化”的重要课题。如何从内容选材、艺术技巧、价值导向、审美表现等诸多方面承载本土元素、实现中国表达,创造出具有中国气派、中国风格、中国特色与神韵的本土音乐剧,既是理论研究也是主创积极探索的重要方向。2015年,百老汇音乐剧制作人兰德尔-艾伦-布克在参加第32届上海之春国际音乐剧节的时候,就曾直言不讳地说:“中国音乐剧不应该走百老汇的老路,而应借鉴音乐剧语言找到属于中国的、独特的故事讲述方式,吸引观众走进剧场。”近日,由江苏省徐州演艺集团歌舞剧院打造的音乐剧《淮海儿女》在京上演,让人眼前一亮,其积极探索,是值得肯定的。

  “讲好中国故事”的独特抒写

  淮海战役是历史上以少胜多的一次战役。据统计,从1948年11月6日至1949年1月10日,在淮海战役的66天里,共出动民工543万人,筹运粮食9.6亿斤,担架20.6万副,大小推车88.1万辆,挑子30.5万副,船只8539条,汽车257辆。淮海战役的胜利是人民支前的伟大壮举,是淮海人民用生命抒写了中国革命战争的壮丽篇章。2017年12月,习近平总书记在参观淮海战役纪念馆时强调:要缅怀革命先烈,传承好红色基因,把淮海战役精神发扬光大。

  面对这样一个厚重的革命战争题材、本土题材,以音乐剧的形式来表现,在国内音乐剧创作中尚不多见。音乐剧《淮海儿女》大胆选取这样的题材,本身就是一种“讲好中国故事”的独特抒写。如何处理该题材,是剧目成功的关键一步。《淮海儿女》对题材的处理颇见功力,以往写淮海战役主题的作品,离不开描写国共战争、两军斗智斗勇等,该剧将描绘视角放在大后方的支前民众。他们虽然贫穷,却大公无私,为支前有的奉献一袋米,有的奉献一袋面,有的献出了自己宝贵的生命……对普通民众的描写使剧作充满了人性的暖色调。剧作还出人意料地设定了军旅画家这个现代人物来贯穿全剧。通过画家的口述、提问、评价,以今人的视角看历史中的支前民众,实现了历史与现代的观照。在情节的构置上,剧作不枝不蔓,紧紧围绕支前民众为前方战斗提供物资为中心编织剧情,通过筹粮、护粮、运粮等情节展现了民众的支前热情,充分显示出普通百姓在战争面前的团结一致,赋予了剧作感人至深的内在力量。

  2019年是新中国成立70周年,同时也是淮海战役胜利70周年。在这样一个特殊的时间点,《淮海儿女》的推出更具有契合时代的意义。通过缅怀先烈、致敬英雄,让今天身处和平年代的我们,感恩先烈无私的付出,珍惜眼前来之不易的幸福生活。

  “执两用中”的美学原则

  西方艺术讲究写实,中国传统艺术讲究写意。《淮海儿女》用音乐剧的形式表现本土题材,需要在写意与写实之间做好文章。值得称赞的是,主创团队从音乐到舞蹈乃至舞台设计,都采取了“执两用中”的中西融合的美学原则,赋予了剧作虚实相生、情景交融的独特魅力。

  在音乐的处理上,作曲家(编曲)在遵循音乐创作规律的前提下,极力探索个性化的音乐语言和符合作品内容与民族风格的音乐旋律。如剧中主人公英梅以民族唱法演绎,语言生动,感情质朴。对舞蹈音乐的描绘也尽显中国民乐风格。如在“舂米”的舞蹈片段中,通过打击乐的变化,模拟筛米的声音,节奏上强调空灵与热烈的对比。配器使用民族乐器笛子与西洋乐器小提琴、大提琴、小号、长号等相结合,让音乐充满了灵动感,与舂米女子的心灵手巧相呼应。音乐整体呈现出丰富、多变与包容的特性。

  在舞蹈场面的铺排上,凸显民族特征。仍以“舂米”舞为例,在节奏分明的鼓点声中,同时配合筛米的背景音乐,引入了淮海女子日常捣米的舞段,这样的处理使得舞蹈的进入自然流畅。舞蹈由一开始的单人表演进而到多人共舞,展示出战地后方的女性们团结协作、积极向上的精神面貌以及广大农村充满干劲的劳动场景,具有鲜明的民族代表性,令人过目不忘。除此以外,还有“运粮”“烙饼”“蒸大馍”“搭人桥”等场面,都是对生活化动作进行高度的提炼和美化,营造了中国舞的独特气质。

  此外,音乐剧《淮海儿女》还巧妙地将“徐州琴书”——中国传统曲艺融入到演出中。妇女团的杏花手打快板,左右两侧各有一名演员演奏三弦,把民众支前的工作总结为“三红,三宝,三发明”,以琴书的形式说唱出来,发挥了画龙点睛的妙处。而剧中杏花的扮演者本来就是该团的琴书演员,虽因人设戏,却又恰到好处,成为剧目的又一亮点。

  整体上看,《淮海儿女》用音乐铸就史诗,将舞蹈、诗歌、影像有机巧妙地融为一体,较好地完成了革命题材的艺术表达,不仅带给观众前所未有的观剧体验,更带来了有价值的艺术思考,对音乐剧的本土化创作无疑有着很好的启发意义。

·打响上海文化品牌传递“中国声音”

2019-09-08 15:13:41

  ——上海交响乐团亮相琉森音乐节,满堂观众掌声如潮

  当地时间8月23日晚,琉森音乐节主场KKL音乐厅内满堂观众掌声如潮,上海交响乐团音乐总监余隆多次返场,带领乐队不断向热情观众致意。这是上海交响乐团继2017年后再次亮相琉森音乐节,乐团用实力征服了观众,让“中国之声”响彻在琉森的湖光山色中。

  作为打响上海文化品牌的重要内容,此次上海交响乐团140周年世界巡演,此前已在美国的狼阱夏季演出季、拉维尼亚音乐节和英国的爱丁堡国际艺术节闪亮登场,无论是各国乐迷还是专业人士,都毫不吝啬地表达了对这支中国乐团的赞叹之情。

  演出受到当地观众追捧

  上交此番世界巡演均以充满东方意蕴的《五行》开场,琉森音乐节的演出也不例外。随后,著名小提琴家弗兰克-彼得-齐默尔曼作为独奏家与上交一起献上了普罗科菲耶夫的《D大调第一小提琴协奏曲》。他在演出后接受采访说:“上交不仅是拥有深厚底蕴的中国乐团,也有自己独特的性格,这让上交在琉森的演出很特别。”

  下半场,上交呈现的是拉赫玛尼诺夫的《交响舞曲》。苏黎世音乐学院的学生Rita听了音乐会后评价:“从乐队的演绎中好像感受到作曲家的呼吸如同烈火一般炽热,我们能从中听到挣扎、痛苦和无尽的漫漫长路,但最终依然有虔诚、坦然与长吁一口气般的解脱。”

  琉森音乐节行政与艺术总监迈克尔-海弗里格在演出前来到后台,与乐手们见面的第一句话是:“欢迎回来”。音乐会后,他更是赞叹不已:“这是又一次的巨大成功,我现在就发出邀请——你们一定要再来!”

  现场,不少观众是第一次欣赏上交的演出,对上交的出色表现给予高度评价,音乐会结束后,更是排队等候余隆签名。签售排在第一个的观众是苏黎世保险有限公司的执行董事赫豪坎,他曾在2017年的琉森音乐节上听过上交的音乐会。他认真地用中文“你好”向余隆问好。

  展现乐团和音乐家的风貌

  此前,作为中国首支受邀登台爱丁堡国际艺术节的交响乐团,上海交响乐团的亮相不仅受到各国观众的追捧,也得到了专业人士的充分肯定。据工作人员介绍,2100张演出票早就销售一空。

  目前,上交世界巡演过半,包括美国《芝加哥论坛报》、华盛顿古典音乐评论,英国《泰晤士报》、BBC等海外主流媒体的新闻报道或专业乐评,均对此次上交高规格的世界巡演作出积极评价。

  琉森音乐节后,上海交响乐团还将亮相奥地利格拉芬内格音乐节,并首度登台英国BBC逍遥音乐节等国际一流音乐节。“作为上海文化品牌的代表,上海交响乐团在建团140周年的重要时刻,举行世界巡演,向世界发出‘中国声音’,再一次向全球展现中国的时代风貌和精神内核,不仅是对乐团140年丰厚底蕴的精彩展示,也是为进一步打响上海文化品牌、面向未来建设国际文化大都市的再出发。”上海交响乐团团长周平说。

  余隆则表示,“三年内能两度受邀亮相全球顶尖的琉森音乐节,体现了国际主流音乐界对上交实力的充分认可。向世界传递‘中国声音’,展现中国乐团和音乐家的风貌,是我们的责任和使命。”

·“聚焦中国”:爱丁堡艺术节的东方色彩

2019-09-08 15:10:19

  8月,苏格兰首府爱丁堡化身为艺术之都。作为世界最大的艺术节,爱丁堡艺术节的多个子艺术节在这里陆续登场,包括爱丁堡国际艺术节、艺穗节、军乐节、艺术展、国际图书节等。今年的爱丁堡艺术节期间,以“聚焦中国”活动为代表的来自中国的众多艺术表演,为艺术节抹上了厚重的东方色彩。

  作为今年爱丁堡艺术节“聚焦中国”系列活动的两场重要演出,现代舞剧《春之祭》和室内音乐剧《梦临汤显祖》在8月22日与艺术节观众见面。《春之祭》是俄罗斯音乐家斯特拉文斯基的经典之作,描写了俄罗斯原始部族庆祝春天的祭礼,具有非常强烈的原始表现主义色彩。百年以来,全球已有数百种演绎版本,而此次中国著名舞蹈家杨丽萍带来的《春之祭》则注入了她独有的舞蹈语言与东方审美,用独特的舞台美学展开一次与西方经典的对话,以东方视角致敬经典,赢得观众的热烈掌声。

  原创音乐剧《梦临汤显祖》采用了“戏中戏”的双重结构,选取汤显祖的“临川四梦”作为创作素材,讲述了他化个人情爱为世间大爱的不同寻常的一生。在音乐方面,为传统注入了创新元素,将昆曲、采茶调、淮阳戏等中国戏曲音调、民间小调和当代国际音乐语境相结合。《梦临汤显祖》作曲徐坚强告诉记者,该剧于2016年创作后,此前已经推出5个不同版本,这次为了爱丁堡艺术节演出,特地推出第6个版本,也就是室内音乐剧版本。在创作观念上,该剧既努力保留中国原汁原味的传统文化,又力争符合世界各国年轻人的审美观,以期更好地讲好中国故事。

  22日晚间,“聚焦中国”暨魅力上海推介活动在爱丁堡节日剧场举行,中英政府部门代表、剧院剧团负责人及代表、剧目主创人员、合作机构代表、英国文创界代表和媒体代表、艺术家等百余人出席活动。中国驻英国大使馆公使陈雯、爱丁堡国际艺术节总监费格斯-莱纳罕、中国上海国际艺术节中心总裁王隽、爱丁堡艺穗节总裁肖娜-麦卡锡、中国著名舞蹈家杨丽萍等嘉宾分别致辞。

  陈雯在致辞中表示,今年是“聚焦中国”活动第三次登台爱丁堡,为当地观众带来多部精彩剧目。“聚焦中国”活动本身也是一部出色的“剧作”:第一幕,是兼收并蓄的中国故事;第二幕,是高速发展的上海故事;第三幕,是互利共赢的中英故事。文明因交流而多彩,文明因互鉴而丰富。希望在两国的共同努力下,中英深化人文交流合作,让更多中英人民充分感受彼此的文化魅力。

  莱纳罕在致辞中说,成功首演的《春之祭》包含了无数人的心血,令他倍感欣喜。今年两部爱丁堡国际艺术节的剧目首度入选“聚焦中国”项目,也意味着来自中国的艺术家和作品聚集了越来越多世界的目光,期待更多中国优秀剧目能登上爱丁堡国际艺术节的舞台。

  麦卡锡表示,作为全世界最大的艺术节之一,今年的爱丁堡艺穗节再次迎来了诸多中国剧目,并有四部入选“聚焦中国”项目。艺穗节以其包容性和多元性著称,而“聚焦中国”的再度回归也让更多优秀的中国剧目从几千场演出中脱颖而出。

  据介绍,8月3日至24日期间,共有六部入选本次“聚焦中国”活动的剧目在爱丁堡演出,集中展现中国优秀的舞台表演艺术。其中,两部剧目首次受邀登上爱丁堡国际艺术节的舞台:上海交响乐团的德沃夏克与肖斯塔科维奇音乐会和现代舞剧《春之祭》,这也是中国剧目继2011年后再次亮相爱丁堡国际艺术节。上海音乐学院的室内音乐剧《梦临汤显祖》、海伦奥格雷迪戏剧学院的儿童音乐剧《青鸟》、北京艾它文化艺术有限公司的神话舞台剧《钟馗》和UAL表演实验室的肢体剧《气》则登陆爱丁堡艺穗节各大剧院。今年的“聚焦中国”入选剧目,以中华优秀传统文化中的经典神话、民族历史和文学经典为基奠,结合西方戏剧演出技巧与创作理论,不仅对剧目形式进行升级,针对的观众群体也更加多元,将为艺穗节的全球观众带来中西文化碰撞与交融的艺术盛宴。

  近年来,中国上海国际艺术节中心与爱丁堡国际艺术节成功开展了一系列项目合作与人员交流。去年第十九届中国上海国际艺术节期间,双方就《春之祭》节目安排意向签订合作备忘录,这也是国内首次与爱丁堡国际艺术节这一世界最顶尖的节庆平台联合委约中国艺术家的作品。以《春之祭》为代表,中国上海国际艺术节的多部委约作品正以大步“走出去”的姿态竞相,受到全球文化演出市场的青睐与追逐。“聚焦中国”系列演出期间,“魅力上海”图片展和上海城市形象片在多个演出场地亮相,集中展示上海城市风貌、人文艺术和当代生活写照,让英国观众在聚焦中国艺术的同时感受上海魅力。

  爱丁堡艺术节是世界上规模最大的艺术节,每年吸引约200万观众和游客观看艺术节活动,内容涵盖戏剧、音乐、舞蹈、电影、绘画、摄影、文学、出版等多个领域。近年来,爱丁堡艺术节上的中国元素呈现逐年增多的趋势。今年艺术节期间,除了“聚焦中国”活动的系列演出外,来自北京的年轻表演者们还参加了皇家爱丁堡军乐节的表演,他们带来的以古代传说“龙戏珠”为灵感创作的《乘风之龙》,受到广泛好评。此外,爱丁堡艺术节的大屏幕滚动视频还在整个艺术节期间播映了中国文化旅游项目的视频,展现出中国在参加爱丁堡艺术节期间文旅融合的新趋势。

  (本报爱丁堡8月23日电 本报驻伦敦记者 林卫光)

·一个罕见病乐队的夏天

2019-09-08 15:01:28

  这是一个属于乐队的夏天,除了一档火爆的原创音乐综艺节目,还有一支乐队的重聚与纪念。

  8772乐队首张专辑的首唱发布会,似乎有些临时起意:演出前一天,专辑才制作完成;前三天,公告才正式发布;前一周,场地对接还没有完成;前半个月,专辑中的一首歌甚至还要重录。但这些都不妨碍8月14日晚,他们在北京天桥疆进酒live house舞台上的耀眼。

  黑场,灯光亮,登台,掌声起。主唱坐在轮椅上;吉他手甩起耀眼的白发;贝斯手身高超过两米,打击乐手却只到他的腰部——这支罕见病乐队自称,听过他们的现场,刺猬乐队就不会再说自己是中国最萌身高差乐队了。

  现场近三百名观众随节奏摇摆,彩色荧光棒画出海浪,有姑娘忘我地大声跟唱“呐喊,‘呐罕’,谁不是在生死之间”。

  他们应该是最有资格诠释“生命以痛吻我,我却报之以歌”意义的乐队。就连他们所唱的歌曲,也都来自成骨不全症、卡尔曼氏综合征、脊髓性肌萎缩症、黏多糖贮积症等罕见病病友及其家属的创作。

  队长程利婷低头扫弦,轮椅上的纱裙随乐声起伏。作为一个摇滚乐队的主音吉他手,她经常被说不够狂野。虽然心里已经“狂热到要烧起来了”,但是她依旧表情淡然。直到最后一个音符落下,她终于长舒一口气,“过瘾,享受!”

  久违的聚会

  坐在轮椅上的主唱崔莹,将激动写在脸上,在台下也能看到她额头密密的汗。因为长时间按压吉他弦,她比常人柔软的指尖早已泛白,娃娃脸上却仍挂着笑。

  演出过半,她清嗓,正式向大家介绍8772乐队。

  8772,是“病痛挑战”拼音首字母BTTZ的变形,也和瓷娃娃罕见病关爱中心发起人王奕鸥2014年负责落地的“冰桶挑战”同音。

  乐队现有的7名队员,均为罕见病和残障人士:崔莹和打击乐手张欣毅,与王奕鸥一样都是成骨不全症患者,即人们口中的“瓷娃娃”;程利婷因儿时突发小儿麻痹,坐上轮椅;键盘手小M也是肢体障碍人士;还有白化病患者谢航程,以及大高个的马凡氏综合征患者苏佳宇。

  在综艺节目《乐队的夏天》主持人之一马东眼里,乐队的主线是人与人之间的关系,主要方向也是人与人之间情感的传达,即所谓的“队大于乐”。

  对8772而言,“队大于乐”的意义跨越了时间和空间。以崔莹2015年发出的邀请为起点,几位相当业余的乐手,跌跌撞撞上路,最终变成了现在这个拥有13首原创曲目的乐队。

  总有媒体问他们怎么坚持了这么久,在程利婷眼中,“我一直没觉得这是一件需要努力坚持的事情,自然而然并享受其中地和大家一起走过了这么长时间,未来还会继续更长的时间”。

  前贝斯手王瑶在台下专注地听着。他除了走路时左腿略跛,乍看起来与常人无异。他说,有时都快要忘记自己的病了。只是,牙齿或关节突然地出血,提醒患有血友病的自己,终归还是有些不同。

  无论是现乐队成员,还是前乐队成员,大家笑言,加入乐队的基本条件就是“有病”。

  2015年5月,他们发出的“召集令”石沉大海,直到当年9月收到融合-共生艺术节的演出邀请时,他们还没排练过,只得自我安慰“如果一步到位,那也就不叫梦想了”。

  即使有专业的乐队老师给他们排练,那次演出也难言成功。他们好像与乐器格格不入:崔莹和利婷捧着尤克里里;王瑶抱着陌生的贝斯;仅奕鸥有音乐功底,扮演了吉他、主唱、架子鼓各个位置的救火队长。

  《脆弱的力量》是第一首歌,诞生在初次排练之前,来自一位成骨不全症的病友,虽然脆弱到支撑不起自己的身体,歌里也唱着海阔天高的梦想。

  不博取同情,亦不掩藏真相,让更多病友和残障朋友从音乐中获得共鸣和力量,让公众透过音乐了解病痛群体的真实模样,引导社会正确看待及接纳病痛群体——乐队成立的初衷始终没变。

  四年后的全员同台,更像是一次久违的聚会。自成立起,乐队前后有过十位成员,有人离开,有人加入,有人回归,也有人坚守。

  如今,乐队已有几十次现场演出经验。利婷看到台下第一排坐着王瑶,平时总是嘻嘻哈哈的,此刻眼中却泛着泪。她再看周围,每个队友都闪闪发光。她想:总有些人,让你愿意把时间留住。

  封闭与“折腾”

  打击乐手张欣毅强壮结实,喜欢骑马,喜欢辽阔的草原。家门口放着被他打坏的非洲鼓,除了这鼓,他还打断了十副鼓棒。要不是打鼓时有些外翻的手指,和崔莹一样的蓝色眼睛,他还真像大家笑言的,这是个“假瓷娃娃”。

  这个北京孩子是家中三代人中的第四个瓷娃娃。因为淘气而频繁骨折,小时候大部分时间他缺席了学校,即使是当年背他上学的同学们,毕业后也断了联系。

  母亲知道一定程度的封闭可以保护他,所以他童年最好的朋友是家中的小动物们:蝈蝈、蜡嘴雀,还有养了5年多的蛇,能在水面上呼吸的多曼鱼则是最爱。

  “你所面对的很多障碍,其实并不是你的身体带来的,而是这个社会不够健全带来的。我们是可以一个人正常生活的,前提是社会对我们的需求给予过考量。”这是利婷的感悟。她十几岁时参与一档河北广播节目组织的活动,大家坐着轮椅逛北京,她方才知道外面世界这么大,而自己是能走出去的。

  利婷的母亲常说,可能正是因为不安分的性格,上苍才给了女儿这个轮椅“枷锁”。利婷不服气,但也承认,度过了几年灰暗时光后,自己便开始了各种“折腾”。

  参加自学考试,练习轮椅舞蹈,学习平面设计,报班学英语,去世界各地旅行,还是生意不错的网店老板,她似乎一刻都没闲过。

  跳伞、潜水、过山车、跳楼机,她都去体验,“特别享受做没做过的事情带来的未知感和刺激感”,虽然也害怕,但“害怕的感觉也挺好”。

  奕鸥的觉醒来得比利婷早。她不仅是乐队的大姐,还是罕见病领域的“公益明星”,从创办网站到组织病友大会,再到成立瓷娃娃罕见病关爱中心、发起病痛挑战基金会,越来越多病友围绕在她身边。

  除了推进公众了解并支持罕见病群体、争取病友权益及医疗资源,奕鸥还牵头举办活动鼓励病友自立生活。她一直像个陀螺,办公室里总有人或事等着;她经常顾不上吃饭,包里总备着胃药;有时疲惫感袭来,她就在座椅上打个盹。

  白化病患者谢航程总是精力旺盛,扛设备、搬轮椅、布置场地,都冲在最前面。这个大男孩的眼镜没有度数,除了想要眼睛看起来大一些,“还显得更有文化”——小学四年级,他就早早离开了校园。

  白化病伴随着天生低视力,谢航程识谱时只能先用大字抄下来,或用手机拍下来放大。需要不断用眼的时候,他也会烦躁,蒙起头,抱着大大的玩具狗睡觉,“什么都不管,睡一觉就好了”。这样学练吉他的生活,他已坚持5年。

  现在的谢航程不再讨厌拍照,他会从各个角度自拍,也大方去和别人合影。去年秋天和姐姐久违的合照里,两人都笑得灿烂,而他的白发依旧显眼。

  2018年末的演出,8772乐队盛装出席“火星演讲会”,谢航程很满意自己贝多芬一样的造型。

  利婷说,当外界投来目光时,她希望对方“首先看到的是一个人,梦想和爱情是基本追求,此外才是疾病标签”。她觉得自己和别人唯一的不同,只是在轮椅上做事而已,“F和弦对谁都难,并不会因为你没病它就变简单了”。

  与疾病和解

  长年与“被注视”为伴,他们一直在练习坦然。

  奕鸥小时候经历过一次手术失败,术后她戴上了大铁架子,走在路上稀里哗啦的声音引得满街注目。那时她对所有人都抱有敌意,回盯每个看她的人,直到对方不自在地转移目光。后来,她理解了这种好奇,却始终无法和解。

  在成骨不全症患者中,奕鸥算是病情较轻的,矫形手术后可以正常行走,但今年36岁的她,身高还是停留在了11岁时的1.4米。

  利婷曾自己去看画展,轮椅引来无数眼光。路过长安街时,有警察来问她怎么没人陪。虽然她自我安慰,拥有引起别人注意的特点是好事,却还是不舒服。

  她不解,“一个人出门真的那么奇怪吗?”

  对谢航程来说,答案是肯定的,而且和容貌相似的姐姐一起出门更奇怪。

  “疾病带给我们的伤害,远比看起来多很多。”利婷说,她现在看到11岁时的日记,还想抱抱当时那个特别敏感的自己。

  8772乐队公众号创建之初,王瑶就是主笔。从20岁到30岁,他曾经几乎足不出户,音乐和写作成了生活的全部,即使酷爱足球,也只能说“体育是不可能了,这辈子看看音乐和文字吧……”沉默就像他爱用的省略号,出现在许多句子的结尾。

  身体最痛苦时,他甚至想把膝盖锯掉,就算极度疲惫也无法入睡,“地上坐一宿,关灯再哭半宿”。

  同样经历过10年的封闭,崔莹第一次出门时觉得天光刺眼,连高楼和大树也让她眩晕。

  决定走出家门时,王瑶希望有个流动性强的工作,可以好好了解这世界,但心理建设许久,打出第一通咨询电话,等话筒传来声音时,他却涨红了脸说不出话,羞愧得匆匆挂掉。“我知道谁也帮不了我,只有自己才能突破重围。”

  王瑶可能还算是相对幸运的。至少,血友病的疼痛有了可以控制的药物,但更多罕见病的药物,要么价格高昂,要么因市场需求小而没有药企愿意生产,还有病症甚至无药可解。

  舞台下挥着荧光棒的女孩苗苗,跟唱响亮,带着大大的笑容。如果她不说,没人知道她是一位多发性硬化患者。这位8772乐队的“粉丝”,曾为寻找救命药四处奔波。而她的衣服上,印着sunny days ahead(晴天就在前方)。

  封闭生活那些年,王瑶写过一篇十多万字的童话——山间的铁矿石被春游的孩子带到城市,和书包里的可乐与薯片一起跳窗逃跑,开启冒险之旅。

  他没想到,后来,自己真的和性格迥异的伙伴们,进行了一次音乐主题的探险。

  他记得,乐队一周年时,大家第一次集体去外地演出。那是安徽农村湿润的春日,村庄里弯月与星同在,未成熟的麦田笼罩在雾气中,呈现油画一样的绿色。

  崔莹很喜欢那次出行。曾经,她记忆中的春天总是和卧病在床画等号的黑白色。

  在安徽的那个乡村之夜,崔莹要演唱的第一句歌词是“我想和伙伴,坐在草原上,数着小星星”,她便对观众说,“大家能不能给我点亮一片小星星?”台下,手机灯光一个个亮起,连成一片星空。

  那是她记忆中最美的夜晚。

  闪亮的梦想

  在皮村的出租屋中,谢航程抱着吉他唱起民谣,目光望向远方。吉他弹了很久,他还是毫不犹豫地认为自己演奏唢呐的水准更高。

  吹唢呐原本是父母给幼时的他找的谋生手段,已经陪伴在他身边十余年,和3把吉他一起摆在屋里。他感慨着唢呐的没落,却仍希望有一天成为独立音乐创作人时,能让更多专辑里听到这高亢嘹亮的声音。

  等开学后,他就是打工子弟小学的谢老师,除了上音乐课,还组织着一支学生乐队。他喜欢孩子,也想为以后从事艺术教育积累经验,这是他为自己选定的路——用教音乐来追音乐。

  音乐响起,王瑶还是会被打动。现在的他,期待“一定要找个内心有光彩的女孩子,辨明世间真善美,懂得世间丑与恶,知道人的无良,又能阳光向上”,最好,还可以和正在努力学编曲的他有共同语言。

  演员全部由罕见病病友和家属组成的舞台剧《罕见的拥抱》,崔莹参演了。舞台上,她抱着吉他,低头喃喃:“吉他,你为什么那么重,为什么那么难弹呢?”有人问抱不动吉他、按不动弦的她,弹电子琴不行吗?她抬起头,眼里带着泪和渴望,“可是我就是喜欢吉他啊,我想有人和我一起玩音乐,我想有人能听到我的歌。”

  这些是他们的小梦想。

  今年18岁的包珍妮患有一种叫脊髓性肌萎缩症的罕见病,随着年龄增长,病会一点一点带走人所有力气,包括呼吸的力气。

  珍妮特别喜欢写诗,她用仅能动的一根手指写了很多诗。3年前她许愿:有人能给这些诗谱曲,把它们变成好听的歌,让更多人听到。

  这是珍妮的小梦想。

  8772乐队认领了她的一首诗,谱成歌曲。崔莹很动情地说:“我在妮妮这个年纪时,有过和她一样的梦。那时我并不相信有一天可以自己拿起琴,和一帮伙伴把心里的词曲呐喊出来。”

  “每一个渺小得像砂砾一样的梦想,不重要吗?不伟大吗?不值得被尊敬吗?”唱《小梦想》前,崔莹这么问观众。她想提醒大家,要记得心中那个闪闪发亮的小梦想,它值得被看到。

  让这个群体最真实的样子被更多人看到,让病友们的小梦想有实现的可能,是8772乐队最重要的小梦想。

  世界已知罕见病有近8000种,而且每年增加。罕见病其实距离普通人并不遥远。

  在8772乐队首张专辑同名主打歌《从不罕见》里,队员们唱着“Never Rare(从不罕见)”和“谁也不必说抱歉”。他们用歌声诉说,不愿总被当成“稀有动物”的真实感受。因为,那是生命的尊严。

·“演奏古筝时的写意,像水墨画一样”

2019-09-08 14:58:04

  ——记2019“筝乐传承-共谱华章”非遗华夏大型民族筝乐盛典

  为弘扬中华民族优秀传统文化,提高全国青少年的文化艺术修养,由中国国际文化艺术中心主办的2019“筝乐传承-共谱华章”非遗华夏大型民族筝乐盛典于8月16日至20日在江苏扬州举办。来自全国各地的古筝演奏家、古筝教育工作者以及青少年古筝学习者参与本次盛典。盛典期间,举办了不同年龄组别的古筝展演、古筝专家讲座、颁奖音乐会等系列活动,著名古筝演奏家王中山还携琴童们现场录制“非遗古筝”特别节目《一起传承吧》,同台演奏《渔舟唱晚》,助力古筝艺术的传承与发展。

  弹古筝的男学生

  8月18日,扬州音乐厅,来自淮北师范大学音乐系音乐教育专业的学生陈新斌,在青年组的展演中演奏了一首古筝经典曲目《彝族舞曲》。“这是一首10级的曲目,对演奏者的演奏技巧和素养的要求都比较高。”陈新斌对记者说,“这首曲子的旋律优美动听,表达了彝族人民节日里欢腾喜悦的心情。”比赛结束后,他对这首曲子的演绎得到了评委的好评。

  因为父亲喜欢音乐,陈新斌从小受其影响,也对音乐感兴趣。但和弹吉他、电子琴等乐器的父亲不同,他在高中时因为一个偶然的机会接触到古筝,发现这个民族传统乐器音色很动听,就此喜欢上,并在上大学后成功将其作为自己的专业方向。相比钢琴等西洋乐器,陈新斌更喜欢民族乐器,“中国民乐的韵律和表达的情感,有很多是西洋乐器表达不了的”。即将进入大四的他,已经确定自己未来将会从事古筝教师这一职业。

  不管是在专业还是业余的古筝学习者中,女性都占绝大多数,陈新斌也是他们班学习古筝的学生中唯一的男生。在他看来,跟女生相比,男生弹古筝时爆发力会更强。“古筝需要指甲拨片去拨动琴弦,演奏者的力量不同,拨出来的音色也是不同的。女生的手比男生的偏软,所以男生弹古筝音色会亮一点,也会更刚劲。”他说,“传统的观念是好像女孩子更适合弹古筝,其实很多古筝曲都需要爆发力和耐力,男生会有更好的体力去支撑。”

  真实的情感很重要

  中国非物质文化遗产古筝艺术传承人、青年古筝演奏家郭悦是扬州人。她在扬州邗江区少年宫任教,同时也开设了自己的古筝工作室,跟随她学习古筝的学生,从幼儿到老年人,覆盖了各年龄段。她表示,扬州作为“中国古筝之乡”,古筝在这里是普及性很广的乐器,整座城市学习古筝的氛围浓厚。“大部分家长为孩子选择学习古筝,看中的就是它对优秀民族传统文化的传承。”

  郭悦是本次古筝展演儿童组的评委,近年来她也多次担任在扬州举办的多项古筝赛事的评委。每一年,她都会见到一些熟悉的面孔,看到一些熟悉的名字,见证了这些琴童们不断进步的过程,“他们从着装、技术,到曲子的完成度,都有提高”。从评委的角度,透过孩子们的表现,她也看到了其背后各地老师们的教学水平,也在不断进步和成熟。

  在赛场观看了大量琴童演奏的郭悦,也发现一些孩子演奏中的问题,主要是基本功的训练不够,比如对节拍器的使用、音色的辨别、力度的调整、强弱关系的划分等,同时,有些孩子演奏时不能很好地带入情绪、营造意境。“一些同学只是从头到尾把谱弹下来,完成了一首作品,但没有听音色,也没有带着耳朵和内心的情感去弹。”所以她建议,老师们在教学时,一定要让学生们学会去听音色的变化、强弱的变化,并培养他们的情绪和心境。

  “小朋友像一张白纸,你怎么引导他,他就会怎么做。我平时经常跟我的学生讲,‘艺术是不可以将就的,”郭悦说,哪怕是很简单的1级的曲子,也是有故事背景的,所以老师们在教学时,可以通过讲故事或者播放视频短片的方式,激发小朋友对曲子的理解,这样演奏时他们的脑子里会有画面感,情感自然就出来了。她说,“这些情感是他们自己的,是真实的,真实很重要。”

  开拓民族乐器更多的可能性

  本届展演的评委、青年古筝演奏家任洲洋目前任教于四川音乐学院。作为一名1988年出生的演奏家,他制作了“七爷话筝”的系列视频,借助自媒体来推广古筝文化。最初做视频,是出于偶然。“当时几个朋友在家里聚会,我们发现其中有录像的,有弹古筝的,有会即兴伴奏的,于是就在大家的合作下,用古筝弹了一首比较流行的音乐。”他回忆,“当时只是想录着玩,没想到大家都觉得很好听又有趣,很多人来要谱子,在朋友圈和微博,也有一些网友开始模仿这种形式。”随着听的人越来越多,任洲洋发现这些视频的受众并不都是古筝专业的,但他们也在观看和转发。无意间,他以这样的方式让更多人了解了古筝,于是就把这件事情继续下去,陆续录了一系列视频。

  将古筝和其他艺术形式比如戏曲和电子乐跨界融合,也是任洲洋做过的大胆而有趣的尝试,意在开拓这个民族乐器更多的可能性和表现空间。“在和电子乐合作时,古筝更多是被当作一个音响乐器,它可以发出不同的声响和音色,观众几乎听不到古筝传统的旋律。我们尽可能去展现它的可能性,了解了它的可行性后,再把它的音色融合进去。”任洲洋说,这样的尝试能够用在他平时古筝演奏中的不多,但有一个好处是,“接触到了更多元的知识,从中体验到的那些看不见摸不着的东西,是可以放在我的演奏中的”。

  任洲洋曾赴新加坡、瑞士、德国等国家演出,将古筝带出国门,通过演奏《高山流水》《渔舟唱晚》等中国传统作品,向国外观众介绍古筝及中华传统文化。“国外观众觉得古筝这个乐器音色很好听,很独特。”他说,“他们觉得我们最厉害的一点,就是中国人演奏的气息,和他们是完全不一样的,我们演奏时的有些处理,有些自由的东西,像水墨画一样,他们很难做到这么写意。他们会问:‘你们的渐快渐慢是怎么做到的?’‘你们有一种固定的训练模式吗?’”

  关于古筝如何向前发展,不论是演奏家还是作曲家,多年来大家都在不断尝试和探索。任洲洋表示,曾经有一段时间,古筝创作曲目相对晦涩,大众会感觉听不懂。2010年以后面世的很多古筝曲目,既有严谨专业的作曲技巧,也有非常好听的旋律。在他看来,越来越多此类作品的出现,使得作曲家和演奏家能够更好地合作,共同推广和传承古筝艺术。

·“我们不需要同情和怜悯”

2019-09-08 14:55:44

  在很多人看来,玩摇滚出专辑这样的事情,对于崔莹和她的伙伴们而言,应该是个遥不可及的梦想。但是,8月14日傍晚,大家的首张专辑《从不罕见》发布,让崔莹觉得自己距离音乐梦想又近了一步。

  崔莹是病痛挑战基金会的工作人员,同时,她也是8772乐队的主唱兼吉他手,嗓音空灵的她还是一名成骨不全症病友,这种罕见病的病友有个昵称是瓷娃娃。8772这支原创乐队全部由罕见病病友和残障伙伴组成,乐队所演唱的歌曲也几乎全是由成员和病友群体原创的。

  “大家需要的并不是同情和怜悯,我们只希望能让人们看到这个群体真实的样子。”崔莹说,乐队成立伊始,大家的心里就埋下了一个梦想,那就是他们要用音乐来为罕见的生命发声。

  努力:不放弃生活中的美好

  “没有阳光就去看星光,不被看见就用力地歌唱……这样的我从不罕见!”

  31岁的崔莹在很小的时候,就知道自己的“与众不同”。上幼儿园的时候,有一次她被几个小朋友撞到跌倒,造成了左腿粉碎性骨折。“当时有几个小朋友压在了我的腿上,一下子就不能走路了。”腿骨折后,医生让崔莹在家里静养,没想到,她再也没能回到校园里。

  “那时候人们对罕见病还没有太多的概念,而且治疗的经验也不足。”回忆起当年的情景,崔莹依然感觉无助,在家里的日子虽然悠闲,但是也很闭塞。尤其是长期卧床,肌肉会慢慢萎缩,骨密度也会下降,这就更容易骨折,很多瓷娃娃都陷入过这样的恶性循环中。很多瓷娃娃患者和家属都不知道的是,因为怕受伤而不去运动是成骨不全症最大的误区。卧床的日子里,崔莹感到深深的寂寞,但也渐渐发掘了很多爱好。“我喜欢写文章,就试着给杂志、报纸投稿,还写信交笔友,和他们天南海北地聊,感觉世界也变得越来越大。”互联网的普及,又给崔莹打开了一扇新的窗户,通过发达的互联网,她开始找兼职,做一些力所能及的事情,赚钱养活自己。

  再后来,崔莹加入到现在的工作团队,成为了一名全职公益人,帮助和她遭受类似病痛挑战的病友们。

  在家里卧床休养的时候,崔莹也没有闲着。她喜欢唱歌,也喜欢演奏,便买来乐器,自己试着来弹唱。没有老师,自己也没法出门,崔莹就从“老朋友”——互联网上找资源。“网上有乐谱和教程,我自学就行。”四年前,崔莹和几个有着共同爱好的伙伴一拍即合,大家决定组建一支属于自己的乐队。于是,这支名为“8772”的乐队成立了。为什么要叫8772呢?原来,病痛挑战的拼音首字母是BTTZ,8772则是根据这些字母进行的变形。乐队的成员全是罕见病病友和残障伙伴。他们当中,有瓷娃娃,有马凡氏综合征患者,还有白化病患者……

  执着:为自己的梦想奔波

  “小小梦想,张开翅膀,每一个渺小都会闪闪发亮。”

  在乐队中,崔莹演奏的是吉他。但是刚加入乐队的时候,她弹的是尤克里里,一种类似吉他但要比吉他小不少的乐器。瓷娃娃普遍身材娇小,别看崔莹已经是成年人了,但是她的身形小巧玲珑,看上去如同不到十岁的孩童。所以,加入乐队的时候,对于自己能否演奏吉他,崔莹的心里并没有底:“就怕吉他又大又沉,我没办法驾驭。”不过,崔莹很快就打消了顾虑,天空乐队的吉他手马歌的鼓励,让她很快入了门。在乐队的成长中,马歌一直给大家义务辅导,勤奋加上天赋,崔莹和同伴们的演奏越来越专业。

  每周,崔莹和六七个同伴们都要挤出时间来排练。“乐队是一个整体,需要大家配合默契。”不过,在乐队成立之初排练时,却遇到了不少的困难。“以前,我们基金会在南三环有一个办公室,工作之余,我们就留在屋子里练歌。”崔莹说,办公室在一栋商住两用楼里,隔音效果并不好。练了没几次,乐队就遭到了其他住户的投诉。“爱好归爱好,我们也不能影响到别人啊。”于是,崔莹和队友们开始寻找能够练歌的专业场地。但是,大家发现,这样的场地找起来并不容易,便宜一点儿的,无障碍的条件不太好。“你看,我出行的话,需要坐轮椅,如果没有坡道,就需要人来帮忙抬上去。”条件特别好的场地,价钱又比较贵,这对于崔莹和队友们而言,每次排练几百元的支出,大家的经济负担又比较重。后来,经过反复比较,他们终于找到了一个价钱相对合适的场地。“每次排练,所有人都是投入了自己全部的精力和热情。”每次排练,崔莹和伙伴们是从晚上七点到十点,但是大家太热爱音乐了,有时候练着练着,就忘记了时间。“有时候我们练完一看表,都夜里十一点了,这时候我才发现自己抱着吉他的手臂都酸得抬不起来了。”尽管排练很辛苦,可是崔莹却很兴奋。

  收获:得到大家的认可

  “不必害怕那些阻挡,有梦说出来我们为你鼓掌。”

  在辛苦付出的背后,崔莹和乐队的伙伴们也有了自己的收获。渐渐地,乐队出名了,病友圈里都知道有这么一支乐队。每次有什么公益活动,乐队也都过去帮忙助阵。

  在别人的印象中,公益活动上唱《感恩的心》或者其他一些受助感激类的歌曲已经成了惯例,但这在崔莹和乐队其他成员的眼里,这样的歌曲并不是他们想表达的。“对于我们来说,我们不需要大家的怜悯和同情,我们需要的是大家能看到这群人真实的样子。”因此,乐队的很多歌曲都是乐队成员或者病友群体写的词,反映出了自己真实的生活状态和心声。

  在歌曲背后,崔莹体会到的,除了理解、关心和支持,还有一些患者家属的不离不弃。“我们去看望的一个两岁小病友做了骨髓移植后,一直住在无菌舱里,因为一些指标问题,迟迟出不了舱,孩子的爸爸妈妈就一直在外面陪着。”崔莹说,这也是很多病友们曾经遭遇过的经历。

  今年五月份,8772乐队去西安参加公益节,大家一边唱歌,一边向参加活动的人们讲述自己的故事。演出结束后,一名中年男子迎了上来。原来他的孩子就是一名罕见病患者。在听了崔莹和同伴们的故事后,他说自己看到罕见病群体也一样能活出自己的精彩,人生也就不感到那么灰暗了。“每次演出后,很多病友家属都会找我们,跟我们一起分享他们的故事,这也挺让我们感动的。”

  其实,看到8772乐队这么热爱音乐,也有人劝崔莹和伙伴们要不要专职去做好乐队,毕竟乐队的每个成员都有自己的工作,只能抽出业余时间来进行音乐排练和创作。但是这个建议在崔莹看来,太不现实了。“我们必须先得养活起自己才行呀。”

  成立乐队的这几年,8772这支乐队陆陆续续创作了十多首歌曲。出一张属于自己乐队的专辑,让8772和罕见病群体的声音能被更多的人听到,是崔莹和队友们实现梦想的第一步。

·上交世界巡演过半,收获外媒高度评价

2019-09-08 14:54:31

  当地时间19日晚,上海交响乐团世界巡演第三站演出的最后一曲《良宵》在爱丁堡亚瑟音乐厅完美结束,全场2100名观众爆发出雷鸣般的掌声。这是中国交响乐团首次受邀参加爱丁堡国际艺术节。苏格兰乐评人史蒂芬尼-汉弗莱斯为这场演出打出五星好评,当地主流媒体 《先驱报》《苏格兰人》等也给出了高分。

  此次上交世界巡演履及华盛顿、芝加哥、爱丁堡、琉森、格拉芬内格、阿姆斯特丹、伦敦五个国家的七座城市。目前上交已抵达瑞士,准备参加琉森音乐节。巡演过半,上交的表现获得了海外观众和专业人士的充分肯定,美国《芝加哥论坛报》、华盛顿古典音乐评论,英国《泰晤士报》、BBC等海外主流媒体,均对上交高规格的世界巡演进行了积极报道。不少媒体给演出打出“最高”评分,其中,在华盛顿和芝加哥两站巡演之后,《华盛顿邮报》著名乐评人帕特里克-D-麦考伊写道:“从这场音乐会开场时的新音乐《五行》,到历经时间检验、真真正正的西方经典作品,这次上交在狼阱表演艺术国家公园的首度亮相,无疑是他们璀璨音乐历史和卓越艺术传统的完美写照。”

  从东方意蕴到西方经典,乐评人打出“最高”评分

  受邀参加爱丁堡国际艺术节,上交的音乐会以充满东方意蕴的《五行》开场,旅法作曲家陈其钢用精炼的配器手法,生动描绘出中国古代哲学观念的听觉意象。随后,美国大提琴家艾丽莎-韦勒斯坦以一袭中国红长裙登台,德沃夏克《b小调大提琴协奏曲》的优美旋律从她指尖缓缓流淌。下半场,上交诠释了肖斯塔科维奇《第五交响曲》,气势磅礴的音乐将作曲家跌宕的人生经历娓娓道出。

  音乐会结束后,苏格兰《先驱报》给出四星好评,这对海外交响乐团来说通常已是最高评价。乐评人基斯-布鲁斯说:“这支中国乐团的木管,尤其是单簧管与韦勒斯坦完美平衡的演奏堪称绝配,尾声段落里余隆棒下的弦乐与独奏家也相得益彰。”另一家当地主流媒体《苏格兰人》同样打出四星评分,该报称:“肖斯塔科维奇《第五交响曲》简直是为上交展示其辉煌灿烂音响度身定制的炫技作品。这支乐团是中国最古老的西洋管弦乐团,其悠久历史反映在凌厉延绵的弦乐、利落爽脆的木管和明亮且具有锋芒的铜管中。”

  每年8月的爱丁堡国际艺术节都会吸引全球音乐、舞蹈、戏剧领域的顶尖团体和专业人士的参与。亚瑟音乐厅是爱丁堡国际艺术节的表演场地之一,是上演古典音乐的主要剧场。上交作为中国首支交响乐团要在这里演出的消息公布后,观众显示出很高的热情,2100张门票即告售罄。“今年是上交140岁生日,代表中国乐团实力的上交能在艺术节演出,我们感到很荣幸。”爱丁堡国际艺术节音乐节目负责人安德鲁-摩尔说。今年爱丁堡国际艺术节古典音乐板块的51场演出,集结了当今古典乐坛的一线阵容,如西蒙-拉特率领的伦敦交响乐团、毕契科夫执棒的BBC交响乐团,以及带来歌剧《曼侬-莱斯科》的柏林德意志歌剧院等,这其中,首次受邀的上交被誉为“一张闪亮的上海文化名片”。

  从“能走出去就好”,到站上世界顶尖舞台

  在接下去的行程中,上交将继2017年后再度登台瑞士琉森音乐节和奥地利格拉芬内格音乐节,并首度献演著名的英国BBC逍遥音乐节。上交希望用更多东西对话的音乐语言向各地观众讲述中国故事,展示来自中国的文艺院团的文化自信。

  在音乐总监余隆带领下,上交这几年的海外巡演会特意加入中国作品。比如2017年欧洲巡演时,何占豪和陈钢的小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》、阿隆-阿甫夏洛莫夫的《北平胡同》等,都获得了很好的演出效果。中央音乐学院教授王次炤认为,以陈其钢近年来的音乐新作为例,中国原创作品在海外受欢迎,原因在于其作品没有简单堆砌中国元素,而是熟练吸取法国等海外音乐技法,彰显了一位当代中国音乐家对世界音乐艺术的理解,这样的作品也许更容易获得海外受众的认同。

  据不完全统计,近年来国内多支乐团每年在海外上演超过百场音乐会。上海交响乐团团长周平表示,从最早能走出去就好,到今天站上世界顶尖音乐节、艺术节的舞台,上交作为“走出去”的积极探路者,在过往的经历中积累了大量经验。“当中国文艺院团亮相世界舞台时,需要打造和国际音乐节艺术节相接通的‘走出去’模式,有效的跨国交流才能切实提升中国文化的海外影响力。”

  

·歌曲《我们走在大路上》诞生记

2019-09-08 14:52:18

  “我们走在大路上,意气风发斗志昂扬……

  向前进!向前进!革命气势不可阻挡,

  向前进!向前进!朝着胜利的方向。”

  半个多世纪以来,学校、机关、厂矿、军营、田间地头、车站广场,无不回荡着《我们走在大路上》铿锵有力的旋律,激情澎湃的歌声响彻祖国大江南北。

  1992年12月,《我们走在大路上》被中华民族文化促进会列为124部华人经典音乐作品之一。1999年,国庆五十周年阅兵仪式上,军乐队又奏响雄壮高昂的《我们走在大路上》。不久前,这首歌被中宣部列入“庆祝建国70周年100首优秀歌曲”。

  “劫夫,我最佩服你的‘大路上’,你的四段词我都会唱!”

  1966年3月8日,河北省邢台地区发生强烈地震。4月1日,在灾区,周恩来总理一见到李劫夫,就对他说:“劫夫,我最佩服你的‘大路上’,你的四段词我都会唱。”说着,还当场唱了几句。而后,周恩来总理又鼓励李劫夫多创作一些表现当地老百姓战天斗地的精神,鼓舞抗震救灾斗志的歌曲。

  这首受到周恩来总理称赞的《我们走在大路上》,创作于1963年。那时,我国经济建设遇到严重困难,人民勒紧裤腰带,团结一心渡难关。这首歌唱出了共产党追求理想、披荆斩棘把社会主义建设好的坚强信念;唱出了全体人民意气风发,斗志昂扬,在建设社会主义大路上阔步前行的豪迈气概。

  作为著名作曲家、音乐教育家,李劫夫一生创作了大量声乐作品。如抗战时期的《歌唱二小放牛郎》《天上有颗北斗星》等;解放战争时期的小歌剧《归队立功》,歌曲《打倒蒋介石解放全中国》《国民党一团糟》;社会主义建设时期的大型民族歌剧《星星之火》,歌曲《歌唱咱们的新国家》《我们走在大路上》《哈瓦那的孩子》《说唱雷锋》;诗词语录歌《蝶恋花-答李淑一》《七律二首-送瘟神》《沁园春-雪》等。

  李劫夫之所以能创作出大量优秀的声乐作品,并不是偶然的,这与他一生的经历密不可分,与他一生信仰共产主义,追求理想密不可分。

  李劫夫原名李云龙,1913年11月17日出生在吉林省农安县一个没落的富裕家庭。他从小天资聪慧,跟姐姐学画画,随哥哥学音乐、戏曲与说唱。

  李劫夫后来在谈创作体会时说:“儿童时代唐诗、古文、四书都是唱着念,特别是在家乡每逢年节有一种唱唱本的习惯,乡里的老大娘们常常要我坐在炕上给她们唱。唱唱本虽然有一个固定的曲调,但怎样处理感情,怎样处理长短句,都得自己即兴编造。由于那些听众都是文盲,我当然得尽量把曲调唱得好听一些,以满足她们起码的审美要求,这对于我这个缺乏基本功的歌曲作者或许也应算是一种基本功。”

  1935年李劫夫中学毕业后,流亡到青岛。他积极参加各种爱国进步活动,阅读苏联和中国的革命文艺作品,向朋友努力学习美术和音乐的知识与技巧,经常演奏和演唱《义勇军进行曲》《渔光曲》《松花江上》等抗战歌曲。在报纸、刊物上,他经常发表一些揭露帝国主义侵略行径,反映劳动群众生活和文艺现象的漫画与评论文章。

  李劫夫真正成为一名革命队伍中的战士,一位优秀的美术编辑和作曲家,得益于后来党的领导和组织的培养。1937年,他来到革命圣地延安,接受了共产主义思想,深刻认识到只有共产党才能带领中国人民把日本侵略者赶出去,才能救中国。最初,他在中国工农红军延安人民剧社任教员。七七事变后,组织上派他到“西北战地服务团”工作,这期间他和西北战团的战友们白天行军数十里,夜晚画宣传画、写标语、为民众演出、拉胡琴,群众也随着他们的演奏一块儿唱,他们就随着群众唱的调子拉,李劫夫把群众演唱的内容记录下来,遇到好听的歌,再配上抗战内容的新词,然后再唱给群众听。

  1948年9月,李劫夫调到东北音工团工作。1948年11月,中央决定延安鲁艺在沈阳恢复办学,李劫夫任鲁艺音工团副团长。1949年9月鲁艺改称东北鲁迅文艺学院,李劫夫任音乐部副部长、部长。

  1953年,在东北鲁艺的基础上成立东北高等专科学校,李劫夫任校长,1958年东北音专从专科升为本科,取名为沈阳音乐学院,李劫夫任院长。

  在任东北音专校长到任沈阳音乐学院院长期间,虽然工作繁忙,担子分量重,他始终没有放弃音乐创作。这一阶段是李劫夫一生创作的繁盛期。他经常下基层深入生活,到工农兵中间向他们学习,体会他们的工作生活与情感,感知工农兵的劳动热情和冲天的干劲,炼钢炉、车间厂房、田间地头、油田钻井队旁,都留下了李劫夫和工人农民一起劳动、一起吃食堂、一同睡大炕和教唱革命歌曲的身影。

  “我们建设社会主义不能走小路,我们应该走大路”

  20世纪60年代初,共和国建设刚刚起步,又遇到了艰难困苦。这时,李劫夫已近知天命的年龄,身体不太好。但他觉得,这个时候艺术家应该挺身而出,创作出“积极向上鼓舞人们斗志和士气的音乐作品”,来调动和激励人民建设社会主义国家的积极性。他觉得这是艺术家的使命,艺术家的责任。他一直在酝酿,用什么样的题材来反映时代,反映党和国家的方针政策,体现人民的精神面貌。

  有一天,他正在深思冥想时,随手打开收音机,把频道调到苏联电台,电台正在播放歌曲《小路》。突然,李劫夫情绪激动地对他的夫人张洛说:“我们建设社会主义不能走小路,我们应该走大路。共产党领导广大人民建设社会主义新中国,走的是阳关大道。”

  1962年,周恩来总理同中央部委领导来沈阳开会。6月14日,辽宁省委为总理一行准备了一场晚会。演出结束后,总理邀请时任辽宁省委文化工作部部长、著名作曲家安波和李劫夫一同到他的住处谈话。

  总理向他们讲述了当前国家严峻的经济形势,并语重心长地说,你们要相信党和国家有力量带领人民战胜困难,继续前进。大家要有信心。谈话一直持续到后半夜两点多。这次谈话对李劫夫触动非常大。事后李劫夫对安波说:“总理的话对我启发太大了,我要按总理的讲话精神进行创作,要把总理说的‘意气风发,斗志昂扬’用到歌里,我还要写个副歌,像《斯大林颂》一样,用副歌来展示主题。歌名我也想好了,就叫《我们走在大路上》。”

  至此,《我们走在大路上》的初稿完成了。李劫夫有个习惯,写完的作品总愿意征求别人的意见。据时任中国音协主席吕骥回忆:“1963年他(指李劫夫)带来歌曲《我们走在大路上》。当时我和宋杨(《歌曲》杂志副主编),外地来的孟波都在他的房间里一同研究。大家提出了一些小的修改意见,有的是曲子,有的是歌词,最后我提出‘毛泽东领导我们……’一句最好加以修改……我提出最好改为‘毛主席领导革命的队伍’。”修改后发表在《歌曲》杂志上。

  《我们走在大路上》发表前后,他还征求过很多人的意见。据张洛讲,沈阳音乐学院男中音歌唱家王其慧是最先试唱的,当时被称为沈阳音乐学院四大男高音歌唱家的李鸿宾、胡静华、丁贵文、鲍延义都唱过,而且在音乐厅公开演出时,四位男高音一同演唱。这是一首二段体结构的分节歌,结构简单,旋律积极向上,节奏铿锵有力,每次演唱都大受欢迎。

  我有幸在沈阳音乐学院学习、工作四十年,成为鲁艺传人中的一员,荣耀而自豪。2008年,在沈阳音乐学院成立70周年的校庆大会上,《我们走在大路上》首次作为代校歌在辽宁大剧院唱响。2015年,这首歌被写入沈阳音乐学院章程,正式成为沈阳音乐学院的校歌。

  每每唱起老院长李劫夫的歌,我们都心情激动,精神倍增,感到无比骄傲和自豪,浑身充满力量。正像他创作的那首经典作品《一代一代往下传》让鲁艺精神薪火相传,代不乏人。《我们走在大路上》这首催人奋进的歌,更是鼓舞激励着一代代中华儿女,向着实现中华民族伟大复兴的中国梦的目标向前进,向前进!

  (作者:刘辉,系沈阳音乐学院原院长,著名声乐艺术家、音乐教育家、博士生导师)

·巍巍蒙山高,亲亲沂水长

2019-09-08 14:48:55

  ——专访民族歌剧《沂蒙山》艺术总监张桂林

  “巍巍蒙山高,亲亲沂水长,我们都是你的儿女,你是永远的爹娘……”

  近日,由山东歌舞剧院创排的民族歌剧《沂蒙山》荣获第十五届精神文明建设“五个一工程”奖。这部根据沂蒙根据地抗战历史创作而成的作品,谱写了一曲可歌可泣、荡气回肠的英雄赞歌,省内外巡演59场座无虚席……作品艺术魅力源于何处?为何能在全国掀起一阵阵观剧热潮?近日,记者采访该剧艺术总监张桂林,请他畅谈创作心得。

  记者:山东有着丰富的历史文化积淀,此次为何选定沂蒙山这个题材?为什么选择用歌剧形式来呈现?

  张桂林:以沂蒙山为代表的山东革命根据地是最重要的革命根据地之一。2013年,习近平总书记视察山东,强调“沂蒙精神与延安精神、井冈山精神、西柏坡精神一样,是党和国家的宝贵精神财富,要不断结合新的时代条件发扬光大。”这要求我们讲好沂蒙故事,传承红色基因。

  《沂蒙山》是对沂蒙精神更为全面生动的阐释,深刻表现军民“水乳交融、生死与共”的沂蒙精神。我们的创作力求回答两个问题——为何老百姓会跟着共产党走?是什么铸就了军民鱼水深情?是坚如磐石的信仰之力,是矢志不渝的初心伟力,更是“为了谁、依靠谁、我是谁”的有力实践。而歌剧是综合艺术,集合了音乐、戏剧、舞蹈、美术等多种表现手段,其丰富性、艺术性、辉煌程度可承载史诗题材作品的波澜壮阔,这是题材和艺术形式客观规律的契合。

  记者:《沂蒙山》从2017年着手创作,经历了怎样的创作过程,又如何对历史故事进行艺术再现?

  张桂林:八百里沂蒙,乡乡有红嫂,村村有烈士。两年来,主创团队先后十余次到沂蒙山区采风,先后参观省政府旧址、八路军115师司令部旧址等红色教育基地,到费县大青山胜利突围纪念馆、渊子崖烈士陵园等地访问革命后代,体验当地风土人情。

  任何题材,都要找到独特的呈现角度和创作主题。我们对故事创意和剧本进行了9次重大修改,最终选择在情节的历史真实和人物的历史原型基础上,进行典型化处理。比如:故事选择1938年八路军115师进驻沂蒙地区到1942年共产党在这里建立了巩固的革命根据地这一时段,聚焦海棠由普通群众逐步成长、觉醒并自觉成为革命者的心路历程;夏荷的人物原型来源于陈若克、甄磊、辛锐等八路军女英烈,山妮子的人物原型是沂蒙红嫂梁怀玉……人物塑造的典型性和事件情节的戏剧性,为《沂蒙山》在真实性和厚重感的基础上增添了可看性。

  记者:《沂蒙山》在歌剧艺术风格民族化、地域化上进行了哪些探索,从而使这种外来艺术形式与中国观众的审美如此贴近?

  张桂林:比如《沂蒙山》中的宣叙调,摒弃了传统西洋歌剧的写法,创新借鉴其他民族艺术形式,以两种方式推动故事:一是用“分节歌”辅助叙事,四句来回反复,歌词口语化、接地气,易被观众接受;二是借鉴中国戏曲,用“叫板”的方式开场,说上两句话,立刻开唱,使念与唱衔接自然协调。

  剧中的咏叹调也同样借鉴了戏曲,结构类似京剧的叫板、开唱、收尾再继续,符合中国观众审美习惯。演奏为交响乐队,配之以民族乐器竹笛、唢呐、琵琶、坠琴等,使音乐既有歌剧的交响性,又具有民族音乐的独特风情。《沂蒙山小调》贯穿全剧,在序曲、间奏曲过门、结尾利用其与音乐融合或过渡,并将山东快书、秧歌的音乐元素自然地融入其中……这些方面综合起来,让《沂蒙山》整体呈现出独具山东特色的艺术风格。

  记者:该剧以男女独唱、对唱、重唱等,刻画出沂蒙军民舍生取义的英雄群像。如何通过人物的核心唱段、唱腔来塑造其独特的音乐形象,从而打动观众?

  张桂林:音乐形象的塑造基于对人物性格和精神世界的准确把握,只有真实、真诚、真情的故事和有血有肉的人物,才能打动观众。《沂蒙山》的主题带有悲剧的张力,更蕴含崇高的精神境界,人物唱腔设计就是依循这个思路。比如村长孙九龙性格干练,其音乐形象展现出力量美,有进行曲的意味;而他在生死关头的咏叹调《再看一眼亲人吧》:“再想看一看三月的海棠……我将化在难忘的四季里,我将化在熟悉的田埂上……”表现出他对生活和土地的眷恋,这种浪漫主义与其赴死的慷慨决绝,共同彰显出其崇高的精神境界。

  记者:《沂蒙山》对今后的艺术创作有何启示?

  张桂林:《沂蒙山》带给我们几点启示:选材要准确,要创作有群众基础、有生活基础的作品;要有格局意识,大处着眼,小处着手,以小喻大,深入挖掘,用心用情用功;要用理论指导实践,以创新意识引领创作;为保证作品质量,必须留出足够的创作时间,提早策划、精心雕琢,注重歌剧的文学性和音乐性,这样才能让唱腔传得开、留得住,让观众受触动、有共鸣。

·“音乐就是爱,爱就是音乐”

2019-09-08 14:46:46

  从今年年初的法语版《摇滚莫扎特》引发“法扎”迷几度狂刷,到6月法语版的《罗密欧与朱丽叶》“罗朱”迷再掀狂潮;从该剧在上海站演出创造了上汽-上海文化广场史上30场开票最快售罄纪录,到如今北京站演出同样一票难求,甚至无数粉丝排队五六个小时只为一张签售券……法语音乐剧似乎已成演艺市场新宠。

  随着怀抱爱斯梅拉达尸身将为爱殉葬的卡西莫多唱响最后一句“灵魂和你重生!”大幕缓缓落下,当最后一缕舞台灯光消失在幕后,刹那间,黑暗中观众席上无数身影从座位上迅速起身,涌向台口;大幕再次打开时,全体观众全部伫立,几乎人手一部高高举起的手机是人们可以定格这一刻的唯一方式;谢幕,在一浪接一浪震耳的掌声、欢呼声和尖叫声中进行;接着现身舞台的作曲家被观众的狂热打动而高歌一曲,并深情高呼:“音乐就是爱,爱就是音乐”;返场,但当剧中人物诗人格兰古瓦再次唱响“大教堂的时代已经降临,世界迎来了崭新的纪元”,传说中的全场观众与演员法语大合唱《大教堂时代》真实再现……刚刚这一幕,是8月15日法语音乐剧《巴黎圣母院》20周年纪念版首度来华巡演北京站天桥艺术中心首演结束时火爆的场景,让人看到了文学的力量、音乐剧的力量、经典的力量。

  “20年来我从没有改动过任何一个音符,因为至今我仍然感到没有丝毫遗憾。”

  高耸入云的院墙、鬼魅狰狞的石像鬼、庄严肃穆的石柱、五光十色的玫瑰花窗……标志性的元素,意象性地在舞台上营造出了巴黎圣母院的神秘空间。在这个空间中,借助融合了音乐、古典芭蕾、现代街舞、杂技及极限运动等多种艺术手段,灵动美丽的爱斯梅拉达、丑陋善良的卡西莫多、道貌岸然的副主教弗罗洛、英俊花心的菲比斯、平庸冷漠的格兰古瓦等人物,写意式地表达了雨果的史诗性叙事,演绎着经典潜藏的爱、信仰、欲望和命运等诸多永恒命题……

  《巴黎圣母院》被誉为“法语第一音乐剧”,1998年9月16日首演于巴黎议会宫,并一炮而红,连续演出了130余场,场场爆满,同时荣获加拿大FELIX艺术奖项“年度剧作”“年度最佳歌曲”与“年度最畅销专辑”多项殊荣。同时,20年来该剧创造了这样一组数据:被改编成8种语言版本,在全球20个国家巡演超过5000场,观剧人次达到1100万,也成为吉尼斯世界纪录史上“最卖座音乐剧”。全剧55首金曲, DVD销量超过1000万,单曲超过350万订购,被称为史上“全剧最多歌曲的音乐剧”。

  该剧由欧美乐界顶尖才子吕克-普拉蒙东作词,著名音乐家理查德-科西昂特作曲。曾为席琳-迪翁等著名歌手创作了500多首歌曲的普拉蒙东,也是法语音乐剧开山之作《星幻》的词作者。科西昂特名下有40多张专辑,也曾为法语音乐剧《小王子》等作曲。两位搭档曾创作出席琳-迪翁的《爱依然存在》等诸多优秀作品,完美的契合确保和成就了杰作的诞生。

  “《巴黎圣母院》中的50多首歌就像一个神迹,每一首都完美、动人,且表达了不同的文化内涵,所以在这20年来我从没有改动过任何一个音符,即便20年过去了,我仍然感到没有丝毫遗憾。”科西昂特说。

  科西昂特表示,在创作出这部剧之前,雨果伟大的同名作品已经存在了。该剧在庞大而复杂的作品中,选取最具代表性的人物作为一种符号,每个人代表一种人性,以呈现“活着的不同状态的人如何活着”作为作品探讨的重要话题。科西昂特透露了该剧创作的独特性。“有一些音乐剧可能先有导演、舞美等,再根据场景创作音乐。这部音乐剧创作中很重要的是先有音乐,再根据音乐创作每个场景、灯光、舞美等所有元素。一定是先有音乐在前,音乐是基础,是最基本的元素。这种创作有点像歌剧创作,先创作音乐,再创作舞台表现方式来表达音乐中想表达的内涵。但是,这个作品不是歌剧,不是流行音乐,也不是传统的欧美音乐剧,而是一部多种音乐形式结合的独特作品。”

  “它已成为‘最出圈的音乐剧’,因为它真的和其他音乐剧不一样。”

  除了经典的号召力、著名音乐创作者的影响力之外,此次北京站演出的强大卡司阵容也具有十足魅力。其中最大的亮点,也是无数“真爱粉”最期待的,是1998年原班人马中的副主教弗罗洛的扮演者、70岁的丹尼尔-拉沃伊再次出山表演。被粉丝亲切称为“丹叔”的他是一位著名的作曲家、歌手,曾经10次获得加拿大FELIX音乐大奖,获得1个世界音乐大奖,还出版了两本诗集。20年后的“丹叔”风采魅力更胜当年,或许正源于对自己的严格要求:“我希望能够永远演下去,但是我不知道我能演多久,每一场演出对于我来说都是‘有生之年的珍藏版’,我很珍惜!”饰演爱斯梅拉达的希巴-塔瓦吉,则是蜚声法国和阿拉伯地区的一位女歌手,她还曾担纲迪士尼电影《阿拉丁》中的插曲演唱者,并为“茉莉公主”法语版配音。卡西莫多的饰演者、意大利演员安杰洛-德尔-维奇奥则是世界上唯一一位使用法语、英语、意大利语3种语言演绎卡西莫多的著名歌手。

  “《巴黎圣母院》之所以能引起粉丝如此狂热,因为它以独特的魅力成功地提升了法语音乐剧在世界音乐剧流派中的地位。”演出主办方九维文化董事长张力刚介绍了《巴黎圣母院》的5大艺术特色。“一是‘一唱到底、无一句对白’,全剧55首金曲贯穿,所有情节均为‘摇滚歌剧’般的演唱或唱诵,所以音乐非常连贯,气势上更加雄浑磅礴。二是‘唱跳分离、歌舞分家’,这就使得歌手和舞者等表演者更加专注或集中于自己表达的部分,所以也让这部剧成为金曲以及法语演唱界明星的诞生地。三是‘金曲打榜’,《巴黎圣母院》从最初推广时就是以金曲在各大音乐榜打榜开始的。从《大教堂时代》《波西米亚少女》到《美人》的大放异彩,整部戏的原声唱片销量骄人。四是创造了第一个在伦敦西区成功驻演并大获好评的‘法语音乐剧里程碑’。自《巴黎圣母院》后,法语音乐剧真正开拓了世界级声誉,并带动了其后一系列音乐剧的澎湃发展,使得法语音乐剧真正能够与美国百老汇、英国伦敦西区分庭抗礼。五是它已成为‘最出圈的音乐剧’,因为它真的和其他音乐剧不一样。它的观众覆盖年龄群是从老到少,观众的性别构成也突破了一般音乐剧70 %为女性观众的样式,男性观众占到了一半,这是令我们非常欣喜的一个现象,证明音乐剧真正开始走出了一小部分人喜爱的状态,而成为了一种大众的文化娱乐方式。”

  从今年年初的法语版《摇滚莫扎特》引发“法扎”迷几度狂刷,到6月法语版的《罗密欧与朱丽叶》“罗朱”迷再掀狂潮;从该剧在上海站演出创造了上汽-上海文化广场史上30场开票最快售罄纪录,到如今北京站演出同样一票难求,甚至无数粉丝排队五六个小时只为一张签售券……法语音乐剧似乎已成演艺市场的新宠。从2002年该剧在中国首度亮相人民大会堂时观者寥寥,到17年后的今非昔比,张力刚认为,随着时代发展,中国音乐剧市场以及观众观赏水平的提升,逐步积淀出了如今的爆发点,而引爆它的这部作品不仅让观众领略到法语音乐剧的巨大魅力,也能让创作者从中获得了音乐剧创作如何走向精品化的宝贵经验。

·你的城市音乐叫什么名字

2019-09-08 14:36:46

  在北京人来人往的世贸天阶,头顶屏幕流动着色彩纷繁的光影画面。当暮色四合、街灯点亮之际,步行街中央的玻璃房幕布拉开,露出一个既能听又能看的直播空间:《见面吧!电台》。

  知名音乐人在演播室直播演出和聊天,逛街路人随时停下,清晰听见、看见他们分享的一切。市井中这样一间玻璃屋电台,俨然成了“城市音乐盒”,开启每个人的回忆——你最爱的城市,留下过怎样的音乐?

  做客《见面吧!电台》,90后歌手高嘉朗会想起他最早听城市电台的记忆。五六岁的时候,他坐在父亲的车上听电台音乐,信号也不太好,声音断断续续的,但如今回忆起来特别有感觉。高嘉朗还能记得当时电台放的是张雨生、赵传、小虎队的歌。

  一方水土,深度养育了一方音乐。

  生于吉林白城的高嘉朗觉得东北人性格豪爽,这片土地的音乐风格是高亢的,曲风是“解渴型”的。而他走过的其他城市,比如成都,集合了大量小众音乐;上海音乐的国际性很强;北京,则拥有风格几乎覆盖全中国的流行音乐。

  歌手张远的家乡是安徽滁州,他觉得当地气候四季分明,“环滁皆山也”,整体有一种内敛、憨厚、稳妥的气质。而他非常喜欢的地域音乐是来自内蒙古的,“距离我们有点远,但那里的音乐特别棒,歌手完全超出我的想象”。

  “去每个城市感受它的音乐,是最直观让你了解城市文化的一个途径。”被称为影视剧“OST大魔王”的音乐人汪苏泷,出生于辽宁沈阳。他从小学古典音乐,觉得家乡沈阳是一座古典音乐发展很好的城市。“我上了沈阳音乐学院,所有老师同学又给我很多关于古典音乐的熏陶。所以虽然我现在做流行音乐,但是很多传统的东西依然在我脑子里,给我提供很多创作上的支撑。”

  汪苏泷说,好的音乐是可以跨越地域的,但是往往每个音乐创作者的出发点是“私人而独特”的,生长环境会影响到他们创作的灵感和方法——“养分一定是来自你的家乡,来自你成长的地方。”

  已成立10余年的中国内地摇滚乐队“旅行团”,4个成员里,除了一个北京人,其他3个都是土生土长的广西柳州人。“柳州是一个经常下雨的地方,突然又会放晴,城市开门见山,所以我们在这个环境里面得到的养分,浓缩在我们的前几张专辑里,比如第一张专辑《来福胶泥》中的好多歌就是在柳州写的,你会从中听到很多‘水性’。”

  从南方来到北方的旅行团乐队,感慨他们来到北方后增加了不少“火性”,加之原本故土的“水性”,如今音乐便呈现出一种水火交融的状态。

  旅行团乐队细腻描绘了地域之于音乐创作的微妙影响:“北京的天气特别直爽,比如说夏天风刮过来,汗是可以止住的,不会像在南方,汗水粘在身体上。这种直爽的感觉在我们音乐里就会有体现。”

  在旅行团乐队成员们看来,人的身体其实是一个感应器,他们通过行走不同的地域,就能接收到好多丰富的信息,然后一一融合在自己的音乐创作中。

  人离开家乡之后,音乐就变成一场可以无限延伸的旅行。

  张远说:“旅行是什么?我认为是你到另外一个地方,去感受陌生的环境氛围,你会遇到不一样的自己,所以这里面的音乐非常重要。”

  在到处走走停停之际,很多音乐人都会产生为另一座城市而创作的冲动。比如东北小哥高嘉朗特别提到,深圳这座城市很能触发他的创作灵感。“我是北方人,突然间去了一个湿度特别大、特别热的城市,整个空气的颜色和城市的色调,跟我现在生活的地方是不同的,深圳的感觉比较朦胧。”

  在“雾蒙蒙”的深圳驻足期间,高嘉朗就写过一首尚未公开的歌,他很期待有一天能发出来。

  而汪苏泷每到一座城市,都会认真留心一下那里的特色音乐。“像在北京,我就专门去听过京剧,因为我觉得京剧一定要在北京听。我也写过很多歌是跟中国传统文化有关的,跟昆曲、京剧结合,中国的传统文化是可以跟很多新的音乐风格结合的,我自己一直致力于做这样的事情。”

  旅行团乐队主唱孔一蝉说,他们旅行时对当地音乐元素很敏感,包括乐器和唱片,尤其是东南亚地区那种“放松的音乐”,以及现代文明与传统文化产生碰撞的时刻,体验尤为精彩,因为能找到和自己乐队创作的相似点。

  除了搜集最直接的音乐物料,风土人情的种种细节都可以被“采集”,哪怕是一件衣服、一个眼神,都能化作一段段原创旋律。孔一蝉说,有时候他去一个地方旅行时拍的照片,等回到家再看一遍,都会衍生出很多前所未有的想法,那就是灵感所在。

  旅行团乐队会把不同地域的语言或气质融汇在一首歌里,他们最新发的专辑就是在泰国普吉录制的。键盘手韦伟说:“我们本来就是一群神神叨叨的人,在热带录制感觉气场特别强,天马行空。那个地方的人讲话、吃东西和唱歌都特别有意思,跟我们的审美和想表达追求的东西很像。”

  而很多尚未踏足的土地,亦是创作的源泉。旅行团乐队成员说目前最想去看看的地方是冰岛,“因为那个地方是人间仙境,没什么人,我们想面对自然,想体会自己的内心很渺小。”

  “认真地生活,认真地体验,去感受生活带给你所有的快乐和悲伤,把这些东西融进你的创作里,那你的音乐一定会更受欢迎。”汪苏泷很希望,在北京闹市区的这间“可视化”音乐电台,能成为全新的城市文化地标。“如果我是游客的话,我会非常想来这里看看,又可以逛街,又可以看电台节目,非常值得来。”

  中国青年报-中国青年网记者 沈杰群 来源:中国青年报

·维也纳国家歌剧院培养观众有妙招

2019-09-08 14:34:16

  2019年是奥地利维也纳国家歌剧院建院150周年,这座古老的歌剧院一直为世人关注。笔者曾于2018年6月应邀赴维也纳国家歌剧院调研,探究这座世界著名歌剧院多年形成的运营管理经验。

  维也纳国家歌剧院是世界上最著名的歌剧院之一。每个演出季都安排50部歌剧和10余部芭蕾,共300场演出,全年座席的平均上座率为98%。作为只有一个观众厅的剧院,这里每年接待60余万名观众,对于拥有180万人口的维也纳来说非常可观,其培养观众的方式值得探究。

  以低廉价格惠及年轻人

  维也纳国家歌剧院采取低票价策略,吸引普通民众走进剧院。其有着非常详细的门票价格分级方法,座席最高票价287欧元,最低票价7欧元,平均票价为72.13欧元;站席票价大多是每张3欧元。座席对于平均月收入4000欧元的当地普通民众来说,还可以接受;即便是没有收入的学生,也能以较低的票价买到站席。优质演出和低廉票价对歌剧艺术的传播和提高上座率起着重要作用。

  套票是维也纳国家歌剧院常用的售票方式。年度套票一般会打九折,每张套票包含5场演出,每年有1万名到1.3万名观众购买套票,10多万人次通过购买套票的形式观看演出。2016—2017演出季,该歌剧院售票58.6万张,套票销售12.5万张,占售票总数的21.25%。套票除了按场次售出以外,也有按主题设计的,比如瓦格纳套票、威尔第套票等,这样的主题每个演出季有三四个。出售套票的好处是有些剧目不太受欢迎,可以搭着其他剧目一起卖出去;不利之处是因为折价出售,相当于每张票都打了九折,没有实现演出门票的最大销售价值。

  站票是游客和年轻人最喜欢的选项。维也纳国家歌剧院观众席有3处站票区,观众席池座后区一层大包厢是最好的站票区,票价每张4欧元,而二层相同位置则是全场最贵的区域,每张票价能达到200多欧元。另外两处站票区位于观众厅的两层楼座,票价为每张3欧元。站票不在售票窗口出售,也不能在网上预定,只能在剧院西侧专门的站票入口处购买,每次演出要提前排队,因数量有限,一些观众会提前两个多小时去排队。站票不按号对位,谁先抢到好的位置就是谁的,观众会用围巾、丝巾或外套系在站席前的扶手栏杆上,这就表示该位置已经被人占了,然后大家各自在歌剧院里参观、拍照或休息。年轻人买站票首先是因为便宜,另外也很享受其中自由的氛围和乐趣。

  给小观众特殊优惠和待遇

  维也纳国家歌剧院非常注重培养小观众,出台了一项政策,即每个演出季会选择其中的25场演出,每场拿出30张能卖到160欧元到260欧元的门票,以10%的价格卖给中学生。这些学生和带队老师只需花费20欧元,就可以坐在池座价值200欧元的座位上欣赏演出。每次演出前1小时,剧院还会为这些中学生安排一次导览。工作人员会带他们参观一般观众看不到的后台、化装间和排练厅,近距离观看演员的演出服装和手持道具,以及舞台上刚刚搭好的布景。

  每年,维也纳国家歌剧院会安排10场舞台彩排,每次邀请30名中学生现场观看,在彩排之前会安排参观后台的活动。在彩排开始前25分钟,3名工作人员分别介绍歌剧院的工作内容、当天排演剧目的故事梗概及其音乐特点,让孩子们在了解歌剧院和剧目之后,再开始观摩。除了安排学生现场参观,剧院还通过网络为全国的在校学生播放歌剧的高清视频。这些举措能够有效激发孩子们看歌剧甚至是学歌剧的兴趣。

  拉近艺术与广大民众的距离

  维也纳国家歌剧院除了培养青少年的观剧兴趣,还通过讲座方式帮助成年人增长歌剧和芭蕾知识。这些讲座公开售票,活动日期可以在网上查到,可直接在网上购票。如果只是座谈或讲座,票价是10欧元;如果配有音乐或者舞蹈,比如有乐队或者舞蹈演员在现场表演,票价是18欧元。

  维也纳国家歌剧院采用户外大屏幕直播演出实况的方式惠及民众,拉近与民众的距离。2009年正值维也纳国家歌剧院建院140周年,剧院建筑的东墙上安装了一块巨大的LED屏,由于其朝向东面,正好避开了夕阳的照射,便于人们观看直播。这里夏天天黑得较晚,6月初的时候,直到21点才亮起路灯,歌剧院的东面有一片小广场和一条繁华的商业街,客流量比较大,也有过往民众可以停留休息的地方。

  每年从4月初开始天气变得暖和,维也纳国家歌剧院会用大屏幕直播每天的演出,供停留在小广场上的民众免费欣赏。届时,剧院还会摆放一些座椅方便民众,没有座椅的观众会站在周边,观看位置靠前的观众会坐在地上,也有一些人会自己带垫子坐着或者躺在地上,边观看直播边喝啤酒,欣赏艺术的习惯被渐渐培养起来。

  (作者系中央戏剧学院戏剧管理系主任、教授)

·中国交响乐团歌唱家陈俊华:“不为别的,只因热爱”

2019-09-08 14:32:09

  陕西省安康市平利县红旗剧院里人头攒动,一场关于汉调二黄和平利弦子腔的现场演唱录制正在这里进行。前来参与录制的表演艺术家年岁最大的85岁,最小的也有45岁。大家伴着板胡、堂鼓、云锣,一遍遍地演唱经典唱段。“红旗剧院很长时间没有这样热闹了。”70岁的平利弦子腔市级代表性传承人王和林对记者说。

  为期3天的现场录制是对国家级非遗代表性项目——汉调二黄、平利弦子腔的抢救性保护,意在通过高度数字化复制,更好地保护和传承经典唱段。这一录制计划由中国交响乐团歌唱家陈俊华提出并付诸实践。近三年来,陈俊华为这一计划四处奔走,找资金、找团队。

  陈俊华的家乡就是平利县。这里位于汉江流域,孕育了汉调二黄和平利弦子腔。陈俊华的母亲是县汉剧团的戏曲演员,汉调二黄也因此伴随着陈俊华的成长。陈俊华回忆说,自己十岁就跟着剧团送戏下乡,戏曲成为自己在追求艺术道路上的第一步。即便后来追求歌唱梦想,她也从未远离过戏曲。2011年12月20日,陈俊华在奥地利国家音乐厅举办《华之韵》个人音乐会。这是中国歌唱家第一次在这里举办个人音乐会。当晚,由她演唱的“家乡特产”——汉调二黄《汉水游女》,以极具陕南风味儿的曲调和婉转细腻的唱腔令现场观众陶醉,也让世界知道了中国的陕西安康,让外国观众知道了汉调。

  “面对从事汉调二黄、平利弦子腔传承发展的老艺术家时,我总感觉自己的努力还不够。”陈俊华每次回到家乡,看到这些看着她长大的老艺术家仍在以口传心授的方式传承戏曲,在感到敬佩的同时也心怀忧虑。“由于过去时代的局限,这些老人没有太多的专业戏曲知识,唱词、表演全在心里,无法科学记录。随着他们的年岁逐渐增大,年轻传承人稀少的情况下,汉调二黄和平利弦子腔也许会慢慢退出历史舞台。”陈俊华希望能以录制唱片的方式,保留下这些戏曲表演者的艺术精华。

  在平利县委、县政府的大力支持下,陈俊华邀请到多位老艺术家,包括自己原来所在县剧团的师兄、师妹,齐聚红旗剧院进行录音。尽管没有化装、无需走位,各位戏曲表演者依然以专业的精神在道白、唱腔上反复琢磨,以最佳的状态进行录制。85岁的邹益礼在台上一气呵成完成了数个经典唱段的录制,并始终站立着完成;80岁的吴荣华从录制前一天晚上就在揣摩唱腔,由于年纪大了记不住唱词就在大家的提示下,一遍又一遍反复演唱……这些戏曲表演艺术家的敬业以及对戏曲的热爱令人动容。“剧团存在的价值在于众多喜爱汉调二黄和平利弦子腔的观众,我们对于戏曲的热情来自于热爱。”曾任县剧团团长的邹成仁说。

  陈俊华说:“以微薄之力为家乡的非遗保护做点事情,为中华优秀传统文化的传承与发展做点事情,不仅仅是我的初心,也是老一辈艺术家以及我们这代人最大的心愿。不为别的,只因热爱。”

·音乐和哲学:寻求救赎之路

2019-09-08 14:29:19

  ——读《战时家族:维特根斯坦》

  维特根斯坦这个姓氏,曾经被看作是维也纳精英的标志。这本书所记述的维特根斯坦家族,经历了一战前维也纳的“宴欢年代”,也经历了硝烟四起的战争年月。尤其是在二战时,犹太血统的嫌疑,正好给了觊觎维特根斯坦家族财富的纳粹德国以机会。最终,整个家族,连同他们的宅邸,随着时间变成了红尘中的一个传说……

  有这样一些学科,人们接近它的根本原因不只是出于兴趣,而是为了寻求救赎。哲学如此,音乐亦然。

  路德维希-维特根斯坦,是奥地利的一位对20世纪哲学发展有着转折性影响的分析哲学家。众多传记对路德维希有着纷纭的描述,既是天才又是疯子,自我放逐,为寻求“体面的自杀”而上战场,来自极富有的家族却舍弃所有财富……

  应该说,不仅仅是路德维希的哲学成就让他成为20世纪的一个传奇,他的个性与生活经历,对人们来说也是谜题一般的存在。该书作者亚历山大-沃作出了一个另类的选择,就是不再把视线聚焦在路德维希身上,而是将镜头向后拉远,把整个维特根斯坦之家都纳入画面之中。和以路德维希为焦点的传记比起来,这种远距离的视角,因为去掉了复杂的细枝末节反而让整个叙述更为集中,从而得以清晰地勾勒出路德维希、保罗以及这个家庭中每个人看似互不相容实则相互交织的人生历程。

  路德维希是家中最小的孩子,上面有四个哥哥和三个姐姐。母亲利奥波蒂娜个性软弱而没有主见,父亲卡尔作为钢铁大亨,个性又太强硬。虽然整个家庭和音乐有着不解之缘,但卡尔却反对任何一个儿子从事音乐,而是希望儿子们能如他一般在商业上有所成就。因此,孩子们承受了极大的压力,这个家庭,只有在演奏音乐时,才能达到其乐融融的状态。正如书中所说,“维特根斯坦家兄弟——汉斯、库尔特、鲁道夫、保罗和路德维希——身上那种要在父亲打造的钢铁、军火和银行事业中出人头地的压力,促成了他们所有五个人身上那种神经性自毁的张力。”

  这种张力在维特根斯坦家最极端的表现,就是自杀。年仅22岁的鲁道夫,因担心自己的性取向被公开而选择在柏林的一个小餐馆服毒自杀;汉斯在20岁时为躲避父亲而逃到了国外,失踪,疑似自杀。而另外的一个兄弟库尔特,是个单纯天真的大孩子,唯独他继承了父亲的事业,但后来却还是在一战的意大利前线自杀了。

  很难去评价这样的家庭氛围对保罗和路德维希的影响,但用书中的话来说,两兄弟“不可能对那可恶的年岁里在家中弥漫的氛围完全无知无觉,而且在以后人生的不同阶段,他们两个都将和自杀险恶地咫尺相隔”。

  但同样是和自杀的“咫尺相隔”,对路德维希和保罗来说,形式却完全不一样,他们的应对态度也迥然相异。

  路德维希,因父亲的私家教育而缺乏交际能力,被家人认为是不够优秀的孩子,音乐上又自认不如哥哥姐姐有天赋,如果他没有走上哲学道路,在这种自卑下,他的人生很有可能是另一种结局。路德维希曾经向罗素提出自己的困惑:“……如果我是一个十足的白痴,我会成为航空学家;如果我不是,就会成为哲学家。”而罗素给了他及时的指引:“……仅读过第一个句子,我便对他讲:‘不,你一定不要成为航空学家。’”。

  成为航空学家,是父亲的希望,但对路德维希来说,这只能算是一种逃避。事实上,“逃避”几乎是路德维希的人生常态,不管是准备选择航空学,还是参战请求危险行动,抑或之后在小山村当教师,都是他“自杀”于这个世界的另一种形式。而拯救他的,从来都是哲学。哲学是一种会让人深陷其中的东西,但对哲学的接近,却不会是因为情愿,而是生活所迫。与其说这是路德维希的天赋,还不如说,哲学是一种能让他有勇气面对世界的路径。

  而保罗,在年少时就以当一名钢琴家为理想,连父亲的坚决反对都不足以成为他的阻力,但命运却和他开了一个巨大的玩笑,在一战中他失去了自己大半部分的右臂。路德维希对此极为惊骇,认为这“需要怎样的哲学才能挺过去”!

  保罗没有依靠任何哲学,他依靠的只是音乐。他决定继续做一位音乐会钢琴家。父亲的训诫和哥哥们的自杀给他的反而是一种警示,他意识到对他来说“成功之外的选择不是失败,而是死亡”。音乐,是拯救保罗的唯一出路。在战俘营中,他日复一日地练习如何把肖邦的“革命”练习曲用左手编排。之后,他又约请了拉伯、施密特、施特劳斯等作曲家为他创作左手作品,以极强的毅力毕生坚持自己的演奏事业。

  如同汉斯和鲁道夫的自杀一般,同样也说不清,保罗的人生态度对路德维希造成了怎样的影响。看起来,路德维希比保罗消极得多,总是想着从这个世界逃离,但该书作者却认为,他们有一个共同点,就是都缺少自杀所需的“懦弱”。面对各自的命运,他们都找到了能够拯救自己人生的出口,从而得以和自杀一次次“咫尺相隔”而又“擦肩而过”。

  保罗和路德维希,在家族的磨难面前,被音乐和哲学所拯救。音乐,对保罗和维特根斯坦家族来说,是同生活达成和解的唯一筹码;而哲学,更是路德维希和世界进行沟通的仅有中介。也许,对维特根斯坦家族而言,世界上本没有什么艺术家和哲学天才,有的只是在生活的苦痛中寻求救赎的普通人而已。

  《战时家族 维特根斯坦》 [英]亚历山大-沃著 钟远征译 漓江出版社出版

·上音歌剧院成文化新地标

2019-09-08 14:26:49

  距离轨交1号线最近距离7.4米、位于历史风貌区建筑限高18米,这是上音歌剧院最难克服的两道硬件难题。从2016年1月28日正式开工到首次向媒体开放,这座上海文化新地标从无到有,创造了新的上海速度。速度背后,更令人惊叹的是建筑背后的技术含量和文化内涵。这座凝结上音几代人梦想的剧院创下多个国内外第一,未来将成为集文艺演出、艺术普及、原创基地、国际交流为一体的亚洲一流文化综合体。

  剧院建在弹簧上

  “上音歌剧院这个命名,是艺术定位和建筑定位的双重体现。”上海音乐学院院长廖昌永介绍,既名为歌剧院,就将引进、创作更多优秀歌剧作品,为歌剧普及、推广、欣赏提供平台。同时,歌剧院的建设要求在各类剧院中最高,演出场地的兼容性须满足歌剧、舞剧、交响乐、民族交响乐、综合音乐会,音乐剧演出等要求。上音歌剧院的建设和运营正是对两个定义的探索和实践。

  地处繁华的淮海路,紧邻轨交线,隔振成为建筑的首要需求。上音歌剧院是国内首个采用整体隔振技术建造的全浮结构歌剧院,通俗一点解释,这座剧院建在95个弹簧上。一进剧场,环境瞬间变得安静,为让观众提前进入观演情境,设计师在大厅也做了隔音处理。

  走进1200座的中型歌剧厅,观众席的一片蓝色和剧场的点点星光交相辉映,目力所及之处尽是声学机关。为满足不同形式演出对于混响的不同要求,歌剧厅在设计初始就采用电脑全方位测试运算,并搭建1∶10舞台声学测试模型,校正实验数据。观众席上方的穹顶天花板是可升降的,通过场内体积变化,达到不同混响效果。

  观众席也有玄机,剧场内马蹄形的结构让观众的观演感受更为贴近舞台,即使在三层,也不会觉得太过遥远。每个座位都实现了无遮拦视野,确保每个座位都能看到舞台面95%以上。座椅后方的字幕显示屏可提供8种不同语言的字幕切换,这一技术与维也纳国家歌剧院等国际级歌剧院同步。除了观看字幕,观众甚至可以利用座椅背后的这方小屏幕当场写下乐评,参与演出调查。

  在细节上服务观众

  上音歌剧院未来将以上音为依托,上音演出公司为运营主体,秉持“上音主体、歌剧特色、学术高地、市场运营”的定位。同时面向社会大众,廖昌永介绍,今后进入上音歌剧院的项目将打破学术内循环,推行奖励机制鼓励原创,激发艺术家的创作灵感。

  “上音歌剧院有三个志向,一要走在艺术和学术的前沿,这是依托一流专业院校的歌剧院区别于其他剧院的立身之本;二是依托上音师生资源,在市民艺术普及道路上展现功力,培育歌剧观众群;三要做有温度的剧院,在专业上服务艺术家,在细节上服务观众,比如采用人脸识别、智能停车等服务,并充分利用大数据,整合周边商圈资源,为观众营造更便捷、更温馨的观剧体验。”上音歌剧院管理中心主任冯岚介绍。

  在上音歌剧院的开幕季,上海音乐学院策划了一系列优秀原创作品,包括民族歌剧《贺绿汀》、集合新中国优秀音乐作品展示的《五星出东方》、纪念上海解放的音乐剧《春上海1949》。10月,意大利斯卡拉歌剧院将携莫扎特的两部歌剧《魔笛》和《假扮园丁的姑娘》作为第21届中国上海国际艺术节参演剧目亮相上音歌剧院。这是意大利斯卡拉歌剧院成立200多年来,首次集结全院最全阵容携歌剧制作首次访华。这两部原汁原味的莫扎特歌剧将在上音歌剧院舞台上实现“同一舞台,两个剧目,交替演出”的演出方式,这在国内尚属首次。

·借数字传播的台,唱民歌的原生态

2019-08-18 15:24:28

  互联网时代,网络平台以数字形式对优秀传统文化内容加以记录、保存,并通过贴近年轻人审美喜好的方式进行互动,进而推动传统文化的传承和创新已经成为共识。除了近年来愈发火热的戏曲外,近一段时期以来,民歌这种广泛流传于民间的传统音乐形式也在互联网平台上大放光彩。

  近日,由文化和旅游部、云南省人民政府主办,以“乡音-乡情-乡愁”为主题的2019中国原生民歌节在云南举办,本届民歌节首次将全国范围内的传统音乐类国家级非物质文化遗产代表性项目进行集中展演,同时珍贵的音频资料也同步上线到数字音乐平台,不仅为全国各地的网友献上一份非遗大餐,也在互联网新媒体语境下为民歌搭建了全新的“文化空间”。正如文化和旅游部民族民间文艺发展中心研究员张刚所言:“原生民歌是非常重要的音乐体裁,实际上我们都是在本土民歌中成长起来的。近年来,国家也在大力支持原生民歌的保护和发展,希望原生民歌节能够在社会生活、音乐生活、非遗保护中发挥作用,让民歌在我们一代代人心中传唱下去。”

  那么,以原生态为特色的民歌是如何通过互联网平台被年轻观众所接受并喜爱的?这一方面源于其自身的魅力,另一方面归功于政府相关部门的大力支持和互联网平台的积极推动。据了解,当2019中国原生民歌节在线下火热进行时,酷狗音乐平台也同步上线了“淳淳乡音-2019中国原生民歌节”歌单,涉及21个少数民族,涵盖薅草锣鼓、黄河号子、象山渔民号子、吴歌等50个传统民歌种类。此外,用户在平台的音乐歌单中搜索“民歌”“民族”等关键词,也可以找到由专业音乐编辑以及专业听众整理的民歌曲目。数据显示,一些经典的民歌歌单播放量甚至已高达1800万次。

  不过,数字化传播看上去简单便捷,实际却需要“慢工出细活”,因为缺少专业受众、资料难以统一管理保存是地方戏曲、原生态民歌等传统艺术形式在现代传播的阻碍。“对于用户而言,找到自己想听的作品只需要手指轻轻一按,然而为了收录整理这些珍贵资料,平台需要召集专业人士和工作人员一起为上万首作品录入歌词、歌曲信息、作者介绍等资料,并为作品分门别类地贴标签。”数字音乐平台专业人士表示,地方戏曲、原生态民歌的数字化传播不能揠苗助长,更不能浅尝辄止,仅仅将戏曲作为噱头只会适得其反,做好资料保护保存的基础工作是传承的前提。

  此外,无论是戏曲还是原生态民歌,推动传统音乐数字化传播的关键是在保证传统音乐原汁原味的基础上加以创造、创新,并聚焦新生代听众的培养。如,当下十分受年轻人欢迎的歌曲《花重锦官城》和《月照长安新》便是地方戏曲元素与古风音乐、流行乐结合的产物。其中,《花重锦官城》由成都川剧院副院长、中国戏剧梅花奖得主王超献声,歌曲开头正宗的川剧唱腔为整首作品增添了浓郁的传统味道。《月照长安新》则邀请了中国戏剧梅花奖得主、中国秦腔“四大名旦”之一的齐爱云,在歌曲中加入经典的《打金枝》选段,歌曲开头的秦腔令网友感到惊艳,同时与古风音乐的结合也为歌曲整体增色不少。传统戏曲与现代流行音乐的完美融合,让这些作品在互联网平台上线后迅速走红,有网友如此评论:“古老的川剧、秦腔与时下在年轻人群体中流行的古风音乐,碰撞出的不仅仅是传统文化的深厚内涵,同时还有对新时代的讴歌。”

  的确,对于尚处于音频资料数字化转化阶段的原生态民歌来说,地方戏曲的数字化传承经验值得借鉴——以“留住传统味”为根基,在平衡好专业性与娱乐性的同时,借助数字技术和互联网平台在年轻人之中的影响力重获新生的经验值得借鉴和学习,这不仅是对优秀传统文化的传承,也是对文化艺术内容的创新,有利于满足人民群众日益增长的精神文化需求,推动整个文化产业的繁荣发展。

·《巴黎圣母院》激动人心开场

2019-08-18 15:22:30

  昨晚,备受期待的法语音乐剧《巴黎圣母院》20周年纪念版在北京天桥艺术中心大剧场上演,激动人心的名曲《大教堂时代》再次响起,引发全场齐声合唱,气氛震撼感人。该剧将从8月15日到9月1日在京持续连演22场,这也是该剧20周年纪念版首度来华,更是该剧有史以来最大规模的中国巡演。除了北京,还将走遍中国14个城市、历经20周、130场演出,把最原汁原味的《巴黎圣母院》带给中国观众。

  强大主创阵容 喜逢中国知音

  昨天下午的发布会,《巴黎圣母院》的作曲科西昂特偕夫人专程从欧洲飞来北京为中国观众讲述他的创作心路历程。作为享誉欧美的著名音乐家,科西昂特已经发行了40余张音乐专辑,仅《巴黎圣母院》一张专辑,就在全球销售超过3000万张。平常显得沉默寡言的科西昂特,一谈起音乐来马上变得眉飞色舞。

  “音乐于我,是唯一可以脱离我本身存在的方式。”科西昂特说,“《巴黎圣母院》中的五十多首歌就像神迹一样,每一首都完美、动人,且表达了不同的文化内涵,所以这二十年来,我从没有改动过任何一个音符。即便《巴黎圣母院》的创作已经二十年过去了,我仍然感到没有丝毫遗憾。” 对于重返中国受到中国观众热烈欢迎,科西昂特也表示,“很高兴在中国有这么多的知音!”

  此次《巴黎圣母院》来京演出最大亮点,是该剧1998年原班人马中的副主教弗罗洛的扮演者、70岁的丹尼尔再次出山饰演!20年前,他的舞台风采便惊艳全场,20年后,“丹叔”魅力更胜当年。

  丹尼尔不仅是杰出的音乐剧演员,也是一位著名的作曲家、歌手,曾经十次获得加拿大felix音乐大奖,一座世界音乐大奖,还出版了两本诗集。70岁的他对自己要求非常严格:“我希望能够永远演下去,但是我不知道我能演多久,每一场演出对于我来说都是有生之年的珍藏版,我很珍惜,希望你们也能喜欢。”

  在剧中饰演女主角艾斯米拉达的希巴-塔瓦吉,是蜚声法国和阿拉伯的一位女歌手,她曾担纲演唱迪士尼电影《阿拉丁》中的插曲,并为“茉莉公主”法语配音。扮演卡西莫多的意大利演员安杰洛-德尔-维奇奥是唯一使用法语、英语、意大利语三种语言演绎卡西莫多的演员。2011年他在上海第一次看到《巴黎圣母院》英文版演出,立刻向剧团毛遂自荐并刻苦练习多国语言版本,成为如今不可或缺的顶梁柱。从中国开启缘分,如今又到中国来续缘,他坦言:“感谢中国让我找到归宿,在巴黎圣母院找到真正的家!这次要为中国观众带来最好的表演!”

  延续辉煌历史 再创各种纪录

  2002年,法语音乐剧《巴黎圣母院》在北京人民大会堂首度亮相中国,当时就引起了轰动,如今已经整整过去了17年。这一次该剧强势回归,再次征服了中国观众,上海站的30场演出,三轮开票几乎全部售罄,创造了上汽上海文化广场有史以来“30场开票最快售罄纪录”;该剧在上海演出期间场场爆满,就连“利奇马”台风登陆的那几天,全场都座无虚席,成为上海文化广场“史上平均上座率最高的演出”;同时中国观众还自发学习剧中法语歌曲,使其成为场场谢幕全场集体大合唱的“传唱度最高的音乐剧”;上海观众称《巴黎圣母院》为“2019年最难抢票音乐剧” “2019年票房最高音乐剧”。由于该剧一票难求,上海文广不得不宣布在此轮巡演最后,在上海加演2周,从而造就了上海文化广场演出史上最快回归和复演纪录。

  《巴黎圣母院》被称作“法语第一音乐剧”,一直引领着法语音乐剧的创作模式和方向。全剧53首金曲贯穿,一唱到底、无一句对白,所有情节均为“摇滚歌剧”般的演唱或唱诵,且唱片销量全球超过3000万张,DVD销量超过1000万,单曲超过350万的订购,被称史上“全剧最多歌曲的音乐剧”、“世界上最动听的音乐剧”。《巴黎圣母院》也是第一个以音乐剧单曲冲击流行音乐排行榜并大获成功的法语音乐剧。惊艳戛纳唱片大展的大爆金曲《美人》,成功带动了后续音乐剧的票房,首演即爆,并创造了全年票房的吉尼斯纪录。此后,诸多法语音乐剧纷纷效仿先出单曲后出剧的音乐剧制作运营模式。《巴黎圣母院》也是第一个在伦敦西区成功驻演并大获好评的法语音乐剧。自《巴黎圣母院》以后,法语音乐剧真正开拓了世界级声誉,并带动了其后一系列音乐剧的澎湃发展,使得法语音乐剧真正能够与美国百老汇、英国伦敦西区音乐剧分庭抗礼。该剧在全球巡演20年,8国语言版本演出超过5000场,也是世界吉尼斯纪录“史上最卖座音乐剧”。

  《巴黎圣母院》同时也是最早让舞蹈融入剧情、让舞蹈完成讲述的音乐剧,在舞蹈上大胆融合古典芭蕾、现代街舞、杂技及极限运动,让整个舞蹈的编排充满活力与力量感,甚至还有不少堪比杂技的惊险舞蹈场面。《巴黎圣母院》所起用的极限运动团队,还曾激发著名电影导演吕克-贝松的灵感拍出知名影片《企业战士》。

·他教学生奏出中国钢琴自信之声

2019-08-18 15:20:15

  不久前,上音附中初二学生雷羽夺得2019美国E-国际钢琴大赛第二名和最佳变奏曲演奏奖。自2008年之后,未有中国选手在这项重量级国际钢琴赛事中进入前三甲。决赛现场,当最后一个八度音程随着乐队整齐迸射而出,台下观众沸腾了!他们起立鼓掌、欢呼,感慨这位14岁的中国男孩,把柴可夫斯基《第一钢琴协奏曲》演绎得如此酣畅淋漓、意气风发。现场观众记住了雷羽的名字,助他在国际舞台奏出自信之声的老师,是上海音乐学院附中副校长兼钢琴学科主任周挺。这几年,周挺带教的学生在国际青少年钢琴大赛上捷报频传。

  雷羽还在去年夺得第十六届埃特林根国际青少年钢琴家比赛A组(16岁以下)冠军。在这项曾发掘出郎朗、王羽佳等顶尖钢琴家的大赛中,雷羽被所有评委毫无争议地一致评定为最高分。说起爱徒硕果累累的秘诀,周挺反复提及因材施教与美育的重要性,更感慨中国的高速发展也促进艺术教育向更好的方向不断进步。这位身处一线教育岗位20余年的钢琴教授,正欣喜地看到中国琴童的艺术眼界与演奏水平同步提升,不断绽放出让世界瞩目的光彩。

  从技术到情感,全方位感动国外观众

  在明尼苏达州现场进行的三轮比赛中,雷羽沉稳冷静、兼具技术和音乐性的表现,当之无愧地彰显了中国钢琴学子的自信和实力。在周挺心中,雷羽平时是个有些腼腆的孩子,可一旦坐到钢琴前,便能把最强烈的情感倾泻于指尖。学生在国际大赛上一鸣惊人,周挺并不感到意外,“雷羽的内心很敏感,演奏比其他同龄孩子更成熟。在训练的过程中,出于对音乐发自内心的热爱,他也很能吃得起苦。”针对每个学生的性格气质、生理条件、成长背景等,周挺制定了不同的教学计划和进度,希望激活他们身心深处的艺术潜力。

  美国E-国际钢琴大赛的最后一轮需要参赛者演绎协奏曲,这对从未和大型交响乐队合作过的雷羽来说挑战巨大。雷羽比赛期间,在意大利演出讲学的周挺深夜三四点打电话给学生,叮嘱他与乐队合作时在呼吸、节奏等方面的要点。得益于上音附中室内乐课程奠定的扎实基础,雷羽牢牢抓住比赛前一天20分钟的排演机会,决赛时与明尼苏达交响乐团出色诠释了“柴一”。从洒脱的第一个和弦,到帅气地甩出双臂结束最后一个音符,有现场观众直言自信的雷羽让人想起“钢琴英雄”范-克莱本。“他的演奏大气宽广又不失细腻绵延,音乐趣味性让我沉浸其中。”大赛评委会主席亚历山大-布莱根斯基也对雷羽发出由衷赞叹。

  周挺教给学生的不仅是钢琴技术,还有对艺术的真诚探索。“我在电话中告诉雷羽,你要忘记自己正在参加比赛,登台后得像去完成音乐会那般表演。”周挺告诫学生,钢琴演奏家的职责是全身心地投入到音乐中,把谱子上的音符注入自己理解之后再鲜活地呈现给观众。“如果在演奏的过程中能够发现美、欣赏美并且创造美,那么无论获奖与否,你都是成功的。”

  从演奏到教学,努力让钢琴说中国话

  “随着上海迈向亚洲演艺中心,国内外音乐名家纷至沓来,我常鼓励学生们多去剧场看各类演出,同时近年来音乐院校开设了大师班,琴童们不再只会埋头练琴,相反在开放的环境中博采众长并且愈发自信。”在2019美国E-国际钢琴大赛的第二轮比赛中,雷羽演奏的《巴伯奏鸣曲》等作品不仅技术难度很高,而且需要演奏者有极佳的艺术修养。事实上,周挺一直很注重培养学生多方面的审美能力,要求他们去欣赏高水准的音乐会、话剧或画展,听音乐也不要只听钢琴曲,还可以广泛涉猎交响乐或其他乐器的演奏。“拥有广阔扎实的文化底蕴,才会让艺术之路越走越宽。接受多种艺术文化的熏陶能让琴童心灵变得更敏感,也更能在演奏时向观众传达音乐的美好。”周挺说。

  站得好讲台,也要登得上舞台。和上音表演专业的许多优秀前辈一样,周挺在育人以外,不曾间断自身的舞台生涯。在繁忙的教学和行政工作之余仍坚持刻苦练琴,每年都要在国内外举办多场音乐会。三年前“上海之春”国际音乐节“中国钢琴音乐百年经典展演”上,周挺演奏了陈其钢的钢琴曲《京剧瞬间》。该作应法国梅西安钢琴比赛组委会邀约创作于2000年,也是当年该钢琴比赛的“必考题”。“《京剧瞬间》融合京剧元素与西方20世纪作曲技法,充满鲜明戏味的同时具有强烈的现代感。”周挺表示,中国作曲家正在不断创作新的钢琴曲,还有更多的中国钢琴作品值得被挖掘、研究与传播。

  “中国钢琴学子在国际舞台上的实力已经有目共睹,眼下让钢琴说中国话对我们音乐教育者来说更是任重道远。”周挺介绍,上音附中在日常教学中会加入很多中国钢琴作品,从考试曲目设置到师生举办音乐会也都注重曲目的中西结合。“除了面向国内推广中国钢琴作品,还要让世界舞台听到中国声音。我相信未来会有更多国际钢琴大赛把中国作品设为必选曲目,外国爱乐者专程来华学中国钢琴曲的这一天也将不再遥远。”

·中国女高音和慧“打飞的”救场萨尔茨堡音乐节

2019-08-18 15:18:12

  中国女高音和慧临危受命顶替俄罗斯女高音安娜-耐特布科,于当地时间7月31日赶赴奥地利萨尔茨堡音乐节出演歌剧《阿德里安娜-勒库费勒》,是这个夏天轰动欧洲歌剧界的新闻。

  安娜-耐特布科是享誉世界的歌剧明星,受邀参加萨尔茨堡音乐节,在完成一场演出后,却因为感冒在第二场演出当天早上忽然宣布她无法胜任接下来的表演。演出票早已销售一空,观众大为不满,音乐节陷入了危机。此时的和慧正在意大利维罗纳排练歌剧《托斯卡》,中午发现有来自奥地利的未接电话,拨回后得知萨尔茨堡音乐节十万火急请她救场。几小时后,她登上了音乐节专程派来的飞机,当晚就代替安娜-耐特布科成为《阿德里安娜-勒库费勒》的女主角。

  “实在是一次难忘的经历,太刺激了。”和慧回忆。要“顶替”安娜-耐特布科难度不小。此前在纽约大都会歌剧院演出版本的《阿德里安娜-勒库费勒》通过高清录像在网络广为流传,欧美观众都将这位俄罗斯女高音视为女主角的第一人选。更何况现在是临危受命,和慧只来得及回家拿谱子和演出服,与声乐指导复习了一遍乐谱,就直奔萨尔茨堡,而到达剧场后,和慧甚至来不及完成与乐队的走台,就要开始演出。

  此时的演出现场,已经有观众因为安娜-耐特布科的“临阵脱逃”,发出不满的抗议和嘘声。在这种情况下,演职人员都为和慧捏把汗。

  歌剧《阿德里安娜-勒库费勒》演出频率不高,因为它对大多数歌剧女高音来说,都提出了很大挑战。老套的三角恋故事本身并不出彩,结尾阿德里安娜-勒库费勒在爱人求婚的关头,被情敌送来一支洒满毒药的紫罗兰毒死的场景,更因为太过于戏剧化,经常陷入演出“脱离现实”的批评。只有音色“肉头”最浑厚、拥有强大情绪感染力的歌唱家,才能让观众信服,克服剧本的不足。但对任何演员来说,没有与乐队指挥的磨合就上台都是“高危挑战”,更何况和慧在今年3月至4月出演该角色后,已许久未再接触《阿德里安娜-勒库费勒》。她能满足萨尔茨堡音乐节挑剔的观众吗?

  和慧一开口,就让所有观众都安静了。“和慧用她自信、温暖、有力的嗓音和美妙高超的技巧,让观众完全陷入了角色的魅力。”德奥著名乐评人哈费尔-艾克哈特撰文评价,她的演出版本,堪称史上最出彩的《阿德里安娜-勒库费勒》之一,足以令安娜-耐特布科黯然失色。还有乐评人形容,“不同色调就像一层层的波浪,轻柔地划过音乐节傍晚的天空,在观众脑海中组成一个个新的图案。”尤其是对阿德里安娜最难咏叹调《可怜的花》,和慧深刻而最具感染力的诠释,获得了德国与奥地利各大新闻媒体的盛赞。“在对一连串着重强调的八分音符乐句精致细腻的演绎后,忽然转入起伏不断的连音中,和慧将齐莱亚的戏剧带到了一个极少能听到的音乐深水区。”

  和慧的舞台表现也一如既往沉稳大气,观众最多只能从她偶尔看了几眼指挥,发现“临阵换将”的蛛丝马迹。而当女主角与爱人重逢,却意外死去时,那声音中情绪饱满的痛苦、临死前握紧的双手,已让观众彻底为她的魅力征服,在演出结束后疯狂鼓掌、热情欢呼。和慧多次谢幕,观众仍久久不愿离去。

  临时顶替安娜-耐特布科登台,却取得巨大成功,和慧惊艳萨尔茨堡音乐节的消息,迅速成为欧美歌剧界津津乐道的新闻。多明戈在意大利时间8月4日晚见到和慧时,一见面就说“你是我的骄傲!”并表示期待两人在11月合作的《蝴蝶夫人》。其实在此之前,和慧早已被不少业内人士誉为“想象中最好的蝴蝶夫人”“1985年玛利亚-齐亚拉之后斯卡拉歌剧院最好的阿依达”。面对赞誉,和慧表示,将继续以勤奋、谦和与勇气登上世界艺术舞台。

·歌剧《芥子园》曲毕,瞥见含泪的指挥

2019-08-18 15:15:47

  在江南才子李渔起伏颠沛的一生中,住在南京芥子园的几年可谓他最热闹也是最幸福的时光。在芥子园内,李渔经常以家班演出的方式以戏交友、以戏会友。近日,一部名为《芥子园》的歌剧在北京中国音乐学院国音堂举行试唱音乐会,在指挥家绍恩的执棒下,来自中央歌剧院、中国歌剧舞剧院、中国交响乐团的音乐家缓缓讲出了李渔的传奇故事。

  该剧以芥子园为背景,讲述了以李渔的奇书《闲情偶寄》被盗版而引发的嬉笑怒骂、爱恨情仇。试唱音乐会上,共展示了《我为你卸下戏装》《学富五车》《十八驿快马连夜送》等6段剧中的主要咏叹。

  音乐会以男主角李渔的咏叹调《我为你卸下戏装》开场,在固定的三连音音型衬托下,男高音轻轻歌唱出与女主角乔姬的依依惜别之情。男中音咏叹调《学富五车》是为剧中一号反面角色孙道台而写,编剧和作曲没有简单地将这个人物脸谱化,而是从他的内心刻画入手,将孙道台的洋洋自得,对李渔拥有乔姬这样的美人的嫉妒之情和为得到乔姬巧做安排的嘴脸描绘得淋漓尽致。男高音咏叹调《十八驿快马连夜送》是李渔一段辉煌的唱段,表现了李渔在修书去杭州求友人帮助时的满心期待。

  时长18分钟的《但愿求得天眼开》由舞蹈音乐、咏叹调、二重唱、三重唱、四重唱、合唱组成,极富民族性。其中,采莲舞的优雅妩媚、重唱的情真意切、次女高音对李渔的满心倾慕、李渔对盗版行径和贪官所作所为的强烈愤怒,都在这18分钟呈现出来。女中音咏叹调《有情的人儿平平安安》是照顾病重乔姬的林妈妈的唱段,优美的歌唱中透出深深的担忧与无奈。二重唱与合唱《永远相伴着你》为全剧最后一个唱段,是李渔与弥留之际的乔姬的歌唱,优美的旋律展示了两人的缱绻深情。

  最后一曲毕,邵恩含着眼泪放下了指挥棒。在之后的专家研讨会上依然难掩激动,他认为,《芥子园》的剧情虽然并不复杂,但其中表现的爱让人感动。“剧本描写的爱情故事感人至深、精致典雅。东方人对于爱情的表达含蓄内敛,没有大气磅礴的恢宏宣叙,而是细腻婉约,娓娓道来。《芥子园》表达得非常到位。”邵恩说。

  研讨会上,与会专家认为,《芥子园》是一部有着很好基础的室内歌剧作品。指挥家卞祖善肯定了《芥子园》的歌唱性和音乐性,认为该剧是一部民族化的中国歌剧。学者张萌认为,《芥子园》的剧本基础很好,唱词优美、音乐动听,即使是反面角色的咏叹调也非常好听。

  专家学者的肯定让赵景扬、张朝两位创作者兴奋不已。为了创作《芥子园》,编剧赵景扬用了6年时间创作第一稿,之后又用了7年时间改到第七稿,字数也从最初的2.5万字缩减到如今的1.6万字;为了创作《芥子园》,作曲家张朝多次到苏州、南京采风,学习江南音乐文化,历时3年才完成钢琴谱。在定稿配器之前,赵景扬和张朝决定从非常有限的资金中拿出一部分,来做这场试唱音乐会,倾听专家和听众的意见。

  据悉,作为国家艺术基金2018年度大型舞台剧和作品创作资助项目之一,也是2018年唯一一部民营企业申报成功的作品,《芥子园》将于2019年底与观众见面。

·日韩音乐节:更包容 更多元 更国际

2019-08-18 15:13:34

  日韩作为亚洲潮流文化的先锋,每年举办大批世界知名的大型音乐节。近年来,音乐元素的包容性更强、参与人群的类型更加多元、参演艺人从英美拓展到更广泛国家等,成为日韩音乐节的发展趋势。

  韩国摇滚音乐节转型显尴尬

  在新世纪到来前的较长时间里,摇滚音乐节一直占据韩国音乐节市场的主流。这些音乐节以摇滚音乐为核心和内容,所提倡的摇滚音乐精神和文化吸引了大批乐迷,也成为普通民众娱乐生活的个性化选择。

  千禧年前后爆发的流行音乐潮给韩国音乐市场带来很大震动,逐渐改变了音乐节的市场环境和受众。2015年前后,韩国摇滚音乐节受到流行音乐的冲击越来越大,伴随着以电音等为主题的音乐节不断涌现,民众的选择更加多元。尤其是电音音乐节,因其音乐元素和类型的多样性而颇有观众缘,人气已经超过了摇滚音乐节。

  面对观众不断减少的市场压力,韩国的摇滚音乐节不得不进入大众化的转型时期。转型期间,大部分韩国摇滚音乐节开始融入流行元素,邀请的演出嘉宾结构发生很大变化。但音乐类型的多样化让一些摇滚音乐节迷失了自我,难以在摇滚乐迷和普通观众之间找到平衡点,不但没能挽回多少观众,演出嘉宾也不断流失。一些摇滚乐队不满摇滚音乐节的做法,宁愿自己举办单独的演唱会也不愿参加音乐节,让音乐节艰难的运营雪上加霜。

  虽然摇滚音乐节的生存在韩国面临诸多挑战,但韩国最具代表性的釜山国际摇滚音乐节和仁川Pentaport摇滚音乐节仍在调整中坚持举办,并拥有一批“铁粉”。

  免费变收费,音乐节收入更可观

  创办于1999年的釜山国际摇滚音乐节是韩国老牌摇滚音乐节,音乐节创办之初,就是由音乐评论家和演出活动专家联手打造,诸多知名摇滚音乐家都曾登上这一舞台,音乐节的专业性使其在韩国备受好评。19年间,音乐节坚持免费入场政策。今年,音乐节在举办20周年之际宣布将首次向观众收取门票,双日门票8.8万韩元(约合人民币512元),单日门票6.6万韩元(约合人民币384元),价格是韩国国内同类音乐节的一半。

  免费变收费并没有太影响观众热情。7月27日、28日,釜山国际摇滚音乐节迎来观众2.5万人次,2018年音乐节举办3天,吸引观众6.4万人次。据悉,举办今年的音乐节全部花费约20亿韩元,除了釜山市政府划拨的5亿韩元外,剩余15亿韩元均来自商业赞助和门票收入,其中商业赞助收益达5.5亿韩元,是2018年的6倍。此外,今年音乐节的观众中有56%来自外地,为釜山的旅游、住宿等带来相当可观的经济收入。

  日本富士摇滚音乐节打造“世界派对”

  在新潟县苗场滑雪场举行的富士摇滚音乐节是日本规模最大、人气最高的户外音乐节。自1997年创办至今,富士摇滚音乐节一直坚持走国际化路线,近年来,其国际化程度不断加深。据日本媒体报道,随着亚洲国家经济的不断发展,人们对娱乐生活的追求呈爆炸式增长,近年来,富士摇滚音乐节的人气在亚洲地区不断高涨,吸引越来越多亚洲甚至世界各地的乐迷参与,很多还会举家一起参加音乐节并在这里度过假期。

  除了观众群体的国际化,音乐节邀请的表演嘉宾也更加国际化,早期邀请的嘉宾多来自英美国家,今年嘉宾的国别范围大大扩展:世界最著名的风笛乐队之一“红辣椒风笛”来自苏格兰,充满民族风情的摇滚乐队“杭盖”来自中国,富有东南亚风情的乐队“天堂曼谷墨兰国际乐队”来自泰国,非洲乡土爵士乐队由来自贝宁的主唱带领……此外,一组新生代女歌手的登场为音乐节掀起小高潮,她们都是亚裔美国人,多元文化背景让她们对音乐有了更特别的理解。

  网络直播试水成功

  热衷于参加音乐节的观众往往对现场感有着很高要求,这也是每年夏天都会有乐迷不远万里、漂洋过海去世界各地“打卡”知名音乐节的原因。然而,随着互联网的不断普及和移动网络速度的不断加快,网络直播在音乐节领域早已不是一件新鲜事,视频网站YouTube已经对美国科切拉音乐节等进行网络直播,而富士摇滚音乐节正是亚洲地区试水网络直播的音乐节之一。

  今年,YouTube对7月27日至29日的富士摇滚音乐节进行全程网络直播。直播通过富士摇滚音乐节在YouTube的官方频道播放,人们还可以在这一频道看到往年音乐节的表演片段。此外,YouTube还在音乐节现场设置“YouTube空间”,对参加表演的音乐家和乐队进行现场采访并与观众在线互动。对一些重量级参演嘉宾,YouTube特别为他们用“VR180”技术制作了视频内容,这一新技术通过对现场进行180度的拍摄形成3D影像内容,给人身临其境的感觉。

·欧美音乐节:音乐不再是唯一

2019-08-18 15:10:32

  近年来,音乐节在全球迅猛发展。从摇滚到电音、从流行到爵士、从服装到美食……海内外音乐节带给观众丰富体验,成为人们休闲娱乐的好去处。本版以欧美音乐节、日韩音乐节为样本,聚焦世界音乐节发展现状与趋势。

  户外流行音乐节是欧美文化娱乐产业的重要组成部分。近年来,欧美各国音乐节数量稳中有升,其市场现状、运作模式和发展趋势值得关注。

  市场日趋庞大:观众增多、收入走高

  根据《艺术节观察》2016年发布的排行榜,全球顶级的50个音乐节中,有21个分布在北美和欧洲,其中包括知名度很高的美国科切拉音乐节、英国格拉斯通伯里音乐节等。德国、比利时、奥地利、荷兰也是欧洲音乐节大国。在其他大洲,具有较大影响的音乐节主要分布在日本、巴西和摩洛哥。

  以美国为例,据公告牌网站报道,每年有3200万名美国人至少参加一次音乐节,其中1470万人为“00后”。美国有800多个音乐节,最大的是威斯康星州米尔沃基夏季音乐节,历时10天左右,有800多个节目,演出1000多场,观众近100万人次。

  如果说,以美国伍德斯托克音乐节为代表的早期音乐节普遍带有嬉皮特点等时代烙印,那么现如今的欧美音乐节很多全盘商业化。当年门票只要十几美元或者几乎免费,而今音乐节门票价格动辄上百美元。据《财富》杂志报道,2014年美国5个最大音乐节的门票销售额达1.83亿美元,这其中还不包括衍生品、赞助、食品和饮料销售。2016年科切拉音乐节期间,消费者和商业开支为7.04亿美元,为当地经济发展贡献了1.06亿美元。

  网络社交媒体的发展促进了音乐节营销,民宿增加使观众参加音乐节住宿更加方便。此外,与演唱会相比,音乐节这种演出形式的票价相对较低,现场体验感更好。知名歌星和乐队也乐意选择音乐节作为其巡演的一站。这些因素促成了音乐节行业增长的势头。

  值得一提的是,音乐节因聚集众多年轻人而受到赞助商青睐。欧美音乐节赞助商以饮料、银行、金融服务、汽车制造行业等为主,2014年北美企业赞助音乐节约15亿美元。音乐节主办方会给赞助商设立一定门槛,以免其喧宾夺主。

  竞争更加激烈:简单运作模式行不通了

  令人眼花缭乱的欧美音乐节市场上,起主导作用的实则是两大演出行业巨头:现场国度娱乐公司通过全球扩张收购欧美众多音乐节,旗下每年有100多个音乐节,包括英国牛津荒野音乐节、德国赛道摇滚音乐节等;安舒茨娱乐集团拥有美国的科切拉音乐节、新奥尔良爵士与遗产音乐节等著名品牌。实力雄厚的演艺企业运营管理下的音乐节,在资金、组织、技术、安全和卫生等方面要比中小演出商更有保障。

  据音乐产业相关媒体报道,今年夏季以来,英国和欧洲大陆一些音乐节面临票房挑战,主要表现在售票不如往年顺畅、开票时间推迟、很难达到盈利点等。瑞士老牌帕莱奥摇滚音乐节往年门票开票几小时内就一抢而空,而今年出现了售票慢和售票难的情况。法国除了赫尔费斯特重金属音乐节外,其他音乐节售票情况不甚理想。原计划在西班牙巴塞罗那举行的博士音乐节,则因售票不畅被迫取消。

  欧洲媒体认为,音乐节风光不再的原因在于经济大环境的不确定性以及音乐节本身的同质化,在不同音乐节上总能见到某些相同的乐队,令观众们感到不满,这一现象在法国音乐节市场尤其明显。

  网络新媒体的发展导致传统唱片业销量下降,业界指望音乐节演出收入可以弥补部分损失。但是,以前那种租下场地、请来演员就能办音乐节的简单运作模式,如今在欧美行不通了。

  追求更好体验:音乐节呈现个性化、综合性

  随着音乐节的发展,观众想要得到更多好的体验。正如德国某知名演出公司总经理雅佩尔-巴伦德莱特所说:“音乐是音乐节最主要的部分,但不再是唯一。每个音乐节都要做到独树一帜,成为个性化的综合产物。”

  演艺新科技在当下欧美音乐节舞台上的运用越来越普遍,激光、LED大屏幕、4K高清屏等在技术层面给人带来视听新体验。

  欧美音乐节对美食体验非常注重。调查显示,美国有84%的人在参加音乐节时会晒他们吃过的美食,99%的“00后”会在社交媒体推荐自己在音乐节发现的美食。

  音乐节行业发展要适应音乐消费行为的变化。年轻观众通过流媒体消费音乐,又离不开社交媒体,希望网络新媒体与音乐节有机结合起来。美国一项新调查表明,46%的音乐节参加者从社交媒体上得知信息,30%的人是看到流媒体转播后才来参加音乐节。2015年科切拉音乐节的第一个周末(共两个周末),“推特”上相关发文就有350万条。利用好网络新媒体,可以扩大音乐节的影响力并吸引更多年轻人。

  “晴天一身汗,雨天一身泥”是参加音乐节的普遍经历。现在,观众对演出场地、住宿、交通、供电、无线网络、卫生等方面的要求提高了,希望有更个性化和轻松舒适的环境。为此,德国飓风音乐节提供与普通营地区分的“土豪”营地,广告语中写道:“道路好,灯光好,即使雨天黑夜也能保证你回到住所而不湿鞋。”

  近年来,音乐节也逐渐成为时尚“潮人”聚集地。于是,时装行业把音乐节作为新的销售市场,出现了音乐节时装的概念。在科切拉音乐节上,有明星穿着新款服装登台;某些特定款式和流行趋势专门在音乐节发布;《纽约时报》也推出了音乐节服装图片版。

·将“高山流水”注入“海洋之音”

2019-08-18 15:03:37

  ——专访著名琵琶演奏家吴玉霞、著名二胡演奏家宋飞

  8月4日晚,作为首届青岛海洋国际音乐季的一项重要音乐演出,“高山流水”——国乐大师音乐会在青岛即墨上演。四位著名演奏家——吴玉霞(琵琶)、宋飞(二胡)、王中山(古筝)、戴亚(笛子)联袂演出,更携“艺苑-国风”重奏组,“乐道”胡琴重奏组、“国音”古筝重奏组、“龙之吟”笛子乐队,为现场观众奉上了一场精彩纷呈的音乐盛宴。音乐会上演的十六首乐曲,几乎涵盖了所有演奏形式的民族音乐作品,包括独奏、重奏、合奏,可谓洋洋大观、精彩绝伦。在作品选择与音乐处理上,演奏家们也从不同角度反映了他们对音乐的思考与认知,以及对音乐作品的理解。本报记者日前专访了著名琵琶演奏家、教育家、中国民族管弦乐学会琵琶专业委员会会长吴玉霞,著名二胡演奏家、教育家、中国音协副主席宋飞。

  吴玉霞:继承传统,更要海纳百川

  中国艺术报:请您先谈一谈对首届青岛海洋国际音乐季的整体感觉。

  吴玉霞:这次演出是继我们几位前几个月在深圳的“一带一路”音乐季上演“梅兰竹菊”国乐音乐会之后,再一次上演国乐专场。作为一位从事民乐的职业音乐人,我们能够在这样一个高层次的国际音乐季中,尤其是在举国上下喜迎新中国成立70周年这样一个大的环境下,举行以国乐为主题的一个音乐专场演出有着特别特殊的意义,我们也深感自豪。

  民族文化是我们传统的根基,而民族器乐在民间流传广泛并且有一定的群众基础。这一次演出的四位艺术家主奏的乐器——琵琶、二胡、古筝、笛子都是家喻户晓的民族乐器,具有十分鲜明的中国符号。

  因为大家知道琵琶它本身也是和丝绸之路有关联,在不断地吸收完善的过程当中越来越成熟,不仅仅是技术,不仅仅是演绎的风格、手法,也不仅仅是有多少经典的作品。更重要的一点是在艺术发展的过程当中琵琶非常具有中国的符号和特色。它在众多的民族乐器当中堪称佼佼者,所以我也特别希望琵琶的优雅、优美,它技术的丰富,能像唐代诗人白居易笔下的“大弦嘈嘈如急雨,小弦切切如私语,嘈嘈切切错杂弹,大珠小珠落玉盘”那样的精致。

  中国艺术报:从深圳“一带一路”音乐季的音乐会“梅兰竹菊”,到这次青岛海洋国际音乐季的音乐会“高山流水”,具体在选曲方面有什么不同吗?

  吴玉霞:从大的环境来说,这个以“海洋”为主题的音乐季也意味着一种开阔的胸怀和胸襟。作为民乐人,我们在继承传统的前提下,一定要有海纳百川的精神,或者说这是“海洋”音乐季更深层的内涵。这场音乐会我们是有很高的标准和要求的,精致、精湛、精准是我对我们这个重奏组的要求。这次我带来的有琵琶和打击乐的作品《妙音天舞》,也是新近创作的一首和丝绸之路有关联的作品。它不仅展现了琵琶乐舞的优雅以及婀娜多姿的艺术画面,更重要的是体现了丝路风韵带给琵琶和民乐一种高度融合的文化传承和精神品格。

  和我一起参与这次音乐会的还有我的“艺苑-国风”音乐家小组(重奏组),我们倡导的理念是集教学的讲台、舞台于一体,也希望我们的演绎者不仅仅具有高超的演奏技艺,还要有对于艺术深层次挖掘的可能。团队中的每一位演奏者都是在各自舞台中有几十年的积累。更重要的一点,我们对艺术的教学有自己的感悟。所以我们聚到一起来做一个民乐人的对话和交流,不仅仅是带给大家几首作品,更希望传递的是一种理念和对民族艺术的热情。

  这次我们的选曲当中依然还是保持着传统的风韵,比如十分具有民间特色的一首丝竹乐《江南风韵》,还有根据里姆斯基-科萨科夫的经典名曲改编移植的《野蜂飞舞》 。从《江南风韵》到《野蜂飞舞》可以说是跨度非常大的“一静一动”。前者非常优雅、具有内涵,讲究的是这种深层的艺术美;后者则是带有技术性和挑战性的一种高度的融合。《野蜂飞舞》在某种意义上来说是衡量技术的一首作品。它对速度要求有一定的高度,但是几件不同的乐器融合在一起的时候,它除了有精湛的技术之外,还要有默契的配合。大家知道“吹拉弹打”在民族管弦乐队当中是四大声部,而我们多为弹拨乐,大部分是以点性色彩为准,那么点性色彩要演绎蜜蜂飞舞的姿态,对于弹拨乐来说也还是要有线性的规划和一种挑战。我觉得技术到了一定的高度是一种技艺融合,是我们民乐人追求的一个高度,所以我也特别希望把这样一个理念传递给大家,就是光有技术还不够,我们在演绎的过程当中要追求音乐的风格、特色。

  同时,我们这次还带来一首扬琴与小乐队的《蝉之舞》,这是一部有鲜明特点的比较有现代感的优秀作品。我们为这次音乐会做了重新编配,包括《野蜂飞舞》,其实都是表达了我们对民乐的敬畏之心。

  中国艺术报:最近民乐比较热,包括很多综艺节目也都在不断地推广民乐,您觉得民乐现在整体状况是怎么样的?

  吴玉霞:我感觉整体大环境充满着乐观向上的这样一种势态。因为大家都知道弘扬民族文化是我们近几年倡导得最多的一个词语。何为繁荣?作为一个中国人,民族艺术可以说植根于我们的土壤,我们随时可以听到感受到,但是在很长一段时间,由于引进了更多一些新鲜的东西,使得我们一些最本真的、原始的、或者是说我们自己最有特色的东西,在一些场域被忽略。但是今天我们重新提倡文化自觉和文化自信,更加珍视我们的文化遗产,所以这些年来在保护非物质文化遗产这样一个具有号召力和引领性的大氛围下,使得我们每一个爱乐者更加地珍视、珍爱、珍重我们的民族文化。在这样的前提下,学习民乐和喜爱民乐艺术的爱乐者的数量也越来越多。数量只是一方面的检验,更重要的一点是从民间土壤到一定高度的时候还要有更多的文化引领,所以我们倡导职业的音乐精英教育和美育教育要并驾齐驱。因为我始终认为——没有塔基哪来的塔尖。

  对于我们来说,民乐不仅仅是在艺术舞台上的一种精湛的追求和展现,更重要的是,我们人到中年,国家给了我们那么多荣誉和机会,我们应该要有一份责任和担当。所以特别希望民乐界能够更加齐心协力,因为“聚像一团火,散是满天星”,当我们每个人的热情散发到一定高度和能量的时候,聚集的就是一种精神,是一种文化。

  宋飞:“一路光明”向未来

  在这场“高山流水”的音乐会当中一定要有我们经典的、传统的代表作品,比如我就演奏像《二泉映月》这样人们一提起二胡就会想到的作品。同时还和“乐道”胡琴重奏组来一起呈现二胡这件乐器发展到现在的一个成果和它的品貌。所以我们用独奏、重奏、齐奏这样的不同的方式以多元化的演奏形式把这种成果显示出来。

  他们以胡琴四重奏的方式演奏一首获奖的作品《戏花鼓》,四把胡琴就像湖南花鼓戏当中的几个角色一样,他们互相对话,把这种风趣的生动的音乐展现在重奏的形式当中。如河南音乐风格的《河南小曲》,还有极具新疆少数民族地域特色的《葡萄熟了》,这都是大家非常喜爱的作品。我们在这次的演出当中上演了叶小钢创作的《光明行》,这也是我首演的作品。可能我们大家都熟悉刘天华先生的《光明行》,叶小钢是致敬经典、致敬大师,他以今人的眼光回望历史、观察当下和瞩目未来,用音乐去抒怀社会的发展与变迁,表达“一路光明”这样的心声。这也是我第一次在青岛演奏这首作品。用二胡去以一种历史的眼光,致敬前辈、致敬大师,同时也讴歌时代,展望未来。

  我觉得海洋国际音乐季其实也是把海洋这样一种多元文化的思路展现在它的名称当中。所以我们会看到这个音乐季当中有多元化的世界上最新的、最好的、优秀的音乐成果和音乐家展现在我们的音乐舞台上。我想对于青岛的观众来讲是非常有耳福的,可以在音乐季这样一个平台当中看到世界音乐发展的多元化的优秀的成果。同时这次音乐季除了演出以外还有其他形式的一些活动,比如大师班我会做一些音乐教学普及的活动,我想这也是在舞台和讲台这两个平台当中去让音乐更深入地走向我们的观众,特别是透过大师班的讲座把一些好的理念和学习经验惠及到每一个琴童的身上,也相信会对青岛的音乐演奏和人才培养带来推动的作用。

  应该说经历了40多年来的改革开放,我们的社会是在发展变化当中,我们的文化生态也是在一个多元化的发展过程当中。起初可能我们都会觉得传统的音乐、传统的文化受到了一定的新生态环境的影响,会带来一些冲击。但是现在国家大力倡导文化发展,特别是在增强“四个自信”当中的文化自信这样一种国家发展战略当中,我们会看到优秀的传统文化,在今天为我们提供了一种内心思想精神的支柱,我们也可以看到我们优秀的传统文化,透过音乐传播普及,一代一代传承着,这是让我们可喜的。

  同时我们也从传播的角度,我们的音乐会在世界的舞台上奏响、唱响,而我们中国的音乐舞台也是世界性的。另外,当今这个时代会有多元文化之间互相的碰撞、交汇,也带来了新的发展生机,所以我们越是有自信,我们越是能够传承好;我们越是有自信,我们就越是能够发展好。

·山西运城盐湖区“村歌赛”:29首村歌,每首都是一个故事

2019-08-18 15:00:50

  近日,山西省运城市盐湖区委、区政府举办了首届村(社区)歌大赛。在两个月的时间里,该区各村近万名村民自己写歌谱曲、登台赛歌,用一首首带着泥土香的村歌致敬新时代,抒发爱党爱国爱家乡的炽热情感。

  在村歌创作过程中,来自盐湖全区农村、社区的文艺爱好者深入挖掘每个村的优秀文化资源、历史底蕴以及优势产业、精神特质,反复修改,精心打磨,数易其稿,创作出了《我家在池南》《幸福东孙坞》《故乡是白庄》《家在盐湖二十里东》《美丽社区我的家》等29首地方特色浓郁的村歌和社区之歌。“好村歌传承好村风,好村歌彰显好民风。每一首村歌,都是一个故事,唱出该村村民世世代代永不停歇的奋斗与追求。”盐湖区委书记李哲介绍。

  席张乡王马村原本在中条山北贫瘠的山坡上,交通不便,灾害频发,老百姓生活贫苦。在党的乡村振兴、脱贫攻坚战略指引下,王马村进行了整村搬迁,村民们走出大山、搬出穷窝。该村村歌《腾飞的王马》词作者苏辉感慨:“村里的变化真是翻天覆地,所以歌曲开头就描述了村里的新面貌,‘根植在中条黄花峪下,放眼硝湖风景如画,依山傍水宜居福地,这就是我的新家、美丽的王马’。”

  上王乡牛庄是革命老区,早在1935年就成立了党小组,1938年建立牛庄党支部,村里为国捐躯的烈士达18人,1943年7月,中条山地委在牛庄成立了“稷麓县抗日民主政府”。村歌《爱我牛庄》就重现了这段历史:“稷麓烽火在这里燃烧,解放之歌在群山回荡,青沟红岭把奇迹创造……”

  “德孝传家作风优良,改革创新勇于担当。雷家坡,坡上坡下新气象,昂首阔步奔走在小康大道上……”龙居镇雷家坡村是全国文明村,村里孝老敬老、移风易俗已蔚然成风,连续十多年评选好媳妇、好婆婆、好家庭,传承德孝文化。雷家坡村党支部副书记姚永计说:“我们村的村歌《美丽乡村雷家坡》主要突出了‘文明建设’,村民唱后感觉非常自豪,唱出了我们村的精气神。”

  村歌创作出来了。每个村的村民团结协作,努力把歌唱得更好,希望让更多人看到农村新风貌。

  泓芝驿镇王过村是远近闻名的酥梨之乡,眼下正是浇地施肥、梨树套袋的大忙时节。村民早上和傍晚忙地里的活,中午一起练歌。做水果生意的王彬和卫红莲夫妻俩腾出自家作为收货场地的彩钢棚,让排练队伍全面“进驻”。“咱村是有名的‘梨乡’,大伙儿都憋着劲,要把咱的‘梨乡之歌’唱出运城、唱响全国。”王彬说。

  金井乡西王村村民王习康在城里开了家规模不小的婚庆公司,得知要参加村歌比赛后,拿出了公司所有能用上的设备,投入村歌排练。“我这是从‘走私事’变成了‘走村事’,从挣钱变成倒贴钱,但是打心眼里高兴。”王习康说。

  王范乡姚张村70余位村民,每天下午放下地里的农活,开着三轮,一起准时赶到镇政府的排练场地上练歌,“三轮大军”一度成了镇上最独特的风景线。

  “本来一家人要去北京旅游,老爸一听说有村歌比赛,说啥也要参与。”东郭镇白庄村仵红波说,为了圆父亲的心愿,他只好把买好的机票都退掉。

  唱不尽的村歌,说不完的故事。经过一个月的辛苦排练,有24支队伍参加预赛,每支队伍人数在120人以上,年龄最大的82岁,最小的仅5岁。龙居镇镇长仝宁担任着雷家坡合唱队的领唱,他说,村民也许没有专业的艺术素养,但每个人都用最朴实的行动参与其中。村歌,唱响的不仅仅是一个村子的历史与发展,更是全村人的“同心曲”。

  7月30日,村歌赛的决赛在盐湖会堂举行,来自该区农村的10支合唱队、近1500名农民上台演唱。场内观众尽情喝彩,掌声如雷鸣;网上30万网友通过多家直播平台实时观看网络直播,当晚点击量突破100万。市民张蕴然说,有的村民在台上显得有些拘谨,但每个队伍都将村歌唱得感人至深、气势如虹,感受到了每个乡村的内涵与灵气。

  经过比赛,盐湖区东城办河东东街社区、车盘办柳马村、南城办西姚村等11个村、社区分获特别奖和一、二等奖。五曹村此次获得三等奖,村民任双友认为,比赛的真正意义在于过程的精彩和大家的欢乐,只要付出了最大的努力,无论结果如何都无愧于心。

  村歌比赛不算大赛事,却给每个村带来了不小的改变。过去,在许多人眼里,陶村镇西纽村是一个“问题村”。村里没有主导产业,人心涣散,矛盾频发,管理困难,镇上的干部一提到要包联这个村就直挠头。但村歌比赛让村民每天聚在一起唱歌、排练,原来的成见与矛盾逐渐消失了,村民对村子也有了强烈的责任感和归属感。雷家坡村在大赛结束后将会唱村歌作为“五星级文明户”的评选标准之一。西王村党支部第一书记李栋花认为,村歌比赛不仅将村民、乡土文化人才调动起来,更是将镇村干部、新乡贤等一大批人吸纳进来,为全村未来的发展增加了人才储备。

  农村文化建设不能满眼仰望城市的琳琅,而要反躬寻觅乡土的根脉,才能创造出更高水平、更高层次的农村文化。李哲说:“通过写村歌、唱村歌,让村民从台下走到台上,更好地表达了对党和祖国的忠诚热爱,也更加坚定了振兴乡村的信心和决心。”

·弄潮五线间

2019-08-18 14:58:45

  ——听《钱塘江交响》音乐会

  由浙江省钱塘江文化节组委会委约创作的《钱塘江交响》音乐会近日在北京国家大剧院音乐厅首演,由邵恩指挥中国国家交响乐团演奏。七位作曲家将“壮观天下”的钱塘江大潮及流域的历史文化、人文精神淬炼出七部激荡的交响乐作品,托物咏志,弘扬了浩然的民族气概,体现了中国传统思想文化的核心价值。这些作品将民族音乐的内涵和传统与现代作曲技法融合,将民族音乐素材加以现代技法的艺术夸张和变形,结构与细节方面都深具匠心,从而产生风格鲜明而优美生动的音乐语言,体现了中国交响乐的美学定位。

  关峡的交响音画《钱塘潮》运用了旖旎的越剧曲调,但不以戏曲原面目出现,而是提升到“戏曲咏叹调”化的时代风情、风格层面出现。作品注重曲式的动力性发展,从铝板琴上一个音符抽象地开始,经由各个声部水墨画般的流畅线条戏剧性地积淀发展,达到大潮到来时终极思考的喷涌而出。潮涌的到来主要以大号和大鼓来描绘,打击乐用得很节俭。钱塘江大潮正是以势震撼,而不是以声夺人。戏曲音乐分文场和武场,以往我们在音乐会上听到的总是武场,噪音震耳欲聋。打击乐的滥用是一种虚张声势,这台音乐会是我听到的打击乐用得最合度的一场。在叶小纲的交响素描《美丽乡村》中,民歌已不是小调儿的格局,而有了雅集音乐、文人音乐那天马行空的境界。乐曲开始用长笛、黑管来营造笛、箫的意境。古朴的音乐素材被赋予新技法,听来清新流畅,形成水彩画的绚丽多姿,富于空间感,历史与当代在时空中对流。指挥家邵恩近年来投身创作,上次是《哈尼交响》,这次以钢琴协奏曲《钱塘随笔》(吴纯独奏)再次惊艳。第一乐章独出心裁,以钢琴独白开始,第二乐章诙谐的动机,在中国的交响乐作品中难能可贵。而二乐章和三乐章中段各有一段优美的抒情,如梦如幻。第三乐章钢琴与乐队时而对话,时而对抗,严谨而引人入胜,全曲层次丰富,格调高雅,充满五声调式的民族风情。

  杨帆的为大提琴、打击乐与乐队而作的《白马》,由大提琴(许玉莲)和中国鼓及手锣(王佳男)主奏。大提琴与中国鼓两个主角在这里成为对手戏,分明是一场“霸王别姬”。音块手法用在一个经过句上,画龙点睛,点到为止。王喆的交响随想曲《印》,音乐以金石篆刻刀锋的万钧斧凿动势,借喻钱塘江海潮。汉字的造字手法有形声与会意,如果其他作品以形声来描绘钱塘江,那么《印》以西泠印社的篆刻来会意大江大河的浩浩汤汤,创作角度独到,一气呵成。黄凯然为小提琴与乐队而作的《乡愁》(周瑾小提琴独奏),独奏中华彩部分那精致优美的对位技法,深得巴赫的神韵,令人回味。配器中以黑管来指代箫和埙的音响,也很有特色。李劭晟的为男高音、女高音与乐队而作的《之江梦》(薛皓垠、宋元明独唱,叶静桐作词),音乐采用中国古代诗词吟唱的风格,如辛弃疾词般的豪放,同时也具有瓦格纳声乐写作的交响冲击力。这部作品也为音乐会扣了题:“集合中国传统文人音乐、民间音乐、西方当代音乐等材料,融会贯通形成能够为世界共同理解并接受的新的音乐风格”,也是整台音乐会的作品所表达的“数风流人物,还看今朝的当代英雄主义气概和流向未来的浪漫情怀”。

  音乐会的大部分作品都是纯管弦乐队配置,但民族器乐的手法与特色都有机自然地融合在技术手段中,民族音乐没有作为一种标贴式的符号,西洋技法与民族音乐不再是两张皮,而是相互映衬和催化。这让我们看到,中国交响乐创作已从对西方20世纪技法的单纯猎奇模仿中走出来,技法已经熟练地为我所用,民族音乐内涵自然而然地通过先进的技法表达,通过丰富的想象力,产生了美好的形式。民族音乐为管弦乐技法提供了表现空间,管弦乐技法为民族音乐增添了魅力。音乐会上所有的作品在调式调性上都有扩张,尤其是其中四位青年作曲家的作品,注重音程的现代化纵向叠置方式来强化音响的张力,但都以民族的调式占据核心地位统领音乐。作曲家们运用传统技法娴熟,运用新技法、不协和手法有分寸,做到不为传统所困,不为技法所累,中西音乐不仅各美其美,更是美美与共,打造出一组优美的交响乐作品。

·浙江遂昌:一串音符撬动一片产业

2019-08-18 14:56:42

  8月8日晚,“仲夏夜、梦遂昌”2019中国遂昌汤公音乐节在浙江省丽水市遂昌县汤显祖大剧院开幕。幽远的笛箫、灵动的打击乐、浑厚的人声……开幕音乐会现场,观众沉醉于绿水青山环绕的意境之中。

  “400年前,一代文豪汤显祖在遂昌创作了传世名著《牡丹亭》;400年后,遂昌与来自世界各地的音乐家相约,以‘音乐筑梦’,谱写‘小城大爱、小村大师、小孩大梦、小调大情’的时代篇章。”浙江省文化和旅游厅厅长褚子育表示,遂昌用一串音符撬动一片产业,成功带动文化和旅游融合发展。

  今年是遂昌县举办汤公音乐节的第二个年头。音乐节旨在推广“教养遂昌、原创遂昌、公益遂昌”的主题,以“中西合璧”方式助力国际人文交流合作,促进文化和旅游深度融合,撬动县域产业全面发展。

  据悉,音乐节期间,将举办1场原创村歌作品发布会、4场音乐教育活动、6场实景音乐会、9场室内音乐会、11场公益音乐普及讲座和大师公开课。非洲专场音乐会、打击乐专场音乐会、音乐系列民俗活动、遂昌版仲夏夜之梦等形式多样、内容丰富的系列活动,也在当地旅游景区、乡村社区、民宿小巷等地接连举行。

  随着两届音乐节的举办,“陈其钢音乐工作坊”“汤公音乐节青年音乐家培养计划”“躬耕书院音乐筑梦班”等国际公益性培训项目扎根遂昌,与中央音乐学院、天津茱莉亚音乐学院、苏州乐器厂等院校和相关机构达成交流合作意向。青年音乐家走进家庭、音乐大师走进校园、音乐课堂走进社区、音乐作品走进乡村、筑梦导师逐梦遂昌等计划逐一推进,“音乐筑梦”正在全方位助推遂昌新时代的文明实践。

  “让来自世界各地的年轻音乐家汇聚遂昌,参与中西方文化的碰撞与对话,开展公益实践与交流活动,从而把个人的不同成长感悟和音乐语汇带进绿水青山间,收获生活体验。”中央音乐学院教授、遂昌汤公音乐节艺术总监陈琳说,其更重要的意义在于以音乐助力乡村振兴。

  一道道音乐大餐带活遂昌旅游,也让音乐文化在乡村和景区发展平台上落地生根。近年来,遂昌县以音乐和汤公文化为背景,将音乐和旅游融为一体,将人文资源和自然山水有机整合,以文促旅、以旅彰文,使之成为遂昌县第三产业新的增长点,全域旅游在遂昌遍地开花。

  第一届汤公音乐节落幕后,“独山-风言风语音乐趴”、南尖岩星空音乐会等活动一场接着一场举办,成为文艺青年的“打卡地”。今年的汤公音乐节将古琴实景音乐会设在湖山乡红星坪村,昔日不知名的小山村一下子成为“网红”。“早在一个月前,就有客人订房了。”当地民宿业主濮家栋说,因为音乐,这一带的民宿、农家乐现在一房难求,餐饮生意也同样火爆。

  地处乌溪江库区深处,与红星坪村一湖之隔的黄泥岭村,是汤公音乐节的发源地和遂昌公益音乐夏令营所在地,音乐改变着这个山村的乡风民俗。“每年节假日,村里都会来很多游客和音乐爱好者。村里还计划将一处闲置的房屋改造成音乐主题民宿,以吸引更多游客,增加村集体经济收入。”红星坪村党支部书记傅先强自信地说,黄泥岭村要成为名副其实的“音乐村”。

  文化和旅游深度融合还带火了遂昌的研学旅游。浙西南营地辐射式研学之旅、汤显祖文化主题串联式研学之旅等都大大提升了遂昌旅游的吸引力。此外,已经举办多届的“玩美游学”之旅也继续取得良好成效。

  据统计,今年上半年,遂昌共实现旅游总收入65.90亿元,同比增长14.27%。遂昌县文化和广电旅游体育局局长邱根松介绍,遂昌县正以建设汤显祖戏曲小镇等一批重点项目为抓手,加快布局文化和旅游业发展新路径,串点成线、扩点成面,推动文旅融合向专业、精品、特色、创新方向发展,奏响“绿水青山就是金山银山”的美妙乐章。

·当我们谈论周杰伦时

2019-08-18 14:54:45

  有一天,在抖音上刷到个视频,一个女孩子在跳芭蕾,黄昏的落日照进透明的玻璃幕墙,因为是逆光,所以只能看到她的身影而不见脸,配乐是钢琴版的《七里香》。有人留言:这是什么曲子?她回答:不知道,只是觉得好听,所以就忍不住跳了一段舞。看到这个视频,顿时百感交集。虽然我不是周董的粉丝,但是作为一个80后,不可能绕过他的名字、他的歌。

  我上小学的时候,流行音乐市场不像现在划分得这么细,所以不同年龄的人常常哼着一样的歌。现在能够回忆起来的,都是些成人化的歌词,诸如“你相信吗/这一生遇见你/是上辈子我欠你的”;“我和你吻别/在无人的街/让风痴笑我不能拒绝”。哪怕是最符合学生形象的孟庭苇,由小学生唱出她的歌,也颇为可笑:“你究竟有几个好妹妹,为何每个妹妹都那么憔悴……我的哥哥你心里面到底爱谁,猜不透摸不着哎,我也只是妹妹。”其实这样的歌词在当时已经算是比较文雅了。我记得有位好友学唱了《桃花运》,大意是讲一个小伙子很会种树,果园里大丰收,于是姐妹三人都爱上他。当然,比起《纤夫的爱》,种树的歌也算是小清新了。我们小学附近有个音像店,有一阵子成天循环播放“只盼那日头它落西山沟哇,让你亲个够,噢……”

  上初中后,校园民谣开始出现。以现在的眼光来看,《同桌的你》和《睡在我上铺的兄弟》其实也并不适合我那个年龄,因为那是中年人对往昔的回忆。而我当时尚未体验过住校生活,所以也谈不上有什么共鸣。只是因为大家都唱,所以也听一耳朵。

  成人化情歌依然是主流。记得我去一位好朋友家玩,我们拿着麦克风假装开演唱会,她唱的第一首歌就是《我愿意》,“恨不得立即朝你狂奔去”。高中校广播台经常放《心太软》《你是我的女人》……我想,那个时候我会迷上《科幻世界》,很可能是因为流行歌曲实在太乏味了。

  记不清是从什么时候开始,周杰伦的歌开始流行,也许是“哼哼哈嘿双截棍”吧。但是真正让我留下印象的,是《东风破》。第一次听,简直呆住,流行歌曲居然可以写得这么哀婉和耐听。这首歌首发于2003年夏天,而我是2004年大学毕业。当时与初恋男友选择了不同的前路,大四那年,我们都知道分别已无法避免,一起听《东风破》,那时流行Flash,把歌曲用动画短片的形式来呈现。办完离校手续,各自去了不同的城市。当时网络并没有普及,要上网只能去网吧。我们后来是在邮件里道别,我在网吧里反复听,“荒烟漫草的年头,就连分手都很沉默”。

  人在精神生活上,其实也是“由奢入俭难”的。从小一直听油腻情歌长大,倒觉得没什么,然而你一旦听过“夜半清醒的烛火/不忍苛责我”,就很难再接受那种过于直白、词汇贫乏的歌曲。或许是大家的品位被集体提升了吧,周杰伦之后,大量的“中国风”歌曲开始出现。不过,从影响力和传唱度来看,很少有人超越他。诸如《青花瓷》《菊花台》《千里之外》等等,被无数歌手翻唱。连我的“50后”父母,也认真地把这些歌的歌词抄在本子上,反复练习,以便在KTV老朋友们聚会时能一展身手。

  等到年龄再大一点,我才慢慢意识到,周董的音乐里有中国传统文化中的核心元素:自然美学,以及对家庭和社会的责任。

  现在,对中文似乎有一种误解:越直白,越流行。但是稍稍回溯一下流行歌曲的发展史,就会发现并非如此。“晓露湿中院,沉香飘户外。寒鸦依树栖,明月照高台。……停唱阳关叠,重擎白玉杯。殷勤频致语,牢牢抚君怀。”这是《何日君再来》里的两段。据说唱片公司担心歌词太繁难,所以在很多版本里删掉了这些段落,只保留了最通俗的部分。然而有一次我和朋友们唱起这两段时,大家都很喜欢这样的歌词。不得不说,文化的基因真的很强大,从千年前白居易在浔阳江头写下“琵琶声停欲语迟”,到今天方文山写下“等你弹一曲古筝”,我们一直都把山川湖海、孤烟落日、月下松林、故里草木视为精神慰藉之所。周杰伦的歌词里,大量出现这类元素。这种对大自然的痴迷与敬畏,让人很容易产生超越年龄界限的强烈的认同感。

  在我们的民间文化里,宗教氛围很清淡,似有若无。惟有对家族、对亲情,有一种不容置疑的信仰。周杰伦大概是流行歌手中最热衷于歌唱亲情的歌手。对外婆、对母亲、对家暴的父亲,他都分别写了歌。这种家族情结进一步延伸,便是对后辈的社会责任感的教育,“对这个世界/如果你有太多的抱怨/跌倒了/就不敢继续往前走/为什么/人要这么的/脆弱 堕落?”《稻香》这首歌,就像是哥哥对弟弟妹妹的鼓气,而“赤脚在田里追蜻蜓”“偷摘水果被蜜蜂叮”的回忆,又像是药里面的一点糖,让人觉得甜而暖。

  当然,中国风并不是周杰伦的全部。无论从外形还是唱腔,还是整体的创作偏好而言,他其实更像一个嘻哈歌手。但是中国风的作品有一种很奇妙的特点——你如果是过于完整地、圆满地呈现出来,稍有不慎就会显得土和呆;而如果是混搭,反而很容易出彩。以穿搭为例,如果是一整套旗袍、绣花鞋,盘头发、再配上中式园林的背景,就难免给人留下“饭店迎宾员”的效果。而如果是中式上衣配上一条破洞牛仔裤,或者穿上汉服在异乡街拍,就会让人眼前一亮。所以方文山的词、“宫商角徵羽”的编曲,再加上周董玩世不恭的造型,吐字不清的唱腔,这一切混合在一起,反而产生了一种奇妙的化学反应,使他出道20年仍风头不减。

  这种风格也让他非常“百搭”:和宋祖英一起上春晚,在《黄金甲》里扮演巩俐的儿子,与费玉清一起拍MTV,做《中国好声音》的导师,和那英、庾澄庆或者李健、谢霆锋并肩。某场演唱会上,邓丽君的全息影像被复原,他与她“合唱”了一首《红尘客栈》,周杰伦一脸虔敬……

  最近一次关于周董的新闻,是与某位流量小生竞争某个网络排行榜的第一。我总是对娱乐新闻慢半拍,如果不是朋友圈里有人转发了投票结果,我根本就不知道这件事。有人说,“周杰伦获得第一名,说明我国正式进入老龄化社会”。虽然只是一句调侃之语,但是我无法认同。

  我并不反感年轻的明星。只是希望进入大众视野的新人,是依靠作品而不是营销事件。有许多年轻音乐人,都有很多不错的作品,他们值得更多的关注。

  另外,新与旧,从来不是你死我活的关系,而是传承与融合,是“再捻一个你,再塑一个我”。“夕阳红”们投周杰伦的票,其实是在怀念一个传统与现代可以彼此交融的时代,怀念一个真正靠作品来赢得人心的时代。

·为古琴注入时代意蕴

2019-08-18 14:52:37

  古琴文化的赓续与绵延,需要一代代人投入其间,需要不断有人为其注入新的时代意蕴和精神

  大学时期由于生病暂时休学,我从发电专业转到新成立的工业企业电气化专业。1956年国家要研发尚是空白领域的计算机,我作为首批自动化专业毕业生,被分配到中国科学院计算技术研究所,有幸参与我国第一台计算机的研制。古琴名家查阜西先生鼓励我同时学习电脑和古琴。1958年,我国第一台计算机研制成功,同年我还将琵琶名曲《春江花月夜》移植为古琴曲。

  从那时起,我一边从事计算机科学研究,一边围绕古琴开展工作:古琴弦制、打谱、移植、演奏、教学、出版以及古琴和计算机的结合。我常说:我是用研发计算机的动力和方法研究古琴。

  我14岁习琴,弹琴弹了73年,我对古琴的认识也在逐渐深化。开始时,只是觉得读书人需要古琴熏陶;后来产生兴趣,习琴有了自娱之意;1951年考入交通大学,同时加入今虞琴社,进一步用古琴来修身养性;1982年出国做访问学者时,我又将古琴和电脑结合。我感到自己不再单纯是兴趣驱动,更多是责任驱动;研究、演奏古琴也不再只为个人修身养性,而是为了大众,有了一种要为古琴做工作的使命感。

  这一点也深受查阜西先生影响。1958年,查先生编纂的《存见古琴曲谱辑览》出版,涵盖3000多支曲子。一般来说,一个人一辈子掌握二三十首曲子已很不错,显然,查先生是为方便众人做了这本工具书——我也想为大家做点事。我得到吴景略、张子谦、查阜西诸琴家提携,饶宗颐先生题写对联“九成鼎转丹留火,三折江纹篆印沙”鼓励我,我想把这些精神财富传递给更多人。

  我近年来工作主要有两方面:促进研发古琴机器人、推广古琴为诗词吟唱伴奏。前者将古琴和人工智能结合,后者将古琴和少儿连接起来,我认为这两方面都大有可为!

  用机器人演奏乐器,国内外都已有人在做。今年4月,清华大学有一场“墨甲”乐队演出,3个机器人分别演奏排鼓、竹笛和箜篌。我的目标是做出古琴机器人:让机器人打谱、移植和教学,方便大众学习和传承古琴文化。从技术上来说有难度,但是可行,人工智能说到底是“人”的智能的提升。最难的环节是筹措研发经费。

  目前,我已完成古琴机器人的软件基础工作。1982年我在国外访学,利用业余时间研究古琴减字谱的代码化,把古琴谱进行编码输入电脑,便自动生成准确的减字谱,可以显示及排印,方便琴谱出版;2002年,我优化了这个系统,从输出琴谱图像到输出古琴音响。当前的研究又进一步,在输出音响同时,还可以有真人形象或者动画形象的演奏显示,方便人们学琴。这个真人形象可以是当代琴人,也可以是已故琴家;琴曲声音可以来自今人斫的琴,也可以来自收藏的名琴。只要在系统中预先储存这些素材,使用者就可以自行匹配和选择。

  我正在研发的是“纸上弹琴”:一块透明的触摸屏,下面是一张画有古琴的纸,触摸屏可以通过数据线连接到电脑上。1956年全国调查显示会弹古琴的人有98位,当前全国弹古琴的人数呈几何级增长。现在古琴造价不菲,“纸上弹琴”可以大大降低人们学琴成本,而且便于携带。

  吟唱和古琴相结合,同样未来可期,既应和诗词热,又有利于古琴普及推广。过去,人们推动古琴传承,主要针对老中青三代,我认为应该是“老中青少儿幼”,少年儿童也是重要的古琴传承者,不可小觑。有人认为孩子不能弹古琴,因为古琴对演奏者文化修养要求比较高;但另一方面,孩子手指灵活,对技巧的掌握并不比成年人差,文化修养也可以随年纪增长逐步提高,更不要说孩子往往具备很强的音乐感受力。

  我从小上的是私塾,那时学孔孟、学诗词不是读,是唱。我正是从吟诵产生了对音乐的兴趣。家乡福州的吟唱腔调分为“四书、左传”“古诗”“律诗和绝句”“词”“古文”诸类,只要能掌握好吟唱方法,就可以对任何文学作品进行“唱歌式的读书”,以增强记忆与提高读书的兴趣。我11岁左右就已把握了吟唱规律,这对我学琴时掌握“依永和声”即唱出带指法的琴曲腔韵、掌握琴曲散板规律以至打谱都起到很大作用。琴曲腔韵和诗词吟诵相通,如能在“诗词热”的今天推广古琴伴奏,对古琴在当代的发展大有裨益。

  古琴文化的赓续与绵延,需要一代代人投入,需要不断有人为其注入新的时代意蕴和精神。如今,在琴技上,已有人继承;在推动古琴和吟诵相结合上,我和女儿正在部分学校推行;在古琴和电脑相结合上,我已初步寻得年轻人共同合作。几十年来,我深深体会到,为古琴做的事越多、惠及的人越多,就越快乐;我相信,一个人具备为祖国为人民服务的精神,就可以把事情做成,并且做得非常出色。

  (徐馨、林晨采访整理)

  陈长林,1932年生,福建福州人。国家级非物质文化遗产项目古琴艺术代表性传承人、中科院计算所研究员、获国务院特殊津贴。已发掘(打谱)《胡笳十八拍》等百余首琴曲,出版古琴文集、谱集(88曲)和DVD专辑(104曲)等,研制有古琴曲的电脑处理系统、古琴读谱奏乐显示等。

·音乐剧是体现全方位细节的艺术

2019-08-18 14:47:45

  音乐剧《火光中的繁星》讲述了淞沪会战期间,日军的轰炸令山河破碎百姓流离。一群经历不同却都失去了父母的孩子,在进步青年林睦的帮助下,彼此温暖、相互帮扶,一张《义勇军进行曲》的谱子,激励着他们坚强地站起来的故事。80多年前在这片土地上经历的灾难不能重演,那么,80多年后没有经历过那场灾难的我们将如何诠释苦难的过去。历史留给我们的只有沉默,但我们的思绪要穿越历史,用心去感受当年的时代与民生,把揣摩、感悟到的历史、家国情怀结合自己的思索与理解,以艺术的方式呈现在今天的观众面前。

  厚重的历史背景促使舞台表达不仅需要澎湃的能量和深邃的内涵,更需要创作者倾注真心去体味、感受,激活自己的生活积累和创作情感。作为该剧的导演,我希望每一位演员都必须清楚、熟知剧中人物的过去和身份,这些人物都是平凡而普通的,在那样的时代背景下每个人都有不同的思考、选择和行动。演员们身为剧中人的同时又是控诉者,他们在两者之间跳进跳出。每一个人物都在自己的角色中控诉,每一位控诉者又都在自己的人物中极力生存。将来是未知、不可预见的,此时此刻的反应对于所有剧中人来说都是不一样的。只要角色在演员自己的身体里生根并发自内心的呼喊,无论说什么、唱什么、跳什么就都是耐人寻味的。如此一来,24位演员的能量既能形成数万人的逃亡洪波,又能随时以控诉者的身份进行叙事。当舞台上每一位演员所传递的意识和能量源源不断汇聚在一起,他们内心对历史、战争、家国的表达就会奔涌而出,凝聚成强大的精神冲击力,直接进入观众心灵深处。

  该剧在舞蹈语汇的准确性与肢体动作细腻感的交织,写意与写实、再现与体现的交汇、共存方面进行了积极探索。剧作不以编排花哨的舞蹈动作来粉饰场面,而是追求多角度、多层面、多空间地展示人物内心,用极致且大量留白的方式寻求一切的可能性,同时,强调多变性、贯穿性与整体性,即在共性中寻求角色的人物个性,在个性中又要向共性靠拢。在这一过程中,演员的配合度、默契度、空间感知能力要高度统一,做到每一段舞蹈场面的出现既是偶然也是必然。把无法用言语表达对国难、侵略捶胸顿足之恨,思念家乡、亲人痛彻心扉之情用凝练的肢体形态强化、外化。

  与话剧、歌剧、舞剧相比,音乐剧更注重风格样式与结构方式的完整性。而从呈现方式上来说有些音乐剧强调的是音乐与演唱,有些强调的是大量的肢体,有的则是强调音乐、舞蹈、戏剧的完美平衡。还有很多音乐剧包容了多种艺术门类,例如杂技、魔术、马戏等。所有成功的音乐剧的共通特点都是抓住了音乐、形体、戏剧三者之间最为恰当的结构方式与节奏。音乐剧是体现全方位细节的艺术。从音乐进入到演唱,再演变成到舞蹈,最后过渡到戏剧部分,这之间的分配比例要恰到好处。再具体到独白、对白与演唱之间的转换是否恰当,戏剧与舞段之间是否流畅,三种表现形式之间的过渡是否自然。基于音乐剧独特的结构特点,我对《火光中的繁星》的创作从开场到谢幕每一个场面之间的连接都进行了精准的计算和巧妙的设计。创作中首先选择了用音乐、舞蹈为主要叙事方式,并采用全剧24位演员身为剧中人又同为控诉者的呈现方式。在音乐当中铺垫那个历史时期难民们的各种生存现状,同时叙述几位主人公的命运与选择。从音乐、舞蹈、戏剧的分配比例上进行了自然、不显生硬的处理。细化独白、对白与演唱之间的节奏、舞段与戏剧之间的节奏以及这所有交织在一起时的整体节奏。音乐剧的创作、排练、演出等同于数学,每一台音乐剧作品都有一套适合它的数理公式。

  近年来,中国在音乐剧创作道路上进行的探索已卓有成效,其中也涌现了不少优秀的音乐剧作品。但要创作出优质的、精致的、“戏保人”的音乐剧作品,还需要从业人员不断地提升自我修养,吸取众家之所长,从而适应音乐剧创作的丰富性、多变性与包容性。

·寻找童趣的味道

2019-08-18 14:45:45

  ——观儿童歌剧《没头脑和不高兴》

  中国当代歌剧与儿童剧同出一源,一般皆认为,20世纪20年代黎锦晖创作的儿童歌舞剧《小小画家》《麻雀与小孩》等作品的出现,标志着这两种舞台样式的诞生。不知从何时开始,本是同出一源的两种舞台表演样式开始分道扬镳。从新中国成立初期到上世纪80年代,儿童剧更多借用话剧作为自己创作演出的主要表现手段。进入上世纪90年代,随着改革开放不断深入,更加多元和丰富的文化样态涌入舞台表演艺术,载歌载舞的表现样式重回儿童戏剧舞台。新世纪以来,儿童剧为了满足观众所需,不断地进行着自身探索和创新,主题表达更加丰富、呈现样式更加新颖、表现手段更加多元,如音乐剧、偶剧、肢体剧和多媒体剧等舞台样式渗入儿童戏剧舞台。但中国原创儿童歌剧这样的归本之作,在儿童剧的舞台仍然是凤毛麟角。如果说儿童歌剧《渔夫和金鱼》《阿凡提》是初试深浅,《白雪公主》是再次回归,那么,国家大剧院出品的儿童歌剧《没头脑和不高兴》则更具深入探索之意。

  动画片《没头脑和不高兴》拍摄于上世纪60年代,作品通过塑造了两位既贴近儿童生活又极其生趣的孩子形象而深得童心,是可以称得上“一代人的童年回忆”的艺术作品。儿童歌剧《没头脑和不高兴》的改编,是基于原著故事基础上的一次再创造,是儿童剧与歌剧的一次再牵手,是儿童剧舞台样式的一次再探索。

  提及歌剧二字,总会给人以“大”的感觉,如演员众多、乐器复杂、布景庞大,可以称之为最为“复杂”的舞台表演艺术样式。而儿童歌剧《没头脑和不高兴》却截然相反,它并非是观众脑中传统意义中的“大”,而是继儿童歌剧《阿凡提》《白雪公主》中的“轻”,这主要体现在演员数量、乐团编制和舞台布景等方面。首先,12人左右的演员团队,除去没头脑和不高兴等几位主要角色是“一人一角”,其他六七位歌队演员要通过面具、声音和形体等办法完成“一人多角”;其次,12人编制的乐团,既有弦乐、管乐伴着钢琴,又有打击乐、电子和声器相结合。从表演者到演奏员,可谓麻雀虽小五脏俱全。该剧舞台布景非写实处理,而是采取了较为硬朗的线条,以及饱和度较高的颜色进行碰撞,让观众有一种穿越时空的后现代感,剧中演员的表演多次与天幕多媒体相结合,通过两块通天纱幕的切换,完成主要角色的几次年龄转换。

  如果说小观众的父母是带有追忆、怀念等复杂的心情来到该剧的演出现场,那么,孩子对该作品的情感则完全不等同于他们的父母,他们更多是陌生和好奇,更是最易溜号、跑神。所以,儿童剧的开场立刻抓住观众的心就显得尤为重要。该剧的开场别开生面,寻找到了两代人共同的“观赏点”。首先,最早出场的角色并非是原作品中的主人公没头脑和不高兴,而是此次创作新加入的两个角色时钟和秒针;其次,在全剧故事未讲述之前,舞台情况发生陡转,由两个新加入的角色将指挥请到台上客串了一位老师;最后,在指挥、演员、演奏员的共同表演下,将乐队中所出现的乐器也介绍给了在场的观众,尤其是小观众。这是一箭双雕、事半功倍的开场。一是让小观众成为主动参与者,更快地拉进演员与观众之间的距离;二是用新加入的剧情、人物等吊起大观众的胃口;三是给在场的观众普及乐理、乐器常识。虽然很少见过歌剧的指挥上台客串,但是,这样具有灵动性的处理较恰当妥帖,完全可以接受。

  由于儿童、青少年观众与成人观众观演习惯的不同,也导致儿童剧演员与其他戏剧演员的表演风格有所区别。儿童剧演出中,演员的动作带给小观众的刺激,要比演员的语言带给他们的刺激更加强烈,甚至更容易令其记忆深刻。该剧中,演员们有意运用肢体动作刻画人物,有时还会采用不断切换面具、改变体态的办法来扮演多个角色,剧中面具的设计也选取了小孩子生活中常见的简笔画风格。这使得本来被现代人称为“高大上”的歌剧,更有生活气息、小孩子缘。全剧的音乐旋律和配器也在突破“高大上”的同时,寻找到童趣的味道,音乐形象较完整,剧中的旋律紧扣故事线索,同时,不乏幽默、诙谐、感人,戏剧性较强。如两位主人公成年后的二重唱,时钟的咏叹调皆会给人留下深刻印象。全剧最后一声锣,既是给剧中人物敲响警钟,给全剧画上完美的句号,同时,也是给现场的小朋友强烈的提醒,切勿成为剧中两位主要角色那样“没头脑”和“不高兴”性格的孩子。

  但是,不得不承认,50年前的作品有些时过境迁,此作品在主题表达、人物设置等方面,存在一些令人不够满意的地方。如剧中有意夸张、放大孩子的缺点和不足,虽然未有过多的说教台词,但“教育”二字占据主导地位,使之作品欠缺“美育”滋养;其次,相比动画,舞台版本对主人公年龄不断变化进行了更加写意处理,但缺少了神奇色彩,会让观众缺少一定的视觉满足感;其三,两位主要角色内心是否需要继续往深层次开掘,而非动画片中的扁平性等。

  儿童歌剧综合了戏剧和音乐的舞台表演艺术,孩子们在聆听美妙音乐的同时,还能欣赏戏剧的表演。希冀在不断的实践和探索、继承和创新中,未来儿童剧的舞台上能涌现更多丰富的样式,用“艺术大餐”滋养孩子们的心灵。

·赞颂华夏民族与命运抗争的精神

2019-08-18 14:43:27

  8月9日、10日,历时三载精心打磨,由上海歌剧院创排的原创神话歌剧《天地神农》在上海东方艺术中心歌剧厅首演。

  让音乐具有戏剧性

  《天地神农》以中华创世神话中炎帝神农兴农耕、尝百草的故事为蓝本创作,主创团队集结了国内舞台剧行业佳作频出的艺术家。上海歌剧院院长许忠说:“我们选择神农,着力刻画弃神为人、向死而生的壮举,不仅为了体现人性的大爱之美,更希望通过神农赞颂华夏民族几千年来为幸福生活与美好未来与命运抗争的不屈精神。”

  导演陈蔚表示,《天地神农》力求让观众“看懂这个剧的同时也能听懂”。“神话题材中,我最关注的是如何让我的音乐有戏剧性。”作曲金复载说,歌剧创作归根结底要把剧本的音乐性和音乐的戏剧性恰到好处地融合。

  “神农是我饰演的‘岁数最大’的角色。”主演孙砾形容,除了唱以外,这个角色演的部分也很吃重。作为一部神话题材的歌剧,作曲和编曲在创作时就给舞蹈留下很大空间,大量的场面和调度都通过舞蹈的形体来表现。

  用舞美唤醒观众内心体验

  在舞美上,《天地神农》集结了舞台剧领域最具实力的舞美设计刘科栋、服装造型设计李锐丁等。刘科栋说,《天地神农》是一部磅礴的中国远古题材的史诗,“在那个人、神、兽、妖并峙的时代,万物混沌初开,它神秘而充满想象力,我希望我的设计能唤醒观众的内心体验。”

  歌剧在一场暴风雪中拉开序幕,舞台中央形似大岩石的装置贯穿全剧始终。实际上,这一装置可以变换成各种可能,既可以营造出洞穴、山坡、峰顶等视觉感受,又可以想象成人面、巨石、星球等,简繁之间给予观众更多联想和深思。

  歌剧中的人物造型也博人眼球。无论是身着火红衣裳的炎帝神农,头顶金色九穗禾的凤凰天女,还是身披素装的部落民众,都可以看出“天地传神,云水架形”的整体设计。为了体现上古时代的衣着风格以及自然的舞台呈现,《天地神农》还使用了塑形衣,这也被李锐丁视为最大的挑战,“塑形是一毫米一毫米、一帧一帧地做出来的,此前任何歌剧都没有这么做过。”

·穿越时空的“一条大河”

2019-08-18 14:41:10

  ——歌曲《我的祖国》是怎样诞生的

  在我儿时记忆中,《我的祖国》(电影《上甘岭》插曲,乔羽词、刘炽曲、郭兰英演唱)是一首耳熟能详的歌,堪称流行歌曲式的“抒情歌曲”。也许是因为第一句歌词——“一条大河波浪宽”的缘故,很多听众都将这支歌曲亲切地称之为《一条大河》。正如词作者乔羽回顾当初的创作立意所言:我每次听到《我的祖国》,便会自然而然地想起我的故乡、我的童年,因为故乡外婆家的北边也有一条大河,记忆中那条大河上总有来来往往的木船以及“船上的白帆”。

  1.“大河”之源头

  作为20世纪中国音乐史上颇有代表性的旋律大师,作曲家刘炽经历了一个漫长的厚积薄发的创作过程。出生于贫民家庭的刘炽,在考入延安鲁艺前,有关音乐方面的知识,主要来源于西安市的“鼓乐社”、学校音乐课和戏曲音乐。对西安鼓乐的学习,特别是学习吹竹笛、吹笙,为刘炽若干年后的音乐创作打下了坚实的基础。1939年,延安鲁艺成立一周年,18岁的刘炽进入鲁艺的大门,和日后成为新中国音乐事业骨干人物的时乐濛、黄准、陈紫、庄映等人同为音乐系第三期的同学,后来,他和关鹤童分别在《黄河大合唱》之《河边对口曲》中演唱“张老三”和“王老七”。在鲁艺学习期间,人民音乐家冼星海的“自由作曲课”对刘炽产生了积极而深刻的影响,尤其是冼星海对中国共产党、对祖国、对人民的爱,在十余年后的《我的祖国》等刘炽代表作中比比皆是,随处可见。

  不论是《七月里在边区》(1942)之《七月里》和《在边区》《胜利鼓舞》(1942-1943)、秧歌剧《减租会》(1943)之《翻身道情》、歌剧《白毛女》(1945,贺敬之、丁毅执笔,马可、张鲁、瞿维、焕之、向隅、陈紫、刘炽作曲),还是新中国成立之初的《荷花舞》、歌曲《新疆好》(1951)、《让我们荡起双桨》(1955)等,均在冥冥之中为这首《我的祖国》的诞生做了必要的、充足的准备。

  早在创作《我的祖国》一年前,有着“词坛泰斗”之称的乔羽,便已通过《让我们荡起双桨》与刘炽成为“搭档”。此次的“一条大河”可谓是二人的第二次“珠联璧合”。当然,谁也没有想到,一年后,他们又有了第三次“珠联璧合”之作——单乐章合唱曲《祖国颂》(1957),成为这两位大家又一部经典之作。

  2.“大河”之形成

  作为电影《上甘岭》的插曲,《我的祖国》的歌词当年有着先后两个版本。第一个版本是该片的导演、编剧沙蒙、林杉等人情急之下自己动手完成的:

  祖国啊,我的母亲!您的儿女,离开了您温暖的怀抱,战斗在朝鲜战场上。在我们的身后,有强大的祖国……

  然而,沙蒙在延安时期的老战友、作曲家刘炽对这一版歌词不甚满意,于是向剧组推荐了自己的老搭档——词作家乔羽。此时远在江西的乔羽,在沙蒙的几封加急电报的催促下,星夜兼程地赶到了长春电影制片厂,入住“长影”的“小白楼”。不愿重复自己的乔羽认为,如果按惯例为这部战争题材的影片谱写一首充满着“火药味”的歌词,很容易与影片的整体基调太“靠”,就像舞台上演员的着装颜色与舞台背景完全相同——缺乏对比。在沙蒙每日光临“小白楼”的“逼债”高压下,乔羽灵感突发,根据不久前为创作电影《红孩子》剧本横渡长江的记忆,完成了插曲《我的祖国》的歌词:

  “一条大河波浪宽,风吹稻花香两岸,我家就在岸上住,听惯了艄公的号子,看惯了船上的白帆……”

  短短的几句歌词,分别从“视觉”——“波浪宽”“白帆”;“听觉”——“风吹”“号子”;“味觉”——“稻花香”三个方面,勾勒出栩栩如生的画面感,唤起银幕上下人们的思乡之情,进而以“心潮逐浪高”之势,将全曲和全剧推向高潮——爱我中华。

  作曲家刘炽拿到这第二版歌词后,几天足不出户,在反复吟唱《小放牛》等多首民歌后,一口气谱写出《我的祖国》引子的旋律。音乐的闸门打开后,主歌、副歌的旋律接踵而至。也许是受歌曲《歌唱祖国》(1950)的影响,《我的祖国》恰到好处地融合了颂歌、进行曲两种不同体裁的气质和意境之美。由于作曲家刘炽一贯遵循“音乐是第一性的,语言是第二性的”,故其巧妙地处理了“我家就在岸上住”之“岸”、“听惯了艄公的号子”之“听”等“倒字”现象,以及“看惯了船上的白帆”之“船”的“甩腔”,成功地冲破了歌词语言对音乐的束缚。

  在经历若干歌唱家试唱《我的祖国》后,沙蒙、乔羽等人将歌唱家郭兰英锁定为最终演唱人选。戏曲演员出身的郭兰英果然不负众望,在中央人民广播电台“渐入佳境”的录音,令现场参加录音的工作人员无不为之动容,更是使得《我的祖国》在录音的第二天便通过电波传遍大江南北,先于电影《上甘岭》与受众见面,起到了先声夺“影”的艺术效果。

  3.“大河”之奔腾

  1956年,电影《上甘岭》公映后,插曲《我的祖国》成为该片令人难以忘怀的经典片段。在缺粮、少药、断水的坑道里,年轻的女卫生员王兰深情地为志愿军的伤病员们唱起了这首歌。战争的残酷与音乐的美好形成了强烈的“对位”,产生了巨大的戏剧张力,将全剧推向了一个高潮,也对该歌曲之前紧绷的战斗情节起到了缓冲和调色的作用。歌曲《我的祖国》乘着电影《上甘岭》的翅膀,飞入了共和国的寻常百姓家,成为一首家喻户晓的“流行歌曲”。

  该片导演沙蒙首次找到刘炽时,便对电影《上甘岭》的插曲提出了一个“小小的要求”——“过了若干年,也许电影早已被人遗忘,但这首电影插曲却能牢牢地永驻人们的心头”。事实证明,沙蒙的这个目标显然已经超额实现。一般来说,电影音乐有三种境界:一是音乐镶嵌于电影之中,成为电影这门综合艺术的一部分;二是音乐贯穿于电影的故事之中,有力地推动着故事情节的展开;三是音乐能够脱离电影母体,可以作为一门“纯音乐”作品而独立存在。很显然,作为一首电影插曲,《我的祖国》已然进入电影音乐的第三种境界,也是电影音乐的最高境界。

  不论是作为“庆祝中华人民共和国成立70周年优秀歌曲”,还是作为20世纪中国音乐史、20世纪中国电影音乐史的一个历史坐标,歌曲《我的祖国》都是当之无愧的杰出代表,因为它代表了一个时代,代表了一个时代的音调,代表了一个时代的心声,与《歌唱祖国》《弹起我心爱的土琵琶》《我为祖国献石油》等歌曲一道,成为“时代的代言人”。

  (作者:项筱刚,系中央音乐学院音乐学研究所副研究员、中国当代音乐博士)

·友谊的故事代代传

2019-08-18 14:39:05

  今年6月,在第二十二届上海国际电影节上,由中国与哈萨克斯坦合作拍摄的电影《音乐家》,获得组委会特别荣誉奖。这是《中哈合作拍摄电影协议》签署后,中哈合拍的第一部电影。这部特殊的电影不仅收获了业内的多个奖项,也感动和温暖了银幕前的观众。

  犹记得,电影首映式上的两位特殊嘉宾——生活在杭州的冼妮娜和远在哈萨克斯坦的卡拉姆卡斯-阿里斯兰诺娃,如今都已是耄耋老人,她们的人生是如何编织在一起的?电影为我们揭开了谜底。

  机场熙熙攘攘的人群中,两位中年妇女急切地跑到铁栅栏尽头,激动地相互拥抱,泪流满面,却因语言不通说不出一句话……影片《音乐家》开头的画面,复原了卡拉姆卡斯和冼妮娜首次见面的情景。故事要追溯到战火纷飞的70多年前。

  1940年5月,冼星海化名黄训,与导演袁牧之等人从延安前往莫斯科制作纪录片《延安与八路军》。然而,影片制作因战争而中断,冼星海回国屡屡受阻,滞留在哈萨克斯坦当时的首都阿拉木图。

  1942年底,哈萨克斯坦青年音乐家巴赫德让-拜卡达莫夫在阿拉木图剧院附近偶遇了一位衣着单薄、形容消瘦、提着小提琴的中国人。拜卡达莫夫见状,把他带到了姐姐达娜什家,一住就是一年半。这个谦逊寡言的中国人说自己名叫黄训,让大家称他“阿弟”。

  战争让每一个家庭都饱经磨难。达娜什在几份苦工之间奔波,客人的到来让她的日子更加拮据。达娜什把7岁女儿卡拉姆卡斯的床腾给“阿弟”,和他分享微薄的口粮。

  拜卡达莫夫年迈的母亲也拿着自己种的菜换来粮食,养活收留的一大屋子人。为了给重病的“阿弟”买药,达娜什卖掉了最像样的裙子。小小的卡拉姆卡斯每天放学后也要提水、擦地、洗衣服。

  然而,这段岁月并未因苦难而消沉暗淡,冬不拉与小提琴的弦声交相回响。黄训与拜卡达莫夫分享专业作曲知识,拜卡达莫夫为黄训提供民族音乐素材。在饥寒交迫的日子里,一首首音乐作品落在纸上,优美的旋律为人们带来希望与慰藉。

  对于从小失去父亲的卡拉姆卡斯而言,这个不知从哪里来的中国叔叔有着更温暖的形象。他从不发火,总是彬彬有礼。冬天从学校走回来时,鞋里灌满了雪水。黄训会帮她把鞋子和包脚的破布放在炉子上烘干,一边用体温温暖她冻僵的小脚,一边给她唱中国歌。晚上写作业时,黄训就在旁边看着她,或给她焐手,或教她做题。语言不通,他就用画画的方式给她讲自己的祖国和家人。

  由于当时的安全形势严峻,为了保护自己和帮助自己的朋友们,冼星海一直没有公开真实身份,甚至不敢照相。后来,为了自力更生,冼星海毅然前往酷寒的北部小城库斯坦奈,帮助当地建立音乐馆。拜卡达莫夫再次看见“阿弟”的脸庞,是在1950年的《苏联音乐》杂志上。“阿弟”因病在莫斯科克里姆林宫医院去世。曾经帮助过他的一家人这才知道,“阿弟”的真名叫冼星海,是中国伟大的人民音乐家。

  在电影创作中,作为亲眼见过冼星海的最后一人,卡拉姆卡斯老人参与了剧本的修改。“在艰难的童年时代,黄训是待我最温柔、最慈爱的人。现在存世的照片记录的都是他意气风发的时刻,可我仍记得他被战乱和疾病折磨得憔悴消瘦的样子。”直到今天,卡拉姆卡斯想起这段往事,依然忍不住潸然泪下……

  冼星海离开延安时,唯一的女儿冼妮娜只有八个月大。冼星海去世后,拜卡达莫夫一家没有忘记冼星海的托付,一直通过苏中友协、红十字会等渠道努力寻找他的妻儿。上世纪80年代末,冼妮娜来到哈萨克斯坦,见到陪伴父亲最后岁月的“亲人们”。

  今年距《黄河大合唱》首次演出整整80周年,当气壮山河的歌声在电影中再次响起,不仅让熟悉这段旋律的中国观众心潮澎湃,也让更多哈萨克斯坦人民了解到这位中国音乐家在本国音乐史上留下的重要乐章。

  后来,拜卡达莫夫的女儿芭德尔甘-拜卡达莫娃继承了音乐事业,曾担任哈萨克斯坦国立音乐学院副院长。她回忆说,冼星海在生命的最后几年,虽然生活困苦,但创作热情始终不减。

  如今,冼星海在哈萨克斯坦创作的交响诗《阿曼盖尔德》的第一行乐谱,闪亮地镌刻在位于冼星海大街的冼星海纪念碑上,与并行的拜卡达莫夫大街仅相距十多米,寄托着人们对这段伟大友谊的怀念。而电影《音乐家》哈方制片主任谢利克-伊布拉耶夫正是出生在冼星海大街上。他感慨道,很荣幸参与到这个故事的讲述之中,电影合作将在两国文化史上续写新的篇章。

  从冼星海与拜卡达莫夫,到冼妮娜与卡拉姆卡斯……电影《音乐家》所展现的中哈伟大友谊历久弥新,源远流芳。

·从神话里写出一个“人”

2019-08-18 14:37:04

  ——访原创歌剧《天地神农》编剧游暐之

  在亲手编了数以千万计、亲笔写了数以百万字的文艺评论与人物访谈文章后,全国惟一一家专业的歌剧文化杂志《歌剧》的主编游暐之开始埋头创作。8月9日至10日,上海歌剧院举力推出的《天地神农》将在上海东方艺术中心歌剧厅进行首轮演出。也许是偶然的巧合,这里正是游暐之平生第一次现场聆赏歌剧的地方。

  2005年7月1日,由上海歌剧院与美国弗吉尼亚歌剧院联合制作的普契尼歌剧《托斯卡》曾作为东艺歌剧厅的开台大戏在这里开演。一位在这座城市立足未稳的女青年,满怀朝圣一般的心情,天天倒换地铁来此观看。演出持续了4天她看了4场。“第一次听托斯卡的咏叹调《为艺术为爱情》,我就流泪了……”一颗敏感的心灵被歌剧的魅力触动了,“歌剧,真是太神奇了!虽然语言不通,但音乐本身已经把角色所有的情绪情感表达得丝丝入扣、悦耳入心。”从此,游暐之深深坠入了“情网”,无可救药地爱上了歌剧。她说,普契尼的《托斯卡》就像一位导师,引领她走进了神奇的歌剧世界。但14年前的那个夏天,她做梦也没想到,有一天,上海歌剧院新创歌剧的演出广告上会赫然出现自己的名字。

  开始编剧并非突发奇想。可能因为在歌剧圈里待得太久的缘故,游暐之经常有机会听歌剧。不仅是在上海,全国各地的歌剧新作首演,她都会争取亲自前往观看首演。“这也是一种熏陶吧,耳濡目染潜移默化。”游暐之对歌剧葆有特殊的喜爱,“因为我觉得歌剧对情感的表达可能是其他艺术形式难以相比的。”她也喜欢看话剧、舞剧、音乐剧还有各种戏曲,但她认为,“还是歌剧在音乐中爆发的情感力量更强大无比”。游暐之说自己最大的爱好就是泡剧场,每天在剧场里看看、听听,别人可能会觉得很辛苦,但她觉得那就是一种滋养、一种幸福。“我从来没觉得苦。经常从剧场回家已经深夜,还会拉着老公滔滔不绝地聊聊聊,很喜欢与人分享观剧体验。”好像有一阵不听歌剧就会有些失落感。如果没有现场演出,游暐之就会上网搜一搜,听听那些自己喜欢的作曲家的歌剧作品和那些不同的剧目及版本。

  最近这些年,中国原创歌剧越来越繁盛。看了大量作品有了一定积累后,游暐之对“原创”的理解也愈加深入透彻。看戏过程中,她会因某个节点而自然而然触发联想:下一步他会怎么做?如果编剧处理得不太满意,她会反问自己:假如我是编剧会怎么做?品评别人的作品,“对于我也是一种学习、思考”。在寻找别人作品的优点或不足时她给了自己一个反射:“别人的优点我是否能做到?缺点又是否能避免?”有了这些东西,她开始关注一些题材:“我在想,歌剧究竟应该是什么样子?一个好的歌剧应该具备什么特征?”开始动笔编剧时她并没有受到任何人的委约,“就是一种创作的冲动,就是自己想写”。

  游暐之的第一部歌剧剧本是《骄杨》。选择杨开慧的原因是她偶然读到一个手稿,是杨开慧写给毛泽东的信件。“我完全被她感动到了……”1982年3月,人们在修缮杨开慧故居时,从她卧室后墙的砖缝里发现了一沓手稿。那是毛泽东上了井冈山,杨开慧留守长沙期间,因夫妻二人失去了联系,她就开始一封一封写了大概几十封永远寄不出去的信。游暐之从这些信件里不仅读到了杨开慧对毛泽东的深情思念,更读出了她对毛泽东的深刻理解,“如果说毛泽东有知音的话,我想,那就是杨开慧。”于是,歌剧剧本一挥而就。“我虽然是个女性,但内心隐藏着一种英雄情结。所以,我会更关注一种大情怀的东西。”

  游暐之坦言,自己对英雄人物很感兴趣,但绝对不是为了跟风。“如果不能感动自己,我是不会去写的。”迄今为止,游暐之写了多部作品,全都是因为自己先被那些人那些事所感动。比如写秋瑾的作品很多,包括中国现代文学奠基者鲁迅先生。但从歌剧文本《西泠之约》那样的角度去写秋瑾的,可能游暐之是独辟蹊径。她关注的重点在于秋瑾与其生前挚友徐自华的生死情谊,“那是一种如同俞伯牙和钟子期之间互为知音的特殊情感”。

  2017年12月13日至15日,原创歌剧《拉贝日记》在南京大剧院世界首演。在演出广告上,游暐之的“身份”为词作者。这是为南京大屠杀80周年公祭呈献的一份纪念,原本也是她特别希望自己创作的题材。“那次参观南京大屠杀纪念馆,面对死难者丛葬地遗址,我当时就在那儿默默祈祷暗自发愿,无论如何,我要写这部作品,关于南京大屠杀的歌剧。”虽然委约方当时并未确定让她编剧,但她无论如何也想写点儿什么,“我惟一的想法就是用我的笔写出来的东西一定要对得起30万亡灵!”那天午后,游暐之坐在电脑前,只用了23分钟就写成了剧中人李秀英的惟一一段咏叹调。“那是一段超长的咏叹调,写完以后我泪流满面……”她把这段歌词读给好多人听,大家都说:你这真是如获神助啊!“我说这不是神助,我真觉得冥冥之中有人在指引我写这些文字、做这些事情,这就是我的一种责任。”

  习近平总书记在十三届全国人民代表大会第一次会议闭幕式上的重要讲话中曾指出:在几千年历史长河中,中国人民始终心怀梦想、不懈追求,我们不仅形成了小康生活的理念,而且秉持天下为公的情怀。“神农尝草”即在这次讲话列举的一系列我国古代神话之中。这给游暐之等创作者极大的鼓舞。“因为神农炎帝文化是中华民族文明史上优秀文化的重要组成部分,是炎黄子孙自强不息、奋斗不止的强大精神支柱,是中华传统文化的精髓所在,是中华民族最宝贵的精神和文化财富。”现在,她与她的合作者历时3年艰辛劳动的成果,原创歌剧《天地神农》,即将在2019年立秋次日之夜登台亮相初放啼声,她的心情将何等激动?

  游暐之介绍,原创歌剧《天地神农》围绕中华人文始祖神农炎帝“兴农耕”“尝百草”两大核心事件,突出了神农在农耕和中医药学方面的贡献具有“开天辟地”的划时代意义。“天”代表“神”,“地”代表“人”,作品讲述了神农从“神”到“人”的心路历程。全剧将神农兴农耕、尝百草以戏剧性故事有机衔接,高扬他开拓创造追求梦想、积极向上锐意进取的精神,彰显了他为人民的幸福生活勇于牺牲自我的高尚品质。该剧被列入了上海市2017年度重大文艺创作项目,并获得了2019年度国家艺术基金大型舞台剧和作品资助项目。从2016年到2019年,这个剧游暐之一共写了12稿。“开始选定这个题材,我就苦思冥想,神农,应该怎样去描写他?他是一个神话故事中的人物,但我要从写‘人’的角度来写一个‘神’。”她不想把神农写得神乎其神,因为她认为神农的故事是一个最接地气、最具人性的神话。

  第一稿写完游暐之征求专家意见时,《歌剧》资深编委、作曲家郭文景大为惊叹,他没想到一位杂志主编竟能“跨界”编剧,且这么懂歌剧创作,能写出如此水平的剧本。深受鼓舞的游暐之在“娘家人”上海歌剧院的全力支持下,同上海音乐学院作曲家金复载教授、中国音乐学院陈蔚导演组成了主创团队。“我们三个人第一次合作就两个字:和谐。”和谐,绝非盲目统一,“大家各自都有独立的思考,有艺术的追求,也有不少的争论,但最终能达成一致的艺术理念。” 她说自己很幸运,第一部立项歌剧就遇见了学养深厚又谦虚仁厚的金复载老师。陈蔚又是一个极富创造力且绝不重复自我的导演,“她经验丰富又懂音乐,看着总谱排戏优势突出”。

  《天地神农》立项之后,三位主创建了一个微信工作群,经常互相交流、及时沟通,从音乐表达的角度,从舞台呈现的角度,在不断讨论磨合中,剧本更加丰富完善。“在我心里,神农不是一个人,而是中华民族千万祖先的集合体。”这是游暐之对神农的解读。“我们的祖先需要后人世代铭记,怎么铭记?从神话中应该提炼和体现出一种精神。”希望通过她的文学剧本,能打通神话故事和当代观众之间的审美通道。“我想让观众知道,一个非常传统的神话故事离我们并不久远,《天地神农》这部歌剧能够体现更多人性的光辉。其中有种对现实的观照,也有能让今天的现代人群产生共情的内涵。这是我在创作这部歌剧时的一种追求。”

  近来几乎天天泡在排练场的游暐之从未感到如此欣慰、欣喜、欣然。在兼任上海歌剧院艺术创作室主任7年之后,她终于能将自己的作品推上舞台,且由剧院现任院长、著名指挥家许忠亲自执棒了。更可喜的是,《天地神农》这部戏无论是指挥乐队还是演员合唱队,大家都特别喜欢,“都说好久没遇到这样音乐动听、文词感人,演起来特别过瘾的新作品了。”“这是一次合乎艺术规律的创作,所有创作者都尽了最大努力。”游暐之认为,无论写什么题材,创作者都需要设定一个非常高的艺术标准,严肃认真、严谨规范。只有这样,作品才能富有艺术的生命力,最终才能赢得观众的尊重与认可。

·演唱会万人聚焦虚拟偶像 虚拟比真实更圈粉?

2019-08-18 14:34:51

  舞台上,全息投影在屏幕上的虚拟形象在歌唱;台下近万人站立着,跟随音乐一边挥舞荧光棒一边大声唱……热情的声浪将一场没有真人演出的演唱会推向高潮。日前,由国内视频网站哔哩哔哩(以下简称“B站”)主办、以VR全息投影技术为核心的数字化虚拟偶像专属演出——BML VR(Bilibili Macro Link VR)演唱会在上海举行,初音未来、洛天依、绊爱等虚拟形象轮番上场,展开了长达3个多小时的演出。从最初800人的小型现场演出,到如今近万人的大型演唱会,一个充满潜力的虚拟偶像市场变得越来越清晰。

  二次元文化爱好者的狂欢

  虚拟偶像指虚拟的、并不存在真实形体的形象,可以是手绘的2D或3D形象,甚至不仅仅是人物形象。这些虚拟形象通过语音合成、动画渲染、全息影像、人工智能等技术手段,能与粉丝进行交流互动,本质上和真人偶像的工作性质一样。

  虚拟偶像的诞生,源于互联网时代培养的一大批二次元动漫爱好者。在代表着动漫发展主流方向的日本,虚拟偶像已有十几年的发展历史。2007年,日本一家公司推出一款虚拟人声音乐软件,以一个青色长发少女形象作为产品代言,这就是“初音未来”。这一虚拟形象大受欢迎,带动这款音乐软件在日本音乐市场的销售份额从6%上升到33%。初音未来更以其亲和力、年轻化的特征成为虚拟偶像最初设计的基本范式。

  尽管“虚拟偶像”一词从字面上看具有很直接的定义,但在业界看来,国内对虚拟偶像还没有十分明确及严格的定义。虚拟形象、动漫角色、虚拟歌手等均被划分到虚拟偶像范畴。

  最为大众熟知的中国虚拟偶像是“洛天依”,这个由上海禾念在2012年推出的首个拥有中文声库的虚拟形象,在得到广大二次元文化爱好者的喜爱之后,也在不断尝试“出圈”,被更多人接受。2016年,洛天依登上了湖南卫视的小年夜演唱会,之后又参加了央视的文化音乐节目《经典咏流传》,和共青团中央合作了2017年中国制造日活动主题曲《天行健》,并于今年“携手”郎朗举办了全息演唱会。

  虚拟偶像成功赢得粉丝和市场认可的背后,凸显的是随着互联网时代发展的大众文化消费心理,与真人偶像不同或者说胜于真人偶像的是,这些受益于技术突破而出现的虚拟形象,均被赋予了可爱的形象、丰富的性格,甚至拥有由众多粉丝源源不断创作而形成的巨大曲库。

  市场迎来资本布局

  据了解,目前B站上已形成国内最大的虚拟偶像社区,平台上有数万名“UP主”(上传视频音频文件的用户)围绕虚拟偶像进行创作和传播。以洛天依为例,在B站拥有1万多首原创音乐作品,《权御天下》等代表作的点击量以数千万计。同时,虚拟主播的数量也在快速增长,仅今年第一季度就有超过6000名虚拟主播在B站开播,观看人数近600万人。

  这种现象背后是一个由年轻人带动的庞大的消费市场,引起了来自食品、快消品、金融等行业资本的注意;而虚拟偶像与动漫、游戏的天然联系,也令文娱行业资本迅速盯紧了这个市场。记者注意到,在过去7年里,洛天依先后代言了数个品牌,从游戏、动漫拓展到电子、快消等更广泛的领域。

  根据行业机构的保守估计,目前,国内虚拟偶像相关公司有30家以上,包括音频软件、人工智能、偶像团体经纪等多种形态,参与资本包括中国移动、腾讯、网易等。在今年7月举办的第十五届中国国际动漫游戏博览会上,爱奇艺分享了虚拟偶像RiCH BOOM的最新开发近况。据介绍,RiCH BOOM是一支虚拟偶像乐队,由6名性格鲜明的成员组成,形象一经推出,便与青岛啤酒达成授权合作推出了“青岛啤酒纯生音乐瓶”联名系列。爱奇艺相关负责人表示,很多品牌方希望通过这种新方式去精准寻找年轻人的消费喜好。

  未来的变现可能

  实际上,虚拟偶像通过视频、直播等形式,一直在内容层面尝试更多可能,而业界也一直在关注这一市场如何实现商业变现。

  在一些行业分析机构看来,虚拟偶像的培养和孵化涉及技术壁垒、内容壁垒等,比如需加入音源库软件开发、3D建模、全息投影、动作捕捉等技术,同时还需要提供持续、稳定、优质的内容素材,这要求开发虚拟偶像的平台具备极高的技术能力和内容生产能力。孵化时间长、粉丝运营成本高,是虚拟偶像发展的普遍难点。

  阅文集团根据网络小说《全职高手》主人公叶修推出了同名虚拟偶像,其带来的粉丝流量和商业机会不输于任何一个真实当红明星,商业价值估值目前已超过10亿元。尽管以叶修为代表的虚拟偶像身上蕴藏着很大的潜在商业号召力,但一些业内人士认为,虚拟偶像的市场尚不明朗,在变现层面依然处于探索期。

  虚拟偶像的走红离不开二次元文化土壤的培育。随着二次元受众不断扩大,虚拟偶像市场或许存在更大的机会。艾瑞咨询发布的《2018年中国动漫行业研究报告》显示,截至目前,我国泛二次元用户规模近3.5亿。随着中国互联网用户对二次元文化接受度的进一步提升,大量游戏公司、内容公司都已将二次元作为主流文化发展,虚拟偶像文化或将迎来一个爆发期。

·大山深处的无声合唱团

2019-08-18 14:32:21

  跨越2629公里,一个奇妙的机缘,将来自首都北京的先锋艺术家、摇滚乐手,与广西壮族自治区百色市凌云县特殊教育学校的聋哑孩子联系起来,将大山深处无声的世界与律动的音乐有机融合。

  2018年8月4日晚,在曾享有“中国音乐圣殿”之称的北京音乐厅的舞台上,14名聋哑孩子用一个“啊”字唱出起伏错落的《无声三部曲》,全场观众瞬间被感动了。大家屏声静气,从迷茫到落泪,随着演唱击打节拍……演出结束,台下掌声雷动,人们将大写的赞送给这群将不可能变成可能的人。

  今年3月16日,这群孩子又登上中央电视台“经典咏流传”节目的舞台,每个孩子用自己独特的音高汇成一首特别的音乐《画无声》,将震撼和感动带给在场的嘉宾和无数电视机前的观众。

  这个由14名聋哑孩子组成的组合,有个特殊的名字“无声合唱团”。艺术家李博和张咏是合唱团的发起人,他们用6年多时间,打开了这群山区聋哑孩子通向外面世界的大门,也改变了很多人对聋哑人的认识,刷新了他们对音乐的理解。

  今年6月24日,百色市凌云县刚刚经历了新一轮暴雨,从县城中心穿过的澄碧河洪流滚滚。李博和张咏分别从北京和厦门来到凌云县特殊教育学校探望孩子们。

  此时,离他们赴央视演出已过去3个月,无声合唱团的孩子们,有的毕业后升学去了南宁,大部分孩子都回归到往昔平静的生活。即便遇上恶劣的天气,校园里依然充满了笑声和嬉闹声。

  李博是出生在北京胡同里的新锐画家。他少年成名,25岁获得法国巴黎皮尔卡丹艺术中心颁发的“最佳国外艺术家奖”;张咏曾是京城摇滚乐队“子曰乐队”的贝斯手。这两个生活在大都市的艺术青年,在做乐队的过程中对聋哑人的声音产生关注。

  一天,他们走在街上,突然听见一声叫喊,是一个聋哑人丢失东西后在慌乱中发出的。“那一声就把我们惊着了,那种源自生命本身、未加雕饰的声音那么干净纯粹,简直太棒了!”李博说,回去以后,他们一直想寻找这样的声音,采样用到音乐里。

  两人联系了几所特殊教育学校,但校方听说他们要寻找聋哑人的声音录下来,都表示无法理解。后来,在一个基金会朋友的帮助下,他们认识了当时担任凌云县特殊教育学校校长的周彩英。2013年5月,凭着信任,周校长接纳了他们的到来。

  “刚开始我们想得挺简单的,就是来这儿边玩、边画画、边录音,就当是外出采风。”李博说,事情远没有他们想象的顺利。在学校待了两周,没有一个聋哑孩子愿意配合他们发声。即便有老师在讲台上教,下面的孩子也总是用小拇指比出流汗的手势,表示自己不行,做不到。

  下课了,这些山里的孩子都躲着李博和张咏,没有一个孩子愿意和他们正面眼神交流。

  跟孩子相处的时间越久,李博和张咏越理解孩子们为什么不愿配合发声。“从他们的角度出发,从小周围的人就告诉他们,你是有残缺的。我相信没人愿意把自己的缺点展示出来,这其实是他们内心最脆弱的部分。”张咏说,他们觉得再坚持下去,对这些聋哑孩子有点太残忍,便决定撤了,不再“折磨”孩子们。

  正当他们准备跟周校长道别时,4岁多的杨微微突然跑过来,拉着李博和张咏的手,发出了“啊”的一声。

  他们当时就愣住了,李博的脑子一片空白,觉得这一声“好像是从心里穿过去的”,让他们知道这两个星期的工作没有白做,这些聋哑孩子们终于一点点相信自己也可以发声了,而且这个声音是好听的。每次提起当时那一幕,李博都会激动得双眼发红。

  在他们看来,孩子们的自信刚被唤醒,如果这个时候离开,无疑是不负责任的。他们把准备道别的话咽了回去,回到宾馆想了3天,决定不再做声音采样,而是组建一个无声合唱团。那个勇敢的小姑娘杨微微,后来成为无声合唱团年龄最小的成员。

  一首合唱歌曲往往由好几个声部组成,没有经过专业训练的普通人要一张口就唱出标准音非常困难,要让生活在无声世界里的孩子们做到这一点,更是难上加难。

  “他们不知道声音是什么,所以不会讲话。其实他们的声带都没有问题。”张咏说,这些孩子因为很少用舌头,时间长了就变得不灵敏,需要通过训练,让他们知道发出某个音高的位置在哪里,口形是怎样的,该如何使用气息。

  他们给孩子们买雪糕吃,观察到有的孩子吃完后还会把雪糕棍含在嘴里,便想到借助雪糕棍来帮助孩子训练压舌头,让他们懂得音和音的不同。为了让孩子们感受到气息的流动,他们又想出吹气球、吹纸条的办法。

  帮助聋哑孩子们发出标准的音高是最难的挑战之一。为此,他们动用了专业校音器。孩子们在学校的舞蹈室里,一边发声,一边观察着校音器上跳动的指针。经过无数次重复练习,孩子们才能形成对每个音高的肌肉记忆。

  在周彩英的印象中,每年五六月,李博和张咏都会像候鸟一样定期来学校教学。他们还不断地发动身边搞音乐的朋友加入教学队伍。合唱团训练的经费、艺术家在凌云县的吃住费用、路费都由他们自己承担。

  时常有人问李博和张咏,花这么多的时间和精力让这些聋哑孩子投入到并不擅长的领域,值得吗?李博每次都愤然反击:“凭什么认为他们不擅长?”

  在李博看来,这些生活在无声世界里的孩子们,会用震动、用气息感知声音,会用时间的流动体会节奏,会用每一寸肌肤去觉察空气的流动,“这都不是我们能想象的,不要用我们的标准去揣测别人”。

  李博特意为无声合唱团设计了一组Logo印在团服上:被“砍头”的高音符号,被绳子系住“上吊”的低音符号……“这些符号代表一种态度,就是聋哑孩子理解的声音、音乐和我们理解的是不一样的,在他们的世界,我们的音乐全死了,音乐在他们那儿是完全不同的另一种表达。”

  2017年5月21日,是第27个全国助残日,也是无声合唱团第一次走出校园登台演出的日子。

  在这个山区县城的舞台上,聋哑孩子们的表演,引发了不同的反应:有的观众听不懂,感到不太理解;但更多的人却被这短短几分钟的演唱所打动,甚至听哭了。

  “那次演出结束后,我感触特别深,他们的表现完全颠覆了我们这个小县城的人们对聋哑孩子的印象。”作为校长,周彩英感到特别自豪,虽然这些孩子生来带有这样或那样的缺陷,但通过老师和他们自己的努力,一样可以绽放出生命的光彩。

  在校园里,聋哑孩子的个性特点常常表现得非常突出——喜欢就干,不喜欢就发脾气,会闹或表现出抵触情绪,但经历了这次演出,孩子们在之后的训练中,变得更加自信、更加配合,很少出现情绪化的行为。

  每次去凌云县特殊教育学校,远远就能看到有孩子靠在大门上,探着小脑袋往外张望。这扇上着锁的铁门,把学校里的残障孩子和外面的世界隔开。经常往返于这所学校,李博对这扇门有特殊的感受:“这是分隔两个世界的一扇大门,大门里面也许是这些孩子一生中最幸福快乐的几年,在门外他们就会特别不自在,他们以后出去了该怎么办?”

  2017年11月,李博和张咏作出一个冒险的决定。为了兑现对孩子们的承诺,他们要带着无声合唱团的孩子们出一趟远门,带他们第一次坐飞机、第一次去游乐园、第一次去海边,去参加第六届厦门龙舟唱晚音乐节。

  “带这么多孩子出去,肯定要考虑到很多安全上的风险。”时任校长周彩英全程陪同参与了这次“冒险”。她觉得,孩子们辛苦付出了这么长时间,他们中有的人毕业后无法升上高一级的学校,有的没有机会去到那么远的地方,这也许是孩子能走出学校、走出小山村的最后一次机会,干嘛不去呢?

  无声合唱团在厦门的演出大获成功,也引起了更多人的关注。2018年4月,他们受邀前往北京音乐厅演出,之后又通过中央电视台的节目,为全国所知。

  从北京回来后,村民们对这些有缺陷的孩子刮目相看,原本自卑的孩子们也变得越来越阳光活泼。

  13岁的任秋露2018年4月才加入无声合唱团,是加入最晚的一个孩子。这个刚进学校时的“爱哭鬼”,现在看到陌生人也会主动打招呼并露出自信的微笑。

  任秋露3岁时被检查出患有感应性耳聋。她有时听得见,有时一点也听不见。发现自己跟别人不同后,她变得不愿与人交流,回到家便坐在电视机前,还常常跟弟弟妹妹为了争夺电视遥控器打架。加入合唱团后,她放假回家,每天坚持练声两个小时。去北京演出时,秋露还学着照顾同屋的杨微微,到哪里都拉着她的手。

  任秋露的妈妈申树根从电视上看到女儿的演出,很感慨也很自豪。她表示,虽然秋露识字不多,但以后的日子还是要靠她自己。“她喜欢音乐舞蹈的话,我们肯定支持她”。

  无声合唱团在很多孩子的心中播下了梦想的种子,16岁的杨晓霏当初只是为了快乐地唱歌加入合唱团,父母知道后鼓励她要坚持不要放弃。这几年,她在合唱团里找到了快乐享受音乐的感觉。毕业后,她打算努力走自己的路。15岁的罗安强也马上要毕业,他梦想着将来好好学门技术,找份工作,孝敬爸妈。

  比起孩子们的变化,张咏觉得孩子们给他带来的收获更多。和孩子们在一起,无论是艺术上还是音乐上他都得到很多启发。他常常思考:音乐到底是什么,是完美的音符旋律还是背后的东西?孩子们的声音确实不那么完美,节奏也不是特别准,但这种原始的东西确实能够震撼人心。“我觉得音乐应该打破常规的规律,多从内心去寻找,这才是我们应该做的。”

  在李博看来,他们坚持做无声合唱团,就是希望孩子们能通过这个载体得到更多的尊重和理解。“这并不是怜悯,也不是慈善,我们就是开开心心地和孩子在一起玩,在这里我们得到了很多快乐。如果说未来有什么计划,那就是希望能让他们更快乐一点,看见更大的世界”。

  (实习生钟坤燕、刘彦君对本文亦有贡献)

  来源:中国青年报 2019年08月09日 05 版

·“卡拉扬之声”,何以成为传奇

2019-08-18 14:29:10

  今年是奥地利指挥家卡拉扬逝世30周年。这位历史上知名度最高的指挥家用独特的指挥理念缔造了“卡拉扬之声”。

  卡拉扬曾面临两种艺术风格的激烈碰撞,他既把握了德奥指挥传统的珍宝,又开启了新的时代。30年后再听卡拉扬,“指挥帝王”的神话色彩渐渐消失,他缔造的传奇却终将不朽。

  非典型德奥学派

  在大众的视野中,卡拉扬是“德奥指挥家”的代名词,但无论相对于其前辈富特文格勒、克列姆佩勒等人,还是其同辈或后辈,卡拉扬都不是一位典型的德奥指挥家。

  德奥指挥学派的本质在于一种精神和理念:在奔放自如的速度变化中,呈现丰厚、立体、色彩朴素的音响。贝多芬被视为德奥指挥学派的守护神,作曲家同时也是大指挥家,门德尔松、瓦格纳、马勒都是德奥指挥学派最核心的成员。

  19世纪与20世纪之交,以意大利指挥家托斯卡尼尼为代表的现代派风格渐渐取得了巨大的影响。与德奥学派不同的是,这一类指挥家追求更彻底地研究作曲家的原谱,以更为“客观”的视角、更为节制的情感表达诠释音乐。

  20世纪30年代中期,卡拉扬作为出色的新锐指挥家在世人面前亮相时,传统德奥指挥学派正发展到巅峰期。卡拉扬却不愿在前辈们铺就的道路上继续前进,他的理想是结合富特文格勒的自由与托斯卡尼尼的精确。从结果来看,他最终未必实现了这样的目标,但却缔造了“卡拉扬的德奥学派”。

  卡拉扬的新风格鲜明地体现在以下四个方面:一是对节奏感的判断。传统德奥学派指挥家们的演绎风格往往具有超强的个性,但在某个大方向上,又会让人感到一种共通的“语境”。这主要体现在节奏感的表现上。相对于前辈和同辈们,卡拉扬对于节奏的控制会做出相当不同的判断,从而展现出他重新审视原作的结果。

  二是自由速度的构思。自由速度类似于人们在说话时语调轻重缓急的变化。尽管一部作品会有一个整体的速度,但在细节中,指挥仍会不断有速度的变化。整体的节奏及细节中的速度变化往往最直接地决定了音乐的性格和气质。以贝多芬《第九交响曲》的首乐章为例,音乐最初仿佛描绘鸿蒙初开,卡拉扬却很少通过微弱的速度变化强调神秘感。在乐章整体的把握中,他的前辈往往通过速度变化,突出音乐前进的推动力与某种强烈的内在感受,卡拉扬则是更为克制地突出流畅感。

  三是对于乐队声音的塑造。传统德奥学派的指挥家追求一种丰厚、立体的音响,色彩往往倾向于朴素。而在卡拉扬手中,乐队的声音迸发出空前的瑰丽光彩与细腻色调。他所指挥的后浪漫派的布鲁克纳、理查-施特劳斯的音乐,其五光十色的乐队效果是空前的,或许也是绝后的。

  四是演奏曲目的拓展。传统德奥学派的指挥家们也能精彩地表现法国音乐或意大利歌剧,但他们的核心曲目还是围绕着德奥古典与浪漫派的杰作。卡拉扬将他核心曲目的范围大大拓展,在更为宽阔的维度上展现他全新的德奥学派的风貌。

  标准的“技术控”

  1954年接掌柏林爱乐乐团之后,卡拉扬基本被视为德国乐坛的“王位继承人”。如果说他建立了一座自己的音乐帝国,那么与柏林爱乐乐团的组合则是帝国的核心。核心之外,他还与维也纳爱乐乐团进行了大量演出,同时担任维也纳国家歌剧院的音乐总监,并掌控萨尔茨堡音乐节。卡拉扬还创立了自己的音乐节——萨尔茨堡复活节音乐节。同时,他也是米兰斯卡拉歌剧院最重要的指挥家之一,并一度带领过巴黎管弦乐团。于是,人们顺理成章地将他称为“欧洲音乐总监”。

  用现在的话说,卡拉扬还是一个标准的“技术控”,他对于各种技术性的东西都感兴趣。他的驾驶技术非常高超,无论跑车、游艇、摩托,还是私人飞机,都驾驭从容。CD唱片问世时,卡拉扬的事业已进入最后阶段,他依然热情地拥抱了这种新技术,其首套CD录音是1980年灌录的莫扎特歌剧《魔笛》。卡拉扬对于录音技术的高度关注,使他无愧为古典音乐领域中最适合代表二战后录音工业大发展的一位巨匠。

  1982年,卡拉扬还成立了一家公司,专门拍摄自己的演出。他对于拍摄手法的考量非常细致,演出的一部分音频成了日后人们喜闻乐见的“金色卡拉扬”系列唱片的内容。他的这些做法在当时无疑是超前的,但更重要的是,这是唯有“指挥帝王”才能拥有的配置。他与柏林爱乐乐团不仅留下了无数唱片,还通过这些唱片标定了一种全新的乐队演奏的技巧和美学。“卡拉扬之声”成为传奇,使得人们对于乐队音响之华美、细腻有了全新的认识。有种说法是,卡拉扬时代的柏林爱乐之中,坐在后排的小提琴家到了别的乐队都可以担任首席。

  专制的“指挥帝王”

  同高度技术性的要求相伴的,是卡拉扬“专制”的工作风格。他的后辈同行古斯塔夫-库恩将其形容为“应当消失”的指挥类型中的最后一员。卡拉扬的前辈瓦尔特、富特文格勒从来不会如此和乐队相处,在他们手中,乐队往往流露出更多的自发性。而据指挥家小泽征尔的回忆,卡拉扬只要他想要的声音,完全不在意乐队的想法。直到他的控制力贯彻于一切细节之后,卡拉扬才会让乐队有自己的发挥。而为了取得心目中理想的成果,他可以驱策原本已经是超级乐队的柏林爱乐乐团不计时间地排练。

  卡拉扬对于歌手的选择也很“特别”。他会在一些非常吃重的歌剧,譬如瓦格纳的作品中,选择一些声音型号相对轻一些的歌手。这样的安排往往有奇效。卡拉扬指挥柏林爱乐灌录的瓦格纳《尼伯龙根的指环》是最典型的体现。然而这对歌唱家们的嗓音并没有好处。因此,有人将卡拉扬选择歌唱家的思路调侃为“毁人不倦”。

  尽管卡拉扬的工作方式在业界始终有争议,但不可否认的是他依然取得了压倒性的成功,他和他的音乐帝国成就了现代音乐的神话。如今,当人们更为客观地看待卡拉扬的艺术,将其置于20世纪的指挥史及德奥指挥学派的发展史中观察时,神话色彩渐渐消失,但大师缔造的传奇却终将不朽。

  延伸阅读

  把音乐史录了一遍的他,留下这些经典唱片

  上世纪50年代,指挥维也纳爱乐的录音套装。此时卡拉扬的控制力已很强大,却还是给乐队留出不少自由度的空间,维也纳爱乐的韵味同他产生了奇妙的反应。

  1969年,指挥柏林爱乐演出舒伯特的《第九交响曲》。这是德奥学派名家几乎必录的曲目,卡拉扬重整柏林爱乐后所呈现的超级强大、严整的风格在此录音中一览无遗。

  上世纪60年代,指挥柏林爱乐演出瓦格纳的《指环》。这张唱片是卡拉扬最独特的歌剧美学、声音美学与瓦格纳美学的体现之一。

  1969年,指挥柏林爱乐演出德沃夏克的《大提琴协奏曲》,独奏罗斯特洛波维奇。卡拉扬一生都在选择他中意的独奏家,这款德沃夏克协奏曲成为划时代的经典,也是一次真正交响化的演绎。

  上世纪60年代末至70年代初,指挥柏林爱乐灌录理查-施特劳斯的《变形》《最后四首歌》等。卡拉扬与雅诺维兹的合作是晚期浪漫派最美丽的落日余晖。

  1972年,指挥柏林爱乐演出贝多芬的《第六交响曲》现场录音。卡拉扬的现场录音常常带给人惊喜。在这场演出中,他已非常接近自己结合托斯卡尼尼与富特文格勒的宏愿。

  1985年,指挥维也纳爱乐演出柴可夫斯基的《第五交响曲》。当指挥艺术进入最后阶段,他对于最通俗的曲目也并未停止自己的思考。

  上世纪80年代,指挥柏林爱乐演出勃拉姆斯的《交响曲全集》《海顿主题变奏曲》等。数码录音时代,“卡拉扬之声”由豪华走向奢丽,这套勃拉姆斯是见解深刻的唯美主义之作。

  1985年,指挥柏林爱乐演出莫扎特的歌剧《唐璜》。他以超凡的精美与洞察力演绎了莫扎特最富戏剧灵感之作。

  1989年,指挥维也纳爱乐演出的布鲁克纳《第七交响曲》。这是大师最后的商业录音,完成时距离他去世只有三个月时光。卡拉扬所呈现的挥洒自如是前所未有的,由此成就了该作品登峰造极的演绎之一。

·上交140周年世界巡演将启程

2019-08-18 14:26:34

  8月12日,上海交响乐团将在音乐总监余隆的带领下,开启为期23天的上交140周年世界巡演,演出行程涵盖英国BBC逍遥音乐节、琉森音乐节、美国拉维尼亚音乐节、爱丁堡国际艺术节等多个国际一流音乐节,几乎是中国巡演史上规格最高的一次“走出去”。

  覆盖众多一流音乐节

  巡演行程表上,上交将先后去往华盛顿、芝加哥、爱丁堡、琉森、格拉芬内格、阿姆斯特丹、伦敦等五个国家的七个城市,并将首度登陆多个国际一流音乐节。眼下,西方观众对上交的亮相充满期待。英国媒体把上交的这次首秀,同海丁克与维也纳爱乐,巴伦博伊姆、阿格里奇与西东合集,杨松斯与巴伐利亚广播交响乐团等一线卡司阵容,并列为今年逍遥音乐节的十大精彩看点。

  巡演曲目中包括拉赫玛尼诺夫的《交响舞曲》、肖斯塔科维奇的《第五交响曲》和陈其钢的《五行》三部管弦乐作品。重磅推出的《五行》,将用音乐语言阐述“金木水火土”的传统哲学思想。“音乐本身是另一种语言,它无需去阐释,每位观众都将有自己的理解。”余隆说。

  曾牵手上交、并与世界一流乐团都有过合作的小提琴家弗兰克-彼得-齐默尔曼,以及少年时即与克利夫兰交响乐团合作的大提琴家艾丽莎-维勒斯坦将加盟此次全球巡演。去年在利兹钢琴大赛拔得头筹的陆逸轩也将参加上交在逍遥音乐节的演出。

  在“走出去”中交流

  昨天,记者探班时发现,参加巡演的每位演职员手上都有一份“巡演手册”。这份厚达53页的手册除了演出信息外,酒店信息、飞机航班、大巴分车,甚至酒店和剧场周边的出行用餐信息、各点之间的车程距离都一一列明。大到乐器的携带运输,小到演奏员袜子的颜色长度,都有一套规范的标准和要求。

  “这些细节都是演出成功的前提和重要保障,更是乐团巡演是否职业化的一个缩影。”上海交响乐团团长周平说,吸取往年经验,考虑到国际航段的复杂性及高频率的转机,为了降低巡演损耗,含小提琴在内的所有乐器几乎都走货运;为了乐手能充分休息,如果路上行程超过4小时,当天晚上也不安排演出。“以前巡演时,乐团就像公路考察队,天天披星戴月;但在国际交流的过程中,我们逐渐学习先进的管理经验,更科学、合理地安排演出行程,这也是为了保障演出质量。”

  作为中国最早一批“走出去”的职业乐团,上交从上世纪70年代开始就在世界舞台上展露头角,到2009年音乐总监余隆上任后,上交加速乐团职业化发展的同时也加快了亮相国际舞台的步伐。从2010年美国纽约中央公园、波兰“贝多芬音乐节”,到2014年德国与荷兰巡演、2015年美洲巡演,再到2017年的欧洲巡演和今夏的世界巡演,上交一步步用有计划、有部署的巡演战略和东西对话的优美音乐,体现出乐团国际巡演的职业化。

·用光影艺术展现歌剧魅力

2019-08-18 14:23:45

  ——“2019国家大剧院国际歌剧电影展”开幕

  由国家大剧院主办、百老汇影城协办的“2019国家大剧院国际歌剧电影展”日前在北京国家大剧院歌剧院开幕。北京市委常委、教工委书记,国家大剧院党委书记、院长王宁,国家大剧院党委副书记、副院长赵佳琛及国内著名导演、表演艺术家、作曲家等嘉宾出席了开幕式。随后,在现场近千名观众的期待中,国家大剧院制作出品的中国首部4K全景声歌剧电影《这里的黎明静悄悄》在歌剧院展映。

  王宁在开幕致辞中表示,“歌剧电影,作为舞台艺术与现代电影技术深度融合的结晶,实现了歌剧‘呈现方式’和‘传播方式’的双重革新。歌剧电影作为当今国际歌剧界拓展影响、培养观众的新兴重要手段,是国际艺术界交流的前沿热点。”据悉,影展将持续至10月31日。

  1.14部精彩影片将亮相大银幕

  在今年的影展上,中国国家大剧院、美国大都会歌剧院、英国皇家歌剧院、西班牙马德里皇家歌剧院、意大利都灵皇家歌剧院、上海广播电视台、上海京剧院将带来14部精彩影片。

  美国大都会歌剧院为中国带来了观众耳熟能详的《茶花女》《游吟诗人》《托斯卡》《费加罗的婚礼》;英国皇家歌剧院带来了浪漫主义作品《安德烈-谢尼埃》和令人捧腹的喜歌剧《塞维利亚理发师》;西班牙马德里皇家歌剧院带来了颇具民族特色的《路易莎-费尔南达》和享誉世界的《阿依达》;首次参加展映的意大利都灵皇家歌剧院带来了《艺术家生涯》首演120周年之际的全新版本;上海广播电视台、上海京剧院带来了获得“2018中美电影节金天使年度最佳纪录片奖”的3D全景声京剧电影《曹操与杨修》。

  歌剧电影《这里的黎明静悄悄》和京剧电影《曹操与杨修》两部作品的导演滕俊杰在采访时说:“坚持艺术之魂,用电影蒙太奇镜头打造视听新魅力,用‘春秋笔墨’刻画宏大叙事是我不变的初心原则。”当谈及为何要创作3D京剧电影《曹操与杨修》时,滕俊杰说:“国外一直把中国的京剧誉称为北京歌剧,所以从这个大的概念来讲,京剧电影的加入名副其实,是一种必然现象。”

  2.既有民族原创也有世界经典

  开幕式当天,现场近千名观众欣赏了国家大剧院制作出品的歌剧电影《这里的黎明静悄悄》。歌剧《这里的黎明静悄悄》是国家大剧院为纪念世界反法西斯战争胜利七十周年所作,内容取材于苏联著名作家鲍里斯-利沃维奇-瓦西里耶夫的同名小说,讲述了几名女兵在二战中抗击德国侵略者的故事。2018年,国家大剧院采用最先进的4K超高清、全景声技术手段将这部歌剧拍摄成电影,这也是中国首部4K全景声歌剧电影。滕俊杰表示:“歌剧是一种难度极高的舞台表演艺术形式,很难离开舞台‘主场’,但通过电影这种表现形式,就可以将其带到世界任何地方。今天年轻人很喜欢去电影院,通过歌剧电影拉近与年轻人交流,或许就是一次彼此打动的开始。”

  “在京剧舞台上我是个‘老兵’,但在电影领域我还是个‘跨界新秀’。”著名京剧表演艺术家、京剧电影《曹操与杨修》主演尚长荣表示:“电影镜头的表现更加多元,大银幕呈现的画面更加清晰,对演员的表演功力提出了更为严格的要求,要把更为细腻的表情传递给观众。所以,电影与京剧的结合不仅激发了演员表演的新灵感,也有一种虚实结合的独特魅力。”

  看完影片后,观众曹菲璐表示:“在电影的手法下,人物的心灵、战争的场面、情感的碰撞等细节有了更生动的描绘,我的心也跟着战争剧情的展开而强烈起伏。歌剧电影让我重新认识了歌剧的魅力。”

  今年恰逢新中国成立70周年,王宁介绍:“我们还特别策划推出了国家大剧院制作出品的两部红色经典歌剧:《长征》《这里的黎明静悄悄》,通过推广红色经典,不忘初心、牢记使命。”

  3.探索歌剧电影常态化放映

  国家大剧院国际歌剧电影展于2016年创办,前三届共有8家文化艺术机构的38部影片参展,巡展全国15个城市,放映750余场,以公益惠民票价让近10万名观众“走进影院看歌剧”,为世界歌剧电影交流、中国歌剧电影普及搭建了重要平台。王宁在致辞中表示:“歌剧电影作为当今国际歌剧界拓展影响、培养观众的新兴重要手段,是国际艺术界交流的前沿热点。”

  其实,歌剧电影的拍摄并不容易。歌剧电影《这里的黎明静悄悄》的制作从去年年初就开始了。“观众们在剧场中看演出时有一个恒定距离,在一成不变地观赏舞台,后排的观众看到的清晰度会受到一定的影响,但电影全然不是。一个几层楼高的巨大特写出现在观众面前时,任何细节都会被无限地放大,如果不注意的话,这些到时候都是败笔。”滕俊杰在接受采访时这样说道。因此,无论是歌唱家还是幕后的工作人员,都做出了更加“精细”的努力,比如,歌唱家在台上要随时保持表演的状态,不能因为“没有戏”就放松情绪;负责服化道的团队也要在服装、妆容、假发和皮肤的衔接等种种细节上多番调整,让平时浓重夸张的舞台妆更加适合电影观众的审美;后期制作则需要从收集到的众多片段中挑选出最好的时刻等。因此,探索歌剧电影放映的常态化尤为重要。

  据悉,从8月3日起到10月31日,在北京、成都、大连、杭州、无锡、上海、昆明、武汉、深圳、广州10大城市、22家影院的黄金时段将展映歌剧电影近400场,远远超过去年的200多场。王宁介绍,“影展期间,我们还将举办多场艺术家见面会、专题讲座等艺术普及活动。”观众可以更全面地了解歌剧知识,感受歌剧电影制作的台前幕后。观众只需以40元至100元不等的亲民票价,便可在家门口欣赏到来自世界知名剧院的经典歌剧电影。

  本届影展不仅是一场高水准的歌剧盛宴,更是一次星光璀璨的艺术盛会。指挥名家安东尼奥-帕帕诺、吕嘉、塞巴斯蒂安-朗-莱辛,歌唱家普拉西多-多明戈、乔纳斯-考夫曼、安娜-奈瑞贝科、李永勋、戴安娜-达姆娆以及京剧表演艺术家尚长荣等中外著名艺术家都将亮相大银幕,奉上最具魅力的歌剧盛宴。

  (本报记者 牛梦笛)

·民族歌剧《贺绿汀》为上音歌剧院启幕亮灯

2019-08-18 13:40:16

  远观位于淮海中路和汾阳路交界处的上音歌剧院,优雅而又不失朴素的淡黄色外立面,与周围街道、上海音乐学院内的建筑形成协调“对话”;走进剧场,波浪般的蓝色座椅与舞台顶部的星光辉映,别是一种璀璨华丽。记者昨天获悉,上音歌剧院将于今年9月开始试运营,以民族歌剧《贺绿汀》、纪念上海解放的音乐剧《春上海1949》等献礼新中国70华诞。其后,意大利斯卡拉歌剧院将携豪华阵容代表作《魔笛》《假扮园丁的姑娘》前来道贺,共同见证上海淮海路上的文化新地标,为亚洲演艺之都的夜色增添新的华彩。

  “上音歌剧院地处历史文化风貌区且毗邻地铁站,在施工条件有限的情况下历时不到四年完成建设,不仅创下上海文化场馆建设的闪电速度,也圆了我们几代上音人的梦!”上海音乐学院院长廖昌永介绍,上音歌剧院的硬件设施达到世界一流水平,除满足全院各学科教学、研究和实践所需,还将面向社会和公众开放。“它集文艺演出、艺术普及、原创孵化、国际交流为一体,力争将音乐融入城市血脉,助力上海文化品牌建设,彰显上海城市精神。”

  座椅背后有字幕显示屏,硬件设施对标世界一流场馆

  沿着淮海路一直走,马路两边是申城顶级商圈,毗邻淮海中路的汾阳路闹中取静,背靠徐汇衡复风貌区,艺术积淀十分浓厚。由于不远处还分散着多条地铁线路交汇中转站点,歌剧院特别采用“全浮隔振”技术,使整个建筑物悬浮于弹簧隔振器之上,最大限度减少外界振动带来的影响。它也是国内首座采用整体隔振技术建造的全浮结构歌剧院。

  据上海音乐学院副院长侯立玉介绍,剧院的主体——1200座中型歌剧厅内,设有具备开合功能的乐池、可升降的反声板,能为歌剧、交响乐、民族交响乐、音乐剧等各类声乐、器乐演出提供一流声场效果。同时,剧场设有一个悬挂式储藏的芭蕾舞台,能满足各种大型芭蕾舞剧的演出。在这幢地下三层、地上五层,最高处建筑高度为34米的综合体里,还有歌剧、管弦乐、合唱、民乐四个排演厅,以及一个专业学术报告厅。

  上音歌剧院还有更多设计细节,都旨在为观众营造舒适的观演体验。如歌剧厅内的马蹄形结构让观众更贴近舞台,即使身在三层也不会觉得太过遥远。座椅后方字幕显示屏,可提供包括中文在内的九种不同语言的字幕切换,这一技术更是和维也纳国家歌剧院等国际顶尖歌剧院同步。

  依托上海音乐学院资源,让高雅艺术走进更多市民

  有了顶尖的硬件设施,软件管理也得跟上。为此,上海音乐学院专门成立了上音歌剧院管理委员会和上音歌剧院管理中心,以后还会成立上音歌剧院艺委会。廖昌永以“上音主体、歌剧特色、学术高地、市场运营”16字,概括上音歌剧院的发展方向。歌剧院旨在充分整合上音优质资源,展示学院教学、国际化办学和创作实践成果,以专业运营团队面向社会服务大众并推动歌剧在上海的普及。

  据上音歌剧院管理中心主任冯岚介绍,歌剧院未来全年计划上演五至十部轻歌剧、室内歌剧及民族原创歌剧,同时结合上音已有国际渠道和合作项目,引进具有实验性、创新性的歌剧。此外,上音歌剧院还增加演出教学相结合的活动,欢迎国际乐坛新星和名家大师来沪首演首秀,并推动更多国内新作在这里诞生。

  金秋10月,意大利斯卡拉歌剧院在带来的两部经典歌剧之外,大师班、开门排练、后台探访等活动也将向社会大众开放。此外,第21届中国上海国际艺术节20余台中外重点演出也将陆续登台。

·上海成维也纳名团中国大陆首秀唯一站

2019-08-18 13:39:13

  上海大剧院在昨天下午揭开2019-2020全新演出季。新的演出季以“焕彩,一如初见”为主题,自今年9月起,将有歌剧、芭蕾、戏剧、戏曲、音乐等类别的180多台500多场演出陆续上演。届时,不少名团大家将在上海大剧院带来首演首秀。其中最受瞩目的演出之一,莫过于有着150年历史的维也纳国家芭蕾舞团将首次以全团的豪华阵容来华演出两台舞剧《海盗》《玛丽王后》,而上海大剧院将是该团此行在中国大陆的唯一一站。此外,国际乐坛与考夫曼、维拉宗并称“新三大男高音”的胡安-迭戈-弗洛雷兹也将首次开启亚洲巡演,在上海大剧院带来独唱音乐会。

  打造名团大师的首演首秀地

  维也纳国家芭蕾舞团原名为维也纳国家歌剧院芭蕾舞团,于2010年更名。与此同时,巴黎歌剧院芭蕾舞团的明星舞者曼努埃尔-勒格里斯成为舞团艺术总监,为这支历史悠久的舞团注入全新活力。此次来华,舞团将带来两部不同风格的完整舞剧,分别是勒格里斯编导的《海盗》和帕特里克-德-巴纳编导的《玛丽王后》。《海盗》是第一部以男舞者为主角的舞剧,以拜伦同名诗作为灵感。此次上演的版本,是勒格里斯作为明星舞者退役后,于2016年为维也纳国家芭蕾舞团全新打造的第一部舞剧。《玛丽王后》则是上海观众熟悉的著名编舞帕特里克-德-巴纳与舞团合作的舞剧,以现代手法试图展现两百多年前的法国宫廷秘史。

  在音乐方面,男高音胡安-迭戈-弗洛雷兹的到来,让古典乐迷为之兴奋。胡安-迭戈-弗洛雷兹被誉为古典歌唱界“孤独的领跑者”,也是当今国际乐坛公认的“新三大男高音”之一。年末他将在上海大剧院举办独唱音乐会,为沪上观众带来普契尼、威尔第、多尼采蒂等多位作曲家的经典歌剧唱段。著名钢琴家、指挥、上海歌剧院院长许忠感慨,他的风格不是瓦格纳的“英雄男高音”,而是能够演绎《军中女郎》中连续九个“HighC”的爆发型选手。

  据悉,莫斯科国立斯坦尼斯拉夫斯基和涅米罗维奇-丹钦科音乐剧院的柴可夫斯基歌剧《叶甫盖尼-奥涅金》将为新演出季揭幕。该剧院与中国的缘分长达一个甲子。早在1954年,剧院就曾携歌剧《叶甫盖尼-奥涅金》《暴风雨》、芭蕾舞剧《天鹅湖》《巴黎圣母院》赴京演出。尽管只在北京站惊鸿一瞥,还是在当时的中国引发了热烈讨论。此次将献演的“看家戏”歌剧《叶甫盖尼-奥涅金》,是2007年的版本,十分令人期待。

  推动国内原创与传承探索

  国内板块同样有两部久别重逢的作品。9月18日演出的话剧《德龄与慈禧》未演先热。这部由何冀平编剧的作品,讲述了十九世纪末,受西方教育的清朝德龄郡主在紫禁城的故事。这部话剧1998年在香港首演,时隔多年后由内地制作团队、天津人民艺术剧院联合香港话剧团携手推出。除了角色本身一老一小的强烈戏剧对比所带来的话题度,演员阵容也值得一提。92岁的著名艺术家卢燕将出演慈禧,携手濮存昕、江珊、黄慧慈、郑云龙在两场演出中亮相。目前在北京场的售票可用“秒杀”来形容。大剧院总经理张笑丁透露,上海场将通过“实名制”方式购票验票,让观众以实价走进剧场。

  另一部在中国上海国际艺术节期间亮相的京剧《大唐贵妃》也让戏迷翘首以盼。这部根据梅兰芳名剧《太真外传》改编的作品当年就是在上海大剧院首演的,今年将由京剧名角史依弘、李军领衔主演,以上海京剧院的全新制作重返大剧院的舞台。

  相比前两部作品,作为上海大剧院首部独立出品的原创剧目,当代昆曲《浮生六记》在调整后将于11月二度上演。七月首演时仅演出了一场,着实吊足戏迷胃口。该剧让观众们在笙箫管笛响处走进沈复与芸娘的故事。

  上海大剧院希望随城市发展而升级剧院功能,打造成一个融合演出、制作、文博、美育的综合性艺术机构。与新演出季一同发布的还有上海大剧院剧院艺术馆的推出计划。据悉,朱德群《复兴的气韵》和丁绍光《艺术女神》等画作,将成为艺术馆首批馆藏艺术品。

·再现《乐经》原貌

2019-08-18 13:37:09

  ——读《乐经集》

编者按

  我们在谈论中国传统文化时,常以“四书五经”为代表。然而,对于儒家的经典,早在先秦,已有“六经”一说。《庄子-天下》篇中载,“六经”指《诗经》《尚书》《礼经》《易经》《乐经》和《春秋》。而秦汉以后之所以不见《乐经》,有人认为是毁于秦始皇的“焚火一炬”,有人则认为历史上原本就不曾有过《乐经》。那么,早期中国到底是否存在过《乐经》?假设《乐经》存在,它又记录了哪些内容?日前,新世界出版社出版的一本《乐经集》,引起了一些学者的关注。该书借助“中国古典数字工程”之古典文献数据库,将散落于多种文献中的《乐经》断简残简汇集复原出来。本期光明悦读版特邀三位学者,共话传说中的《乐经》。

  《乐经》是我国重要的古籍之一。可惜,该书久已佚失。其内容仅以“乐”“乐记”或“乐书”等名号存留,因而不仅引用纷乱,传抄亦可能有所走样。“中国古典数字工程丛书”编委会做了大量艰苦工作,搜集许多相关材料,在编辑《中华史表》《炎帝集》《黄帝集》《老子集》等的同时,还编定了这本《乐经集》,尽可能予以弥补和完善。

  钱锺书先生曾有言:“六千五百年中华文化,其核心为汉字记录之典籍。我们的文化,很好的文化,是一个个中国人所创建;‘经史子集’和外来图书分类法,不足以全面呈现中华文化。”“自信开拓万古之心胸”的钱锺书先生,深信文化和电脑的联姻,能够大力推进中华文化的复苏。近30多年来的实践确已证明,“中国古典数字工程”有可能取得辉煌的成功。

  以眼前的《乐经集》卷一《乐记》部分为例,收录了《乐本》《乐论》和《乐施》三篇。《乐本》篇说:“乐者,音之所由生也,其本在人心之感于物也。是故,其(以)哀心感者,其声噍以杀;其(以)乐心感者,其声啴以缓;其(以)喜心感者,其声发以散;其(以)怒心感者,其声粗以厉;其(以)敬心感者,其声直以廉;其(以)爱心感者,其声和以柔。六者非性也,感于物而后动。是故,先王慎所以感之者。故礼以道其志,乐以和其声,政以一其行,刑以防其奸。礼乐刑政,其极一也,所以同民心而出治道也。”《乐论》篇较长,但有些话语颇为精当,如“礼义立则贵贱等矣,乐文同则上下和矣”,“乐至则无怨,礼至则不争”,“揖让而治天下者,礼乐之谓也”。《乐施》篇特意提到了舜的治理:“昔者,舜作五弦之琴,以歌南风,夔始作乐,以赏诸侯。故天子之为乐也,以赏诸侯之有德者也。”上述三篇都突出强调了最有意义之文化精神。

  《史记-乐书》中记述:“先王之为乐也,以法治也,善则行象德矣。”在《史记-乐书》中,有些段落明确地说:“礼节民心,乐和民声,政以行之,刑以防之。礼乐刑政四达而不悖,则王道备矣。”可见,在司马迁的心目中,虽也认为“乐者,乐也”,“乐极和,礼极顺”,但他根本上是从“礼乐刑政四达”的角度来理解“乐”的。他认为:“为乐不可以为伪。”所以,他才坚信:“知礼乐之道,举而措之,天下无难矣。”

  荀子对音乐的看法,大致也和司马迁相似。

  墨子对音乐的看法,则有较大不同。他认为乐有多种多样,不主张音乐必须都有社会功利性,而认为音乐应该体现人自身的感情,满足人感情生活的多样化需要。所以说:“以知饥而食之者,智也。”

  魏文侯曾经在子夏面前说过老实话,讲过自己的心理状态。他说:“吾端冕而听古乐,则唯恐卧;听郑卫之音,则不知倦。敢问古乐之如彼,何也?新乐之如此,何也?”司马迁作为后人,同样也在《史记-乐书》中作了回答,正面讲了道理,批评了他:“君之所好者,其溺音乎?”魏文侯接着又问:“敢问溺音,何从而出也?”子夏对曰:“郑音好滥淫志,宋音燕女溺志,卫音趋数烦志,齐音敖辟骄志,此四者,皆淫于色而害于德,是以祭祀弗用也。诗云:肃雍和鸣,先祖是听。夫肃肃,敬也;雍雍,和也。夫敬以和,何事不行?为人君者,谨其所好恶而已矣。”

  同样在卷一内,书中还提示:“圣人作为鞉、鼓、椌、楬、壎、篪,此六者,德音之音也。然后钟磐芋瑟以和之,干戚旄狄以舞之,此所以祭先王之庙也,所以献酬酭酢也,所以官序贵贱、各得其宜也,所以示后世有尊卑长幼之序也。”

  据《乐纬》之十记载,中国历代帝王的音乐不但因季节月份而有异,也因朝代而各有变化。如:黄帝之乐曰“咸池”,颛顼之乐曰“五茎”,帝喾曰“六英”,尧曰“大章”,舜曰“箫韶”,禹曰“大夏”,殷曰“大濩”,周曰“酌”,又曰“大武”“周礼”。奏大乐皆以钟鼓,但调子以清和上升为主,使天下人乐于接受。其间殷汤曾“改制易正,荡涤故俗”。而周武王则承命兴师,诛于商(纣),万国咸喜。军渡孟津,前歌后舞。克殷之后,民乃大安,家给人足,酌酒郁摇。(《艺文类聚》卷十二)

  《后汉书》曾谓:“五乐皆得,则应钟之律应。天地以和气至,则和气应。和气不至,则天地和气不应。钟音调,下臣以法贺主。鼓音调,主以法贺臣。磬音调,主以德施于百姓。琴音调,主以德及四海。八能之士常以日冬至成天文,日夏至成地理。作阴乐以成天文,作阳乐以成地理。”(《后汉书-志第五》)

  可见,中国在后汉之前(也就是公元前),早已建立了有相当基础的音乐理论,制造了品种多样的乐器(如钟、磬、笙、鼓、管、笛、竽、弦),更建立了较为完整的音乐管理制度和规则,这是相当了不起的。“孔子曰:丘吹律定姓,一言得土曰宫,三言得火曰徵,五言得水曰羽,七言得金曰商,九言得木曰角”(《乐纬-五行大义卷第一》),这些都已是他的切身体验。

  总之,《乐经集》内容和色调都是相当丰富多样的。有时侧重系统性论述,有时提出某些发人深省的问题,有时还收录若干有趣的故事(如乐人窦公13岁就双目失明,而居然能活到180岁,可能就得益于音乐生活的帮助)。在此,我想引录眼下《乐经集》(卷一)内以下这段文字,表达我对“中国古典数字工程丛书”编委会和钱锺书先生的尊敬和感激之情:

  是故,乐在宗庙之中,君臣上下同听之,则莫不和敬。在族长乡里之中,长幼同听之,则莫不和顺。在闺门之内,父子兄弟同听之,则莫不和亲。故乐者,审一以定和,比物以饰节,节奏合以成文,所以合和父子君臣,附亲万民也,是先王立乐之方也。

  (作者:严家炎,系北京大学文科资深教授)

·儿童歌曲要写好,童心童趣少不了

2019-08-18 13:32:30

  “成人歌曲那么多,少儿歌曲却不然。这几年我特别关注儿童歌曲,前阵子我在编儿童音乐教材,我的外孙女冷不丁地和我说:‘姥爷,现在谁还唱儿歌?’我大吃一惊,她还在上小学就已经不唱儿歌了,他们都被动漫、网络和明星等影响,已经很成熟,出现了‘早稻现象’。针对这种儿童的‘早稻现象’,我们如何能在孩子的幼儿时期让他们有新鲜的儿歌唱,让他长大以后还能有点乡愁滋味,而不致全受欧美文化影响?”8月5日,在由中国音协流行音乐学会支持指导,中国国际经济技术合作促进会主办,由付林、樊孝斌等数十名全国知名词曲作家和音乐人以及火烈鸟唱片联合倡议发起的“新时代十大少儿金曲”创作工程启动仪式上,这项工程的倡议者之一、中国音协流行音乐学会会长、著名词曲作家付林直陈现状,直指问题,并与诸多艺术家们一起呼吁全国的音乐界同仁一起行动起来,为今天和未来的孩子们创作一批符合时代特色、极具当代审美、易于大众传播的新时代儿歌作品,同时以此向新中国成立70周年送上美好的祝福。

  儿歌与童谣,是每一个人一生中最难忘的记忆。《我爱北京天安门》《小松树,快长大》《让我们荡起双桨》《春天在哪里》《歌声与微笑》《娃哈哈》《采蘑菇的小姑娘》等脍炙人口的经典儿歌曾经陪伴和激励了共和国的几代人,那些节奏轻快、朗朗上口的韵律和歌词,以及洋溢在字里行间的精神追求,令其传唱至今仍经久不衰地影响着今天的孩子们。新中国成立70年来,尤其是改革开放以来的40载,中国音乐冲破藩篱,迅猛发展,在流行音乐、古典音乐等各种类别的音乐创作中都取得了丰硕成果,很多作品已经成为一个时期甚至一个时代的标志。但是少儿歌曲创作发展与进步的幅度相对不足,新创作的、能广为传唱的属于当下时代的儿歌乏善可陈。新时代的孩子,除了传唱传承经典,还能否有自己的歌可以唱?当下音乐创作者能否创作出更多真正属于孩子的儿歌,助力当下儿童歌曲创作发展?这正是该创作工程想破解的难题。

  “新时代确实应该好好关心一下少年儿童有没有歌可唱了。当代的少儿歌曲,与我们当年听的有很大不同,所处的社会和语言环境等各方面都完全不一样了,当下孩子的成熟度也很高,所以当代的儿歌创作一定要了解当代儿童的心理和诉求。这次活动正好让很多年轻作家走进儿童的心里,写出属于他们这个年代的歌,免得孩子天天唱爱情歌曲,天天跟着成人或明星唱那些他们根本无法理解的歌曲。”创作过《好人好梦》《奥林匹克情》《向天再借五百年》等优秀作品的著名词作家、音乐制作人樊孝斌如是说。

  在樊孝斌看来,中国文化教育、国学教育、道德教育以及人格教育等方面都非常重要,过去我们似乎过度夸大了孩子的承受力,每一个少年儿童都是一点点成长起来,应该把是非善恶等最基本的道理告诉他们,但不要给他们灌输太多空洞的说教。“我们现在很多人往往把歌词写得无比大、无比空,这种儿歌孩子不爱唱,最起码的情趣在哪儿?童趣在哪儿?要在童趣和情趣里找到他们成长所需要的那些营养。”

  曾经创作出《太阳最红毛主席最亲》《妈妈的吻》《小螺号》《小小的我》等诸多优秀歌曲,并在创作上不断探索追求的付林则认为,当下儿童或少儿歌曲创作应该注意创作的姿态问题。“创作要有基本态度,不能盲目地去写,那种够不着的东西对孩子是有伤害的,比如让孩子唱爱情的、特别缠绵的、软弱无力的歌曲。很多教育机构把成年人喜欢的东西教给孩子,这是有问题的。比如跪在地上呐喊、声嘶力竭的摇滚,小孩子也是不懂的。我们很多所谓的创新歌曲是不适合儿童唱的。”付林说。

  另外,付林指出,很多儿童歌曲创作过多地注入了思想性并不高的宣传语言。“昨天我看了一个少儿演出,孩子们演唱和朗诵的全部是大人的语言,他们完全不懂。我们的创作还是要抓住童心和童趣。”同时付林表示,儿童歌曲创作也要抓住流行趋势,感受当下时代文化新风。儿歌的节奏律动语言往往更加简练,更加反映本真,而非虚假或套话。“针对儿童的歌曲应该表现一种真实的快乐、真实的阳光,给予一种积极向上的力量,而不是口号式的。比如儿歌《你笑起来真好看》里的歌词是日常的、普通的话,但能迅速被孩子和成人接受,这就给我们提供了很好的案例。创作者应该认真研讨,创作出比我在上世纪80年代写的《小螺号》更进一步的作品。当下创作应该更贴近现在的儿童,不一定要赋比兴以及形容词排比句,我们要更加直截了当写出孩子的心里想的是什么!”

  此次创作工程的主办方之一《歌游中国》组委会拥有的艺术创作委员会,聚集了付林、平远、李勤、孟文豪、樊孝斌、邹铁夫、化方、臧云飞、龙伟华、老猫、云剑、秦万民、冯世全、赵小源、董乐弦、文子、浮克、崔恕等数十名全国知名词曲作家和音乐人,希望努力为今天和未来的孩子创作。据了解,除了创作团队,《歌游中国》组委会还将与战略合作伙伴火烈鸟唱片进行合作,推出一张唱片、一部电影和一部百集少儿室内剧。

·关金芳:唱好兴安岭上的“赞达仁”

2019-08-18 13:30:17

  7月21日凌晨5点,64岁的关金芳拖着行李箱走出她位于黑龙江大兴安岭的家。历经汽车转飞机再转汽车,当天夜里10点多,关金芳来到云南省楚雄彝族自治州的入住酒店。对此,关金芳非但不觉得疲惫反而特别兴奋,因为她是前来参加2019中国原生民歌节唯一的黑龙江民歌手。作为鄂伦春族民歌的国家级代表性传承人,关金芳说,这一次不仅要把鄂伦春族民歌唱好,还要向专家、同行们汇报一下近年来发生在她所在的小村庄里的事情。

  这个小村庄是黑龙江省大兴安岭地区呼玛县的鄂伦春族聚居村——白银纳鄂伦春族乡白银纳村。鄂伦春族是我国人口较少的民族之一。在鄂伦春语里,“山歌”被叫做“赞达仁”。“赞达仁”是鄂伦春族这个过去以游猎为生的民族主要的歌唱艺术形式,也是他们游猎生活中的沟通媒介。

  关金芳说,她从小就喜欢跟村里的老人们学唱民歌。在村里,听到谁家传出了好听的歌,她会立刻拿出小本子和笔,用专门学来的简谱记录下旋律,并记下歌词。直到2004年的一天,这份喜爱突然间变得沉甸甸。

  那天,关金芳接到了内蒙古自治区呼伦贝尔市鄂温克族自治旗文化馆干部丽娜的电话,邀请她去北京参加中国音乐学院图书馆特色馆藏项目“中华传统音乐文化资源建设库”的采集录制。

  那是关金芳第一次去北京。一肚子的民歌唱哪几首好呢?穿什么服装去更合适?放下电话,关金芳就去找村里最年长的关扣妮老人商量。最后她俩决定,要唱就唱风格和调式完全不同的歌。尽管丽娜在电话里说此次去唱上两三首歌足矣,但是两人还是一首一首讨论后斟酌选出了13首备选歌曲。为了此次录制,关金芳还特意做了一件极具代表性的鄂伦春族服饰。

  那次的录制特别顺利,但录制完成后,关金芳心事重重。她回到呼玛县后的第一件事就是去找县长汇报了组建鄂伦春民间艺术团的想法。她说,北京之行让自己“仿佛沉睡多年后突然惊醒一般”,发觉鄂伦春族文化流失得太多了,必须得把它们捡回来,让村里人都意识到作为中华优秀传统文化一部分的鄂伦春文化的魅力。

  为了组建艺术团,她开始教年轻人唱歌。白天要上班,她便晚上教;孩子们住得分散来家里学不方便,她就打电话教。那段时间,几乎每天她都要拿着电话从晚上7点教到凌晨1点。“每天我的手机都是发烫的,每个月的电话费要五六百元。”关金芳说,把本民族的文化传承给年轻人是她最重要的责任和使命。

  2006年,鄂伦春民间艺术团渐渐有了样子。起初,他们在村里的十字路口、村民小院里演出;后来,他们到北京、哈尔滨、福建、广东等更多地方演出。除了唱鄂伦春族民歌,孩子们还学会了鄂伦春族传统舞蹈。

  关金芳做了100多件不同时期、不同用途的鄂伦春族传统服饰,民间艺术团的孩子们穿着这些衣服还搞了一次服装秀。关金芳给这次服装秀起了一整页纸的名字,最终决定叫“从远古走来”。她说,希望村里的年轻人透过这些服装了解到鄂伦春族的文化是怎样一步一步、一代一代从远古走来的。

·国内首个全浮结构歌剧院揭开面纱

2019-08-18 13:28:02

  汾阳路和淮海中路路口有一个角落,被高高的白色围挡遮住将近三年。当围挡终于拆除,一座充满几何与空间思考的建筑露出峥嵘。上海音乐学院院长廖昌永将这里称为“梦开始的地方”,这就是10月即将正式运营的上音歌剧院。今天,上音歌剧院将首次对媒体开放,这座声音的殿堂究竟有何奥妙?

  歌剧厅就是一件乐器

  “一座歌剧厅本身就是一件乐器。”这是上音歌剧院的设计方之一包赞巴克建筑事务所对于建筑的定位。近年来,上海的新剧院如雨后春笋般接连冒出。其中,以“歌剧”二字命名的上音歌剧院,意味着必须在声音上精益求精。在世界各地演出过歌剧的廖昌永说,歌剧对剧场的硬件设施要求极高,只有极少剧院可以达到标准。上海这座国际文化都市一直在等待着属于自己的歌剧院,同时,这座歌剧院也是上海音乐学院几代艺术家的期待与梦想。

  上音歌剧院总建筑面积31926.42平方米,是一幢8层综合体。地下3层,地上5层,最高处建筑高度为34米。上音歌剧院是国内首个采用整体隔振技术建造的全浮结构歌剧院,由法国包赞巴克建筑事务所、同济大学建筑设计研究院(集团)有限公司、徐氏声学、英国剧院设计咨询公司等中外团队联合设计,集专业歌剧演出与教学为一体。未来,上音歌剧院不仅将为上海音乐学院师生提供教学实践和国际文化交流的场所,也将为观众呈现国内外高水平演出,为上海的歌剧表演艺术和国内外优秀音乐、戏剧和舞蹈等各门类艺术家提供表达情感与实现梦想的舞台。

  希望成为有温度的歌剧院

  包赞巴克是法国首位获得建筑界最高奖普利茨克奖的建筑师,注重空间的自由、愉悦与流动感,也擅长处理建筑的体量、材料与光线。从外观来看,上音歌剧院整个外立面的线条如行云流水,贯穿上下的巨型落地玻璃窗在夜晚透出温暖的灯光。歌剧院内部拥有一个采用传统的U形声学模型的中型歌剧厅,同时考虑从传统到现代多种演出形式的回响时间差异后,做出创新的设计。由于歌剧院靠近轨交1号线,为了隔振降噪,设计采用弹簧阻振器的方式构成“全浮”结构。设计巧妙的可移动天花板和装饰板石棉,能够改变歌剧院内部容积,呈现出最佳混响效果,适应不同演出形式。歌剧院还配有歌剧、管弦乐、声乐和民乐四个排演厅。两层高的入口大厅在建筑中作为公共空间如阳台及各个功能厅的连接,也是建筑内部与外部的连接。门厅带有缤纷色块的天花板塑造了空间的节奏感,为观众进入歌剧厅后沉浸于真正的音乐节奏预热。

  未来,上音歌剧院将呈现怎样的演出内容?廖昌永表示,上音歌剧院希望成为陪伴市民大众、音乐爱好者的有温度的歌剧院。歌剧看似是“在云端”的高雅艺术,歌剧院将坚持不懈地挖掘优质内容,与大众沟通共鸣,以专业贴心、注重细节的服务走进观众的心里。

·第三届艾萨克-斯特恩国际小提琴比赛新增获奖选手赛后音乐会

2019-08-18 13:24:28

  作为上海文化品牌中崛起的一颗新星,第三届上海艾萨克-斯特恩国际小提琴比赛将于2020年8月4日至25日举办。赛事组委会昨天宣布全球报名启动,青年作曲家周天的《第二小提琴协奏曲》将作为决赛必选中国曲目亮相。明年是艾萨克-斯特恩诞辰100周年,赛事将增设获奖选手赛后音乐会,以纪念这位中国人民的老朋友。

  22天赛程为历届最长

  第三届上海艾萨克-斯特恩国际小提琴比赛启动后,在线报名申请时间截至明年1月20日。明年8月来沪参赛的选手,将要面临四分之一决赛、半决赛和决赛的考验。“本届赛事赛程共22天,为历届最长。”组委会执行主任、上海交响乐团团长周平说。

  1979年,世界著名小提琴大师艾萨克-斯特恩来中国访问,在北京演奏了莫扎特的《G大调第三小提琴协奏曲》,他是西方第一位来华演出的小提琴大师。除举办音乐会外,斯特恩还花了大量时间访问中央音乐学院与上海音乐学院,将他的演奏智慧传授给中国学生。他的中国之行被拍摄成纪录片《从毛泽东到莫扎特》,在西方世界引起强烈反响,一举夺得1981年奥斯卡最佳纪录片奖。

  明年是艾萨克-斯特恩诞辰100周年,以他名字命名的这项国际赛事,将用一场以《从毛泽东到莫扎特》这部纪录片为主题的音乐会来纪念。组委会透露,这场音乐会将在比赛结束后进行,由获奖选手们来演绎,还将邀请当年在这部纪录片中出现过,受到过艾萨克-斯特恩指点的部分音乐家出席。

  此外还有艾萨克-斯特恩人文精神奖评选,“大师印迹”系列微信推送,艾萨克-斯特恩百年回顾照片展等,将全方位展示这位大师的成就和对中西文化交流的巨大贡献。

  用赛事讲述中国故事

  组委会还揭晓了大赛评委阵容。由评委主席、著名指挥家大卫-斯特恩和著名小提琴演奏家、教育家徐惟聆领衔的评委会,囊括古典乐经纪行业传奇人物马丁-坎贝尔-怀特,小提琴家、教育家格伦-迪克特罗,世界级音乐厅演出负责人埃马纽埃尔-翁德雷,小提琴演奏家、中外享有盛名的室内乐组合创始人李伟纲,青年小提琴演奏家宁峰,著名小提琴家、教育家及室内乐组合创始人菲利普-塞策,著名小提琴家、教育家哈加伊-沙哈姆,著名小提琴家、指挥家与教育家乔尔-斯米尔诺夫,著名小提琴演奏家、教育家竹泽恭子,格莱美获奖者、著名弦乐演奏家马克西姆-文格洛夫,著名大提琴家王健。

  13位评委都是古典音乐行业各领域的领军人物。周平表示,在邀请评委时,就考虑到一名小提琴选手未来发展所需的各个维度的指导。“组委会和每位评委都有协议,确保每轮比赛之后未能晋级的选手可参与选手咨询会,和评委一对一探讨需要改进的地方;进入决赛的选手也有咨询会,助力他们进一步提升。”

  备受关注的比赛曲目同日发布。徐惟聆用“最贝多芬”形容大赛的曲目设计。明年是贝多芬诞辰250周年,赛事在预选、半决赛、决赛各环节都加入了贝多芬作品,如《D大调小提琴协奏曲》等。向世界推介中国原创作品已成为赛事传统,在赛事创办伊始,组委会就特别设立“最佳中国作品演绎奖”。何占豪、陈钢的《梁祝》和陈其钢的《悲喜同源》曾在前两届被先后奏响。组委会透露,第三届赛事决赛中必选的中国曲目,将是上海交响乐团2019—2020音乐季新任驻团作曲家周天的《第二小提琴协奏曲》,这是上交最新委约作品。

  美籍华裔作曲家周天是从上海音乐学院附中走出去的。他的《乐队协奏曲》曾获第60届格莱美奖最佳当代古典音乐作曲奖提名。“他的音乐语言既是中国的,也是国际的。”在比赛组委会主任、上海交响乐团音乐总监余隆看来,艾萨克-斯特恩国际小提琴比赛的意义,不仅止于技术或乐器比拼,更重要的是通过比赛搭建一个关于中国故事的桥梁,“音乐是消除文化隔阂的最好方式,在演奏中国曲目的同时,每位参赛选手都是中国故事的传播者和体验者。”

·用优美的旋律报效祖国

2019-08-18 13:22:14

  我找到了“阳春白雪、和者日众”的事业目标,立志要“急社会之所需,尽自己之所能”,做一颗称职的螺丝钉,报效我的祖国。

  在广西的大瑶山、大苗山和十万大山里,以及在闽东畲族地区的音乐采风中,我体验到音乐是人民创造的,是人民的生活所需,音乐家应当与人民共享自己的才华与成果。

  今年是新中国成立七十周年。七十一年前,十九岁的我投奔解放区,学了革命道理,才懂得人生应该有崇高的目标;在文工团里学了毛泽东文艺思想,才知道音乐工作者的任务是为人民大众服务。接下来的三十年,我得到国家的悉心培养,在国内外的顶级音乐学院,在祖国广袤的田野,在飘溢着美妙歌声的少数民族居住的山间,在纪律严明的部队营房里,接受专业训练、思想教育,获得人生的历练。在世界上女指挥普遍不受欢迎的年代,我已成为中央歌剧院首席指挥、中央音乐学院指挥系主任,成为一个享有崇高社会地位的女指挥。同时,我找到了“阳春白雪、和者日众”的事业目标,立志要“急社会之所需,尽自己之所能”,做一颗称职的螺丝钉,报效我的祖国。

  上世纪五十年代,我参加了两期由国家民委组织的对我国少数民族进行慰问演出和社会历史调查的工作。在广西的大瑶山、大苗山和十万大山里,以及在闽东畲族地区的音乐采风中,我体验到音乐是人民创造的,是人民的生活所需,音乐家应当与人民共享自己的才华与成果。

  上世纪七十年代,一次在太行山区为三线工厂演出后,一群大嫂大姐们来到我的驻地看望我,她们激动地对我说,“看到您的胳膊这么一甩,那么多大老爷们都得跟着您转,真厉害!”我永远忘不了那些热切发亮的眼睛,姐妹们对“男女都一样”的期待,也成了永远推动我前进的责任和动力!

  1955年初,对指挥一无所知的我被选入苏联专家杜马舍夫的合唱指挥班,一年半后回到学院,协助黄飞立教授建设了新中国第一个指挥系。1960年,我又被派往苏联学习歌剧交响乐指挥。在苏联政府已不向中国留学生提供任何优越条件的环境中,我却在苏联友好师友的帮助下,于1961年为庆祝新中国成立十二周年,在克里姆林宫剧院举行了以中国作品为主的、我的第一场交响音乐会;又在1962年10月2日,获得了破例在莫斯科国立音乐剧院指挥一场难度很大的意大利歌剧《托斯卡》公演的机会。媒体报道了演出的成功和导师对我的高度评价,我成为第一个登上外国歌剧指挥台的中国人!那时我三十三岁。

  1978年,我四十九岁,有机会与中央歌剧院的老同志一起重建中国的歌剧院。在短短十年后的1988年,中央歌剧院带着中文版的西方经典歌剧《蝴蝶夫人》和《卡门》,参加了香港国际艺术节和芬兰萨沃林纳国际歌剧节,成功地登上世界舞台,境外媒体称赞中国歌剧的复兴表现出了“奇迹般的朝气和活力”!那时,一位芬兰瓦萨的资深歌剧协会主席非常看好我,接着五次邀请我去指挥他们的歌剧《蝴蝶夫人》《卡门》《波西米亚人》……她说,“以前没有一个客席指挥像你这样,为求更加完美的乐队效果,那么认真地为我们较小编制的乐队调整分谱,也没有人这么认真地给每位歌唱家指出他(她)演唱中的问题,以求改进!大家说,从你的手上竟可以看到总谱,你给我们带来了真正的普契尼风格!”接着她说,“郑,留下来吧,你要什么条件都可以!”我回答她:“谢谢你,我很高兴能与芬兰朋友们分享我的音乐经验,但我的国家更需要我!”

  也是1978年,我继续在中央音乐学院指挥系任教,也担任过系主任的职务,全体教师珍惜光阴,团结奋斗,教书育人,培养出了一批目前在国内外指挥岗位上卓有成绩的指挥家,如吴灵芬、陈佐湟、邵恩、水蓝、王进、吕嘉、俞峰、李心草、张毅、张弦……

  1990年,一个完全由志愿者组成的、旨在向年轻一代介绍中外传统经典音乐的非营利民办音乐团体成立了,这就是被我国著名作曲家瞿希贤誉为“低谷中的鲜花”的“爱乐女室内乐团”。她是由总政歌剧团的首席小提琴朱丽倡议,由我国大提琴协会主席司徒志文和我共同发起的。那时,一群来自文化部各直属团体的女音乐家们,为了让更多年轻人能徜徉在中外经典音乐艺术的世界中,在六七年里把优美的、“中西合璧”的室内乐送到上百所大中学校里去。我们边演边讲,不计报酬地演出了二百四十多场。我为这些快乐无私的姐妹们骄傲!

  1998年,我六十九岁时,应邀赴厦门参与创建了我国第一个公助民办的职业交响乐团。厦门爱乐乐团在十五年里健康发展,被中外舆论列入国家前列乐团。我们把表现客家人团结奋斗、念祖爱乡精神的交响诗篇《土楼回响》带到了亚欧美澳的十二个国家和地区,演出了七十多场,创了上演中国大型交响乐作品的最高纪录。《土楼回响》所到之处都受到热烈欢迎,我们不仅享受了通过西方熟悉的交响乐形式,在世界顶级的音乐厅里,向西方主流社会成功传播我国文化建设成果的喜悦,我还收获了意外的“亲情”——

  在《土楼回响》的终曲乐章里,作曲家要求我们邀请当地七八十位民众合唱团员与乐队一起互动,高唱客家山歌“你有心来俺有情,不怕山高水又深,山高自有人开路,水深还有造桥人”!我们没有在各地聘请合唱团的经费,可是我们却在柏林得到了一个有一半德国朋友踊跃参与的八十人合唱团,在旧金山得到了一个包含华人在内的二百四十人合唱团!悉尼的朋友也发来了有二百三十人参加排练的照片!当我到达排练现场,围过来的朋友七嘴八舌:“郑老师!当年‘爱乐女’来我们学校演出,我就坐在台前地板上仰望着您,你们的演出成了我永恒的纪念,它改变了我人生的追求!”“我妈妈说,在国内都难得见到郑老师,让我一定要来参加合唱团!”“我奶奶说,她听过您的讲座,让我一定要转达她的问候!”还有人献上一大束鲜花:“这是我妈妈和姐姐,我们全家人的心意!”……每每当全场观众伴随着激情澎湃的山歌节奏热烈击掌时,我都会被客家人对祖国的念想和热情感动,也沉浸在几十年与大众分享音乐成果的幸福之中!

  数十年弹指一挥间,感谢上苍给我一个健康的身体,还可以继续“尽自己之所能”,报效我的祖国!2015年我执棒了歌剧《岳飞》的首演,终于圆了黄安伦与我三十年来的一个歌剧梦;2016年在国家艺术基金的支持下,我得以最后一次率团赴澳洲上演《土楼回响》,圆了我的“土楼环球梦”;2017年在国家大剧院执棒马勒《尘世之歌》和《流浪青年之歌》的中文版,还出了唱片“交响的经典和入门”,圆了我抛砖引玉的“洋戏(曲)中唱”梦;2018、2019年我陆续在“爱艺术+”教学网站、厦门工学院和中央音乐学院指挥系留下了我的指挥法基础教学视频,为六十多年的指挥教学画了个句号;现在我还在期待2020年“爱乐女”回闪音乐会的梦能够实现……

  (作者为著名女指挥家)

·做“一带一路”民心相通的音乐使者

2019-08-18 13:20:04

  ——中国爵士乐团首次亮相里加国际爵士节

  在里加中国文化中心的支持和推动下,中国天场爵士乐团应邀参加了7月举办的第19届里加国际爵士节。这是中国的音乐团组首次登上拉脱维亚主流音乐舞台,也是波罗的海地区最具专业水准的国际爵士节举办19年来首次邀请中国爵士乐团参加。天场爵士乐团以融入浓郁中国民族音乐元素的原创作品,在众多来自欧美的杰出爵士乐团中独树一帜,带给拉脱维亚观众巨大惊喜。

  此次天场爵士乐团带来的《丝绸之路》《西域狂想曲》《西山晴雪》《夏日皇宫》《秋雨》《冬》《泪蛋蛋》《小树》《五大道》《哈密瓜岛》等曲目,全部由该团创始人孔宏伟创作,作品将爵士乐的曲式与中国民族音乐元素巧妙融合,通过爵士乐器与中国民族乐器的组合演奏,化为极富特色的中国民族爵士乐。其中,《冬》将脍炙人口的描写冬景的唐宋诗词,通过吟诵、演唱和爵士风格的演奏,把观众带入冬天的意境,体味中国的人文情怀;《夏日皇宫》中融入的三弦弹奏和秧歌调,则让人感受到中国不同地域的风情;《泪蛋蛋》采用的陕北民歌,更赋予曲目极强的感染力。

  里加国际爵士节期间,天场乐团分别在里加会议中心和市中心极具人气的EGLE露天音乐舞台演出两场。在里加会议中心的演出是本届爵士节的压轴戏,同台演出的还有今年4月在里加国际爵士钢琴比赛中摘得桂冠的中国青年钢琴家阿布。中国的民族爵士乐首次亮相,丰富了爵士节的表演风格,给观众带来耳目一新的艺术体验。中国音乐家的精彩表演获得经久不息的掌声,为爵士节画上了圆满的句号。观众纷纷称赞中国爵士乐表演别具一格,认为每位演员都展示出高超的专业水准。“演出实在太棒了,来自中国的音乐令人震撼!”拉脱维亚大学孔子学院院长、80多岁高龄的汉学泰斗贝德高激动地说。

  中拉两国主流媒体也高度关注天场爵士乐团的访演,推出众多相关报道。拉脱维亚俄文日报《今天》在报道中写道:“重量级的中国艺术家参加了第19届里加国际爵士节,该节的最后一场音乐会由来自北京的爵士乐团演出,他们在音乐会上表演了一系列独特的节目……”报道还评价孔宏伟创作的乐曲既有传统味道又极具个性特色,称赞冯满天演唱的乐曲《冬》具有非同寻常的风采。

  天场爵士乐团此次赴拉脱维亚,不仅通过表演展示了中国艺术家的技艺和风采,还通过各种交流活动,增进了当地民众对中国民族器乐和中国文化的了解。

  天场爵士乐团到访里加的第一天,里加国际爵士节组委会便安排乐团成员到拉脱维亚国家电视台参加早间直播节目,就中国传统乐器的演奏特点以及与爵士乐的结合等进行介绍。中国艺术家的表现获得了广泛赞赏,节目刚一播出,导播就收到各方打来的电话,夸赞这期节目十分精彩。

  正式演出前,主办方又邀请乐团成员在拉脱维亚广播电台第一演播室与当地的古筝和“库克勒”琴(拉脱维亚民族弹拨乐器)爱好者进行交流。当地参与者兴致勃勃地观看了中国民族乐器的演奏展示,对中国民族乐器的历史、构造和制作方式产生了浓厚兴趣,现场气氛十分热烈。

  为使乐团能够更多地与当地人互动,里加中国文化中心还组织了一场联谊活动,邀请拉脱维亚作曲家、“库克勒”琴演员及艺术界相关人士与乐团成员联欢,通过表演各具特色的节目和开展深入交流,增进彼此间的了解和友谊。

  爵士乐起源于美国的新奥尔良,100多年前传入英国并逐渐风靡欧洲,在当今的拉脱维亚是最受欢迎的音乐形式之一。但当地人对中国爵士乐了解非常少,为保证中国爵士乐团首演成功,里加国际爵士节组委会通过多项措施加强宣传推介,包括在市中心重要位置张贴海报,对里加中国文化中心进行采访,邀请中国文化中心人员出席新闻发布会,在爵士节网站和媒体上进行专题介绍等。与此同时,里加中国文化中心也以不同方式进行配合,还将节目中的唐宋诗词译成英文和拉脱维亚文,帮助观众更好地理解其含义。在双方的共同努力下,可容纳1000多名观众的里加会议中心座无虚席。

  此次天场爵士乐团在里加的精彩亮相,唤起了拉脱维亚民众对中国音乐的关注,也调动了里加国际爵士节与中国文化中心开展交流的积极性。里加国际爵士节艺术总监马利斯表示,希望中国文化中心推荐中国乐手参加明年的爵士节比赛,并积极引荐拉脱维亚爵士乐团赴华演出或参加中国举办的艺术节。天场爵士乐团的访演为推动中拉双边交流作出积极贡献,他们所带来的体现当代丝路风情的乐曲,也使其成为助力“一带一路”民心相通的音乐使者。

·他们与《我和我的祖国》同在

2019-08-18 13:17:58

  “我和我的祖国,一刻也不能分割。无论我走到哪里,都流出一首赞歌。我歌唱每一座高山,我歌唱每一条河,袅袅炊烟,小小村落,路上一道辙。”这首经典的歌曲《我和我的祖国》,近来更是火遍大江南北、世界各地,爱国之情荡漾在每个歌者的嘴角眉梢。每当我听到这首动人的歌曲,别有一番滋味在心头,因为这首歌曲的词、曲作者张藜、秦咏诚,都是我熟悉的良师益友。余音在耳,却转身已成故人。当优美的旋律响起,我更加思念他们,一幕幕往事浮现眼前……

  十七年前,我在《中国石油画报》主持《史海钩沉》栏目。这个栏目是以图文并茂的形式,讲述我国有关石油的重要人物和重大事件。

  “锦绣河山美如画,祖国建设跨骏马。我当个石油工人多荣耀,头戴铝盔走天涯。”《我为祖国献石油》的雄壮旋律,几十年来响彻神州大地。电影《创业》的主题歌“晴天一顶星星亮,荒原一片篝火红”,让无数人为爬冰卧雪的石油创业者们流下感动的热泪。作曲家秦咏诚的名字如雷贯耳,我却未有机会一睹风采。

  二○○二年十一月,经作曲家朋友牵线,我终于有机会去拜访秦咏诚老师,虽然顶着凛冽北风,但我心里热乎乎的。

  那天秦咏诚老师和我促膝而坐,我们谈了很久。秦老师从早年到大庆石油会战采风创作《我为祖国献石油》谈起,一直说到当下。对石油往事的回忆、对石油工人的情感,使人觉得他不是一个音乐学院的院长,而是一个“老石油”。

  稿子写好后我再次登门,秦老师审阅得很认真仔细。时近正午,我正要起身告辞,秦老师说:别走,有个朋友过来,咱们一起吃个饭。

  我和秦老师走进一家东北饭馆,秦老师把厦门大学艺术学院副院长、音乐系主任李未明教授介绍给我。在饭桌上,秦老师说:“《我为祖国献石油》写出四十多年了,我还没进过石油部呢!我还想给石油写歌!”我和李教授都有些惊讶,不过秦老师的这句话,我牢牢地记下了。

  不久,中国石油文联、中国音乐家协会筹备召开西气东输歌曲创作座谈会。第一个,我就想到了秦咏诚老师。

  那天早晨,我打电话给秦老师说:我去接您吧!秦老师却说:你开会正忙,把地址告诉我,我打车就行了。这样一位大作曲家,竟如此替我们着想,真让我心里过意不去。

  座谈会结束后,秦咏诚老师应邀到南京西气东输长江穿越工程现场体验生活。当时,我参加中石油、中央电视台对工程联合航拍,跟秦老师同一个航班。与秦老师一起来的,还有比他年长一岁的老搭档张藜老师。我特别喜欢张藜老师写的歌词——《篱笆墙的影子》《苦乐年华》《命运不是辘轳》《山不转水转》《不白活一回》等,真是接地气,每次听这些歌,都能引起强烈的共鸣。这次是我第一次见到这位大名鼎鼎的词作家。

  晚餐时,我没有与航拍摄制组一起,而是特意去陪秦咏诚、张藜两位老师。席间,我们不停地向两位老师敬酒。酒兴正浓时,我问张藜老师,那么吸引人的歌词,您是怎么写出来的?张藜老师哈哈一笑,侃侃而谈,不时逗得满座响起笑声。前些天石油文联征集歌词,我也写了两首,借着酒劲,我给张藜老师敬酒,说要“以酒拜师”。张老师一饮而尽,连声说:“行、行!就这么定了!”当晚,我在日记中兴奋地写道:喝酒时,张老师谈起歌词写作,受益匪浅。以酒拜师,允。

  那几天南京正遭遇罕见的酷热,次日一大早,我和秦、张两位老师,坐车前往工程现场。工程现场,井口离地面有十几层大楼高,下井的铁梯陡峭,看着都眼晕。秦老师豪气不减,说没问题。而张老师的腰和腿,在下放东北农村劳动时受过伤,于是我从旁边搀住了他的胳膊。张老师扶着栏杆,我感到了他的身体在颤动。好不容易下到井口,天气炎热加上紧张,我俩的衣衫都被汗水渍透了。我们开始沿隧道向长江深处进发,里面黑黝黝、凉飕飕的,隧道顶部不断有水滴落下来。张藜老师佝偻着身子,紧紧把住轨道车栏杆,在侧耳倾听解说的同时,竭力保持着身体的平衡。穿越长江隧道将近两公里,头顶上就是长江江底。我们经过的地方,最高处距江面六十二米,最低处仅十二米。也就是说,万吨巨轮正从我们的头顶驶过。直至返回地面,我一直扶着张藜老师,不敢松手。

  在返回住地的路上,秦咏诚、张藜两位老师讨论着歌曲创作的话题。那两天,两位老师日夜切磋,打磨新歌《石油圣火》。我到张老师的房间,见他下着长裤上穿背心,汗流浃背却不开空调,伏案正在对歌词精雕细琢。见我来了,张老师就把手稿递给我,说你来看看。我也没推托客气,还真建议初稿有一词可用更好的代替。话一出口,我才觉得有点唐突,可张老师却乐呵呵地说好啊好啊。在房间里、走廊上,两位老人边哼边改、如醉如痴的情景,至今仍清晰地浮现在眼前。

  为庆祝长江穿越隧道贯通,西气东输分公司举行庆祝酒会。《我为祖国献石油》《我和我的祖国》雄壮、优美的旋律回响在整个大厅。那天可谓双喜临门,恰逢秦咏诚老师七十岁的生日。为此,石油文联特制了镀金的《我为祖国献石油》词曲纪念牌。秦咏诚老师接过纪念牌,热泪盈眶。他和张藜老师戴上老花镜,一起走上台去,一手持话筒,一手拿着歌篇,忘情地唱起了《石油圣火》《我和我的祖国》。他俩唱得是那样地投入,动情之处竟躬下身去。这是两位唯一一次联袂登台,这珍贵的一幕,被我“咔嚓”一下摄入了镜头。

  虽然和张藜老师是第一次接触,因他待人随和、性格幽默,短短几日,我竟敢和张老师开玩笑了。我说您那个歌词“星星还是那颗星星,月亮还是那个月亮”,是怎么想出来的?星星要不是星星,月亮不是月亮还能是什么!“碾子是碾子缸是缸”,这也能入歌词么?张老师听了,又是呵呵一笑。闲唠时,我还偶然问起歌曲《我和我的祖国》的诞生背景。张藜老师说:有一次秦咏诚对我说,我有一首已作好的谱子,你看看能不能配上歌词。我拿到谱子,琢磨了好几天。这首谱子借鉴吸收了朝鲜族民歌曲调元素,明朗欢快,悦耳动听,我很喜欢。没多长时间,歌词就填好了。听张藜老师这么一说,填词都能填得意境超凡,我愈发崇拜。

  最近听到《我和我的祖国》这首歌背后的故事,还有一种说法,即张藜老师请秦咏诚老师谱一首曲子,他来填词。我遗憾没有问过秦老师,但张老师讲的我记忆犹新。其实,个中细节已不重要,重要的是两位伟大的词、曲作家,共同完成了一个伟大的作品,而这个作品,将流传百世。今后不管中国人走到世界上多么遥远、多么陌生的地方,只要《我和我的祖国》熟悉的旋律响起,就会在心中涌起暖流。

  那年十二月一日晚上,中石油集团公司在德胜门外六铺炕大楼,举行了“授予张藜同志荣誉石油工人称号”的仪式。七十一岁的张藜和他的老搭档秦咏诚相约一起来了。张藜老师手捧证书激动地说:“我得过很多奖,但我更珍视今天授予我的荣誉!”

  秦咏诚老师特意带来了一九九三年授予他“荣誉石油工人”和“石油工人作曲家”称号的证书。他说:“今天张藜也成了荣誉石油工人,我可有伴儿了!”。

  后来,我去家里看望张藜老师。一见面,张藜老师就问写词了吗?问得我好尴尬。除了那次应征,我写了《心曲》《用微笑送我们出发》,便再没提笔。《心曲》在《歌曲》杂志发表,而《用微笑送我们出发》还是秦老师在他任主编的《音乐生活》上发表的呢。

  令人痛惜的是:二○一五年、二○一六年两年间,秦咏诚、张藜两位老师,先后离开了我们。此刻,抚摸着秦老师给我题写的“友谊长存”四个大字,端详着与张藜老师的合影,不禁感慨岁月的匆匆无情。

  “我的祖国和我,像海和浪花一朵。浪是那海的赤子,海是那浪的依托……”是的,当代著名的词曲作家张藜、秦咏诚并没有远去,我们还在唱他们的歌,他们与祖国同在。

·首版《国歌》《歌唱祖国》入藏国家博物馆

2019-08-18 13:15:19

  昨天下午,收藏家汪世林向中国国家博物馆捐赠首版《中华人民共和国国歌》和《歌唱祖国》等33张黑胶唱片及发行时的文献资料。国博表示,此次入藏珍贵唱片及文献资料,在一定程度上弥补了国家博物馆在唱片类馆藏方面的不足,丰富了展陈内容与形式。今后,国博将进一步拓展藏品征集范围,完善中华人民共和国国史类馆藏。

  1949年9月21日,中国人民政治协商会议第一届全体会议召开,政协全体会议决定设立“国旗、国徽、国都、纪年方案”审查委员会。马叙伦提议用《义勇军进行曲》暂代国歌。但在是否修改歌词的问题上,代表们各抒己见,最终由毛泽东决定,歌词不改。9月27日下午3时,在怀仁堂召开的中国人民政治协商会议第一届全体会议上,通过《关于中华人民共和国国都、纪年、国歌、国旗的决议》,规定在中华人民共和国的国歌未正式制定前,以《义勇军进行曲》为国歌。直到1982年12月,在第五届人大第五次会议上,代表们一致通过将《义勇军进行曲》定为中华人民共和国的正式国歌。

  1950年9月12日,音乐家王莘到北京出差,当他看见天安门广场上庆祝国庆彩排的队伍,深深感受到全国人民奋发作为、建设新中国的豪迈。酝酿已久的情绪在返回天津的火车上点燃,一股强烈的创作欲望使他拿起笔,在随身携带的烟盒反面飞快书写。午夜时分,他回到天津家中,把将要分娩的爱妻叫醒,一起完成了《歌唱祖国》全曲。1951年9月15日,《人民日报》发布《中央人民政府文化部关于国庆节唱歌的通知》,规定在这一年的国庆节,除了要唱国歌《义勇军进行曲》外,《歌唱祖国》也是全国人民普遍歌唱的基本歌曲。自此,《歌唱祖国》成为重大活动的礼仪用曲,素有“第二国歌”之誉。

  汪世林此次捐赠的唱片中,其中两张唱片尤其珍贵:一张是1949年12月录制的第一张《中华人民共和国国歌》样片;另一张是1951年9月底录制的第一张《歌唱祖国》内部发行的唱片及唱片上报文件。“每一张都是我精挑细选的。我收藏黑胶唱片大约10年,最多的时候拥有四五万张唱片,这几年逐渐精简,目前收藏量在2万张左右。”汪世林说,在倾心收集、整理和研究黑胶唱片的同时,他也更加了解了中国黑胶唱片的历史价值和背后的故事。经过认真考虑,他主动提出向中国国家博物馆无偿捐赠有历史价值的不同版本的《中华人民共和国国歌》和《歌唱祖国》等文件资料,“今年是新中国成立七十周年,我认为收藏品在个人手中发挥的作用,远远比不上国家收藏发挥的作用久远。收藏的最高境界是让那些艺术品进入博物馆,才能使它们更好地得到保护和利用,发挥其应有的价值,成为公众财富和社会财富。这是我作为北京市民应该做的。”汪世林说。

·弹奏“乐器之皇”的后起之秀

2019-08-18 13:13:00

  ——访上海音乐学院青年琵琶演奏家吴爽

  在弹拨乐器里,琵琶是最难学的,因为它的左右手演奏技法太多,单是右手的技法就多达几十种,且对每一根手指都有要求,同时还要注意左右手的配合,极难掌握,有人称之为“乐器之皇”,因此“冒尖”的高手近年来奇缺。最近我在上海欣赏了一台音乐会,其中一首是由作曲家刘畅写的琵琶与吉他二重奏《七个瞬间的随想曲》,它是由七个短小精悍、各具特色的乐章组成的,这些乐章风格迥异,具有鲜明的个性与音乐形象,旨在表达作曲家内心对音乐本身及艺术单纯的追求,每一个乐章都可以自由组合及演奏,不受任何限制,这样的搭配着实具有趣味性。这首曲目的演奏者就是在上海音乐学院担任琵琶教师的青年演奏家吴爽。

  吴爽回忆,“1997年,7岁那年,为了让自小就是‘假小子’的我能安静下来,父母决定让我学一门乐器,培养我的自律和毅力。在业余兴趣班上,我兜兜转转,发现琵琶很有趣,两只手在琴弦上如同翻舞的蝴蝶,声音也如珠玉般悦耳,于是我便选定了学习琵琶。非常幸运的是,我的启蒙老师是著名竹笛演奏家赵松庭教授的女婿蔡天翼。蔡老师精湛的教学让我脱颖而出,也歪打正着,让老师发现了我在琵琶方面的天赋。就此,我的人生就和琵琶与音乐骨肉相连,无法分离了。”

  吴爽说她这个年龄多是独生子女家庭,但“我父母在我学艺过程中,对我是‘三不’政策:第一不放弃,他们希望我能由兴趣内化为一种追求;二不干涉,我的从艺道路是我的自我选择,他们觉得只要我想做就支持,因为他们信任我。三不比较,他们的嘴里是没有‘别人家的孩子’的,因为他们觉得每个孩子都是独特的。因为我父母的信任、包容、理解和懂得,反而成就了一种别样的督促,让我觉得只有不断的努力才会不辜负他们的期望。”

  “不以儿戏的态度学习”,这是父母和启蒙老师带给吴爽最重要的规矩。她记得,“小时候初学时,父母严格配合老师的要求,无论刮风下雨,无论是否节假日,父母从未允许我请假,每节课坚持给我做笔记,回家让我抄笔记,每天2小时雷打不动的练习时间。”

  吴爽说,“以前认为的苛刻和‘虐待’现在其实是我感谢的点滴。他们没有用打骂和说教来影响我,而是用自己的尊重、严谨、敬畏心来培养我坚韧的意志力。从量到质的转变是没有捷径的。扎实的基本功、规范的演奏让我在学艺道路没有走任何弯路。”

  2009年,吴爽考入中央音乐学院,多元的教学环境让她一下兴奋起来。恩师李光华豁达的精神和不断发现个人特点因材施教的教育模式,让她有了更大的自由学习空间。李光华将理论和实践、技术和音乐、生活和弹琴如何结合,为她剖析得非常清晰,让她有了质的飞跃,从模仿到有了自己的思考和见解。

  “演奏乐器,首先你要懂她。这句话是瀛洲古调传人殷荣珠教授在我小时候就一直教导我的,尤其在跟随殷老师学习的这3年,她教会了我演奏一样乐器,首先要懂她。”吴爽说,“我在中央音乐学院附中跟随王臻老师学习的时间最长,她说,对生活没有感知的人,是无法呈现音乐的。在附中求学期间,我参加了青少年民族乐器演奏比赛,以最小的年纪入围文华奖少年组的比赛,虽未进入决赛,但是在比赛中锻炼了自己,看到了不足,发现了自己对琵琶对音乐的情感。”

  幸运的是,这次比赛让吴爽认识了另一位当时的评委、著名琵琶演奏家吴玉霞,是不是因为同姓吴,或同是上海人?反正吴玉霞特别喜欢吴爽,并为吴爽引荐了中国琵琶演奏家、教育家李光华教授。

  “在中央音乐学院跟随李光华教授学习的10年,是我人生最重要的10年。在专业上,他对琵琶演奏发自内心的热爱、孜孜不倦的追求、不断创新突破的精神深深影响了我;在精神上,他的克己、严谨、乐观、豁达也深深感染着我。”吴爽说,“那时候活动多,比赛多,展现的机会多,但是有一个阶段,我突破不了自己的心理障碍,临场发挥老是不尽如人意,会有不稳定的情绪,导致最终结果不那么完美。李光华教授语重心长地给我上了一堂我或许一辈子都不会忘记的课:首先他肯定了我每次的进步,而不是一味地批评,让我重新找回本有的自信心。他说,临场发挥失常是正常的,因为我们是正常的人而不是机器,有情绪有变化。但是要总结自身的问题:你是否100 %地准备充分,还是平时底下就有投机的心理?天道酬勤,台下十年功,台上一分钟,这是真理;环境的改变为何会导致心态发生变化?因为杂念太多,欲望太多,内心不纯粹。当你去表达音乐的时候,无论是平时练琴还是演出比赛,都应该保持一种状态,沉浸在音乐里,一切的思想和形式都是为了音乐表达和呈现,任何杂念不能有。付出努力,耐住寂寞,努力争取做到最好的自己,就不要后悔,问心无愧。”

  李光华教授这堂课的内容吴爽至今珍藏在笔记里,她说,“我最开始学琴没有太大的主观能动性,演奏上也没有体会到很多乐趣,觉得自己弹得不好听,和琴之间的关系不融洽。李老师让我体会到了琵琶的音色美感,从此打开了音乐大门。”

  吴爽记得李光华教授在一次讲座上说到,“弹”和“挑”是琵琶的核心技术,90%的指法是从“弹”“挑”延伸而来。他主张弹奏时双手和身心状态要保持松弛、自然,手指要灵活,平时可以尝试练习弹奏简单的曲子,保持弹奏的连贯性和整体感。“记得有次他现场演奏,双手手指灵活地拨弹琵琶,给台下师生做了正确的演示。”

  吴爽说,李光华就是她心目中的偶像,如今作为一个大学老师,她就要向李老师学习,做个为中国音乐教育事业鞠躬尽瘁的人。

·音乐传记演绎法国香颂女王的舞台传奇

2019-08-18 13:09:59

  一只饱经风霜的“小麻雀”,历经坎坷、破茧成蝶,最终成长为闻名世界的法国歌后,用一生践行“没有爱,我们什么也不是”的信仰……7月31日,由北京四海一家文化传播有限责任公司出品、北京市文化中心建设发展基金管理有限公司联合引进的法国原版舞台音乐传记《玫瑰人生》在北京天桥艺术中心首演,以一首首经典曲目再现法国香颂女王伊迪丝-琵雅芙如梦如幻、悲欣交织的一生。

  《玫瑰人生》共分两幕,第一幕主要讲述琵雅芙成名前的生活,舞台上,巴黎的小酒馆、昏黄路灯下的长椅等布景,勾勒出浓郁的法式风情,现场演、唱、奏结合,以多首琵雅芙的歌曲串起一场精彩的“独角戏”;第二幕则成为大型香颂演出专场,红酒微醺、灯影摇曳,观众仿佛置身卡内基音乐厅内,欣赏着琵雅芙的著名表演。演出采取双女主设置,通过法国歌手安妮-卡雷尔、娜塔莉-勒米特以及现场乐队的倾情演绎,配合投影播放琵雅芙未曾公布的珍贵影像和法国当时的老照片,在展现琵雅芙一生中重要场景的同时,也拼凑出一幅蕴含爱情、生活、战争、离别等时代元素的巴黎浮世绘。

  动人心弦的歌声、活泼优雅的表演、诙谐浪漫的互动,深深感染了观众,现场掌声不断,尤其当《玫瑰人生》《不,我无怨无悔》等熟悉的旋律响起,不少歌迷也跟着哼唱起来。直至大幕落下,很多观众仍难掩激动之情:“蓝丝绒一般的声音、酣畅淋漓的情感,歌手的表现太棒了!”“大部分曲子我都很熟悉也很喜欢,近距离聆听那种温柔的法式唱腔让人沉醉。”“演出没有刻意追求音乐剧逻辑,更像是一场演唱会,让你在香颂的魅力中走进浪漫的法兰西。”

  “香颂”是法语通俗歌曲的统称,曲风婉转柔和、慵懒浪漫。法国香颂从上世纪初开始流行,以其独特的魅力影响至今。作为法国国宝级歌手,琵雅芙的歌曲已成为经典香颂的代名词。琵雅芙一生星光璀璨,却也命运多舛,她把浓烈的情感寄托在歌声里,用美妙的嗓音热烈而真诚地歌唱爱与生命,征服了无数人的心。

  1946年,琵雅芙首次演唱由她填词的《玫瑰人生》,这首歌被誉为“法国最伟大的二十首香颂”之一,其影响力波及全球,曾被翻唱60多次;2007年,琵雅芙的传记电影《玫瑰人生》上映,获得众多国际大奖,掀起一波缅怀琵雅芙的风潮,也让这位艺术家及其歌曲为更多中国民众所知晓。音乐传记《玫瑰人生》的推出,正是受到同名电影的启发。该剧自2015年首演以来,已在法国、英国、美国等全球50多个国家巡演超过300场,观众人数突破100万,创造了有口皆碑的佳绩。

  音乐传记《玫瑰人生》的制作人兼导演吉尔-玛萨拉介绍,为了这部作品,他走访了很多琵雅芙的亲友,更深入地了解她的人生。“她不仅在法国有名,在世界也具有极大影响力,我觉得我有责任让她的光彩持续绽放,用音乐呈现她的丰满性格。”吉尔-玛萨拉说。

  安妮-卡雷尔因为声音和演唱风格与琵雅芙高度相似,被誉为“琵雅芙音乐继承人”。她说,扮演这个角色让自己深受触动。“琵雅芙有一颗强大的心,她的心一直在战斗、在捍卫爱。她只活在今天、感受今天,用力去生活。”安妮-卡雷尔感慨,“对我来说,琵雅芙由两个人组成,一个是在很小时候就被抛弃的小女孩伊迪丝,一个是用一生去治愈伊迪丝伤疤的职业歌手琵雅芙……唱琵雅芙的歌曲需要一切归零,全身心地投入。”另一位主演娜塔莉-勒米特也表示,她从琵雅芙那里学到更多用音乐传达情感、触及灵魂的方式,在演唱琵雅芙歌曲时会与之形成共振,希望中国的观众也能用心感受这一切。

  值得一提的是,首演结束后,观众在出场时都获赠一支红色玫瑰。伴着玫瑰若隐若现的芬芳,回味萦绕心头的动人歌声,在这个炎热的夏季,法兰西香颂女王《玫瑰人生》所带来的美好夜晚留在观众心中。

·做不受观众左右的音乐奖

2019-08-18 13:05:57

  在由中国音像与数字出版协会唱片工作委员会(唱工委)主办的第三届唱工委音乐奖音乐盛典上,除揭晓了薛之谦、林忆莲获年度男女歌手,李宗盛《新写的旧歌》摘年度歌曲,李荣浩《年少有为》获最佳作曲等流行音乐大奖外。盛典上还颁发了最佳古典专辑、最佳民族/民间专辑、最佳说唱、最佳电子乐制作等,林林总总共36个奖项,基本涵盖了音乐行业的所有项目。

  虽然是新生奖项,但唱工委音乐奖一直以“专业”为追求。早在创立之初,“乐坛没必要再多一个分猪肉的奖项”的“宣言”就在行业内外受到关注。“前期最重要的还是脚踏实地。就像人有人格一样,唱工委奖要把‘奖格’立稳。”唱工委主任委员宋柯介绍,作为“工会奖+学院奖”,我们坚持“行业内自己人的规则”:第一轮评选时,会员单位每家一票投票产生入围名单,这个名单代表着行业的风向标。终评环节,由九位业内人士分别担任评审召集人,再由他们邀请十位不同领域的代表,最终组成包括主席在内的百人评审团。

  “我们不会为了‘流量’去改变自己的初衷。”宋柯说。作品的音乐性始终是评委最关注的。以颁奖盛典现场为例,唱工委音乐奖没有像许多活动一样设立歌迷区。简而言之,观众的喜好并不能完全左右评委们的选择,“我们不在意粉丝说什么。”

  但是,唱工委奖也没有彻底把“流量”和人气拒之门外。“流量”本身是行业发展的一种趋向,它带来了曝光度和讨论度,把更多的新鲜面孔和语汇带入了大众视野,比如网络选秀催生了国内的“练习生制”,《乐队的夏天》让沉寂多年的摇滚再度翻红。“我们已经感受到新的音乐形式暗流涌动,尤其在互联网平台上。”唱工委音乐奖捕捉到了这些动向。

  今年,唱工委音乐奖以“新赏”为主题。“最近我们看到很多新的音乐类型和商业模式在蓬勃发展,但整个行业还是有差不多十年没出现能顶上来的新人。”尽管唱工委奖的评奖标准远比“推新”要复杂,宋柯和所有评委仍然极力为“已经崭露头角或是还没有完全浮出水面”的音乐人提供展示的可能。颁奖盛典的舞台表演环节上,张蔷、太一、刺猬乐队、马赛克乐队等登台的嘉宾大多初具知名度,但想法新锐,个性十足,刺猬乐队更是当下毫无疑问的“流量担当”。

  对内建立行业标准的同时,唱工委音乐奖还在对外拓展全球视野。今年,在指挥家余隆的努力下,唱工委音乐奖和格莱美奖有了交流,也得到了格莱美主席尼尔的认可。余隆在接受采访时说:“格莱美本质上也是个奖项,唱工委奖在为中国音乐走向世界铺路。古典音乐讲究专业性和标准化,整个音乐行业也应该依靠有标准的机构来带动自己的发展。”在余隆看来,唱工委奖正是音乐行业标准的建设者。

·歌曲《歌唱祖国》诞生记

2019-08-18 11:57:15

编者按

  “五星红旗迎风飘扬,胜利歌声多么响亮”“一条大河波浪宽,风吹稻花香两岸”“我和我的祖国,像海和浪花一朵”……为什么这些歌曲,年代再久远,一听仍会心潮澎湃?为什么这些歌曲,即便很久没听,旋律一响,仍会热泪盈眶?

  因为这歌声中有家国,有她的筚路蓝缕,有她的艰辛曲折,有她的拼搏奋斗,有她的欣欣向荣;因为这歌声中有风云,有一代代人的血和泪,有无数人的悲与欢,有一个民族的屈辱与自信,有一个国家的光荣和梦想。

  这是历史之歌,也是未来之歌。它们凝聚了中国共产党气质中最坚硬的部分,也抒发着亿万中华儿女灵魂中最柔软的心声。它们呼应着祖国母亲的心跳,也紧扣着中华民族团结奋进的脉搏。

  岁月留声。在新中国成立70周年之际,我们选取部分有代表性的歌曲,和祖国母亲一起,和千万读者一起,听听这些直入人心的壮美旋律,听听歌曲背后那些动人故事。

  它是全中国人民耳熟能详的歌曲,被十几亿人传唱了近70年;

  它美妙的旋律与激昂的歌词,鼓舞了一代又一代人,把全世界华人的心凝聚在一起;

  它已成为中华人民共和国重大国务活动、会务活动、外事活动、检阅活动的礼仪曲、开场曲和尾声曲;

  它和《义勇军进行曲》一样,被永久载入史册;

  它,就是人民音乐家王莘于1950年作词、作曲的歌曲《歌唱祖国》。

  1949年,随着开国礼炮第一声巨响,中华人民共和国的成立,既开辟了中国社会历史的新纪元,也开启了文学艺术发展的新阶段。新的时代和新的生活,为文艺工作者施展才华创造了更为广阔的天地。在光荣的历史使命感召下,艺术家们满怀热情地投入对新社会的讴歌中。他们以饱含民族精神和时代精神的优秀作品,鼓舞和激励着全国各族人民积极投身到新中国的各项建设事业中去。

  《歌唱祖国》就是这一时期诞生的,承载独特历史使命,蕴含丰富艺术价值的群众歌曲之一。它缘起于1949年开国大典,问世于1950年国庆节前,又于1951年9月15日登上《人民日报》,成为中央文化部(文化和旅游部前身)要求全国范围学唱的歌曲。1951年国庆期间,《歌唱祖国》以其广阔的构思、深远的立意、鲜明的音乐形象和铿锵有力的音乐语言唱响全国,此后,在海内外迅速传播,成为几代中华儿女耳熟能详的歌曲。

  冼星海赠给王莘一支铅笔,他说:“我用这支笔写下了《黄河大合唱》,你拿着它,希望你也能用这支笔写出些催人奋进的音乐作品来”

  生于1918年的王莘,幼年在“丝竹音乐”盛行的环境中成长。他酷爱音乐,小学时便跟随家中能书会画、精通丝竹乐器的姐夫学会了拉二胡和吹笛子。1932年,年仅14岁、一心想成为音乐家的王莘,因家境贫寒,踏上了远赴上海的学徒工之路。1935年“一二.九”运动爆发后,上海掀起了抗日救亡歌咏运动。17岁的王莘在青年会刘良谟先生的介绍下加入了“民众歌咏会”,后又结识了正在上海搞救亡歌咏活动的冼星海和吕骥等人,很快便成为活动骨干,还当上了教群众演唱救亡歌曲的“小教员”。

  1938年,王莘到达革命圣地延安,考取了鲁迅艺术学院音乐系。在冼星海、吕骥、向隅等名师的悉心指导下,开始专业、系统的学习。延安紧张充实的学习生活和参与《黄河大合唱》筹备与首演的经历,为王莘日后从事专业音乐创作积累了丰富的理论知识、实践经验和情感储备。

  毕业前,冼星海赠给王莘一支颇有纪念意义的法国自动铅笔,他说:“我用这支笔写下了《黄河大合唱》,你拿着它,希望你也能用这支笔写出些催人奋进的音乐作品来。”

  1939年6月,毕业后的王莘奔波于晋察冀抗日根据地,执教于华北联大音乐系,创作出反映根据地人民心声的《选村长》《打击顽固分子》等革命歌曲。1943年春,时任“华北群众剧社”音乐队长、副社长的王莘,相继创作出《战斗生产》《永远跟着共产党》等歌曲,产生了强大的号召力,在鼓舞军民士气的同时,也敲响了侵略者和反动派走向灭亡的丧钟。

  当这段歌谱跃然纸上,音乐家流下了激动的泪水

  1949年1月15日,解放军攻占天津。第二天,王莘便带领“华北群众剧社”全体成员进驻天津。在开国大典前的一次工作会上有人提议,应该每人创作一首新歌曲,为开国大典献礼。这个倡议得到参会人员的一致赞同。王莘更觉得责任重大,为了带头写出一首歌颂祖国的好歌曲,常常苦思冥想,夜不能眠。

  但是,以歌曲这样的微小体裁承载如此宏大的主题创作,其难度犹如方寸之间雕刻万千气象。对于一路追随革命,见证了从民主革命、抗日战争、解放战争到新中国诞生的王莘而言,想抒发的东西太多,这就难上加难。直到10月1日,王莘作为天津音乐界代表参加开国大典游行,看着一个个游行方队喊着口号走过天安门城楼时,不禁激动得热泪盈眶,热血沸腾。他多么希望能写出一首歌,歌唱伟大的祖国,歌唱勤劳勇敢的人民,歌唱领导人民翻身得解放的中国共产党,歌唱年轻而蒸蒸日上的人民共和国……想到这里,突然有一个十分具体的场景出现在他的脑海里:如果游行方队能够齐声唱着这样一首歌,迈着整齐的步伐走过雄伟壮丽的天安门广场,该有多好!

  有了这个目标,王莘投入紧张的创作,不到三天便能写出一首新歌。从开国大典到1950年夏天,他已写出一百余首歌曲。其中,六首分别发表在《天津日报》和《天津歌声》等报刊上,但始终没有传唱开来。

  1950年9月,正值国庆一周年前夕,身为团长的王莘为天津音乐工作团采购西洋乐器,到北京出差。在西四牌楼附近的一个当铺,发现了国民党军乐团遗留的旧乐器,他花光了身上所有的钱,买下几件急需的乐器。两把长号背在肩上,小号、长笛和双簧管都挂在脖子上,左右手提着圆号“狼狈”地向火车站走去。

  九月的北京,阳光灿烂、红旗招展、花团锦簇、锣鼓喧天。为国庆排练的少先队员敲着鼓,吹着号,唱着《中国少年儿童队队歌》,迈着整齐的步伐练习队列,准备接受检阅。看到这一幕,作曲家不禁回忆起开国大典时的情景。

  那个想了很久却迟迟未来的曲调就那样自然地流淌出来:“五星红旗迎风飘扬,胜利歌声多么响亮”,随着旋律的行进,又引申出两句“歌唱我们亲爱的祖国,从今走向繁荣富强……”

  一上火车,王莘急忙拿出笔,没找到纸,便在烟盒背面飞快记录起来。窗外的景色不停变换,他灵感如泉涌,写下了“越过高山,越过平原,跨过奔腾的黄河长江……”一股创作的热流推着他反复朗读“英雄的人民站起来了,我们团结友爱坚强如钢”。

  当这段歌谱跃然纸上,音乐家流下了激动的泪水。

  1950年9月,在收到活动铅笔的第11个年头,《歌唱祖国》诞生。32岁的王莘终于用老师赠予的那支写下《黄河大合唱》的活动铅笔,创作出了这首不朽的颂歌。

  毛泽东主席见到王莘时,高兴地夸奖《歌唱祖国》写得“好、好、好”,还将刚出版的《毛泽东选集》赠予王莘,并为他签字留念

  王莘抵达天津后,歌曲第二、三段唱词的主题已了然于胸:第二段要写出中国人民经受的苦难,第三段要赞美伟大的党和毛主席。他反复视唱和修改,很快便将《歌唱祖国》的手稿送到了天津日报社,希望能够赶在国庆期间发表。当时的报纸版面有限,遇上重大节庆,版面则更加拥挤。王莘的愿望没能实现,不久,他就收到了铅印的退稿信。

  虽然遭受了打击,但王莘对这首下了功夫、承载着无限深情的歌曲没有丝毫怀疑。他一边将《歌唱祖国》的总谱刻板印刷,寄送给同行、好友征求意见,一边组织天津音工团的团员们演唱,并在天津耀华中学礼堂亲自指挥公演。公演成功后,王莘又到南开大学,天津纺织厂、炼钢厂和铁路机务段等地,边教唱,边征求意见,群众反响十分强烈。没过多久,这首热情激昂、优美欢快的歌曲就在天津的工厂和学校传唱开来,还在《大众歌选》第三集位列首篇发表。

  1951年春,王莘自制的歌片传到了北京工人合唱团;夏天,北京电台播放了工人合唱团的演唱录音后,歌曲便在北京的工厂、学校和社区传唱开来;中国音协首任主席吕骥在北京大学的一次集会中也听到了这首歌,同样给予了很高的评价,问询中发现,学生们只知道歌曲是从天津大学和南开大学抄来的,并不知作者是谁;秋天,诗人艾青得到这首歌曲,他反复吟诵歌词,对作品给予了极高评价,在做了两处修改(一处是将原词“五千年文化辉煌灿烂”改为“独立自主是我们的理想”,另一处将“我们战胜了一切苦难,我们把敌人赶出了边疆”改成“我们战胜了多少苦难,才得到今天的解放”)后,将其刊发在自己担任副主编的《人民文学》杂志上。

  1951年国庆节前夕,王莘接到老朋友孙慎从北京打来的电话,请他协助查找《歌唱祖国》的创作者和歌谱,并反复叮嘱“中央文化部急要!”王莘在电话里笑着回答:“词曲作者正是我。”

  1951年9月15日的《人民日报》用近半个版向全国读者推荐了《歌唱祖国》(包含歌谱和孙慎撰写的唱法指导),并附上《中央人民政府文化部关于国庆节唱歌的通知》全文,通知要求全国范围学唱《歌唱祖国》和《全世界人民心一条》,并由各地文教机关负责组织、推广和传授,以求“全国人民普遍学会这两首歌曲,在国庆节整齐地热烈地唱出来”。

  1951年10月29日,在中南海怀仁堂召开的全国政协一届三次会议上,毛泽东主席见到王莘时,高兴地夸奖《歌唱祖国》写得“好、好、好”,还将刚出版的《毛泽东选集》赠予王莘,并为他签字留念。此后,《歌唱祖国》风靡全国,成为中国当代音乐创作中最具影响力的群众歌曲之一。

  如今,距离《歌唱祖国》创作完成的1950年,已经过去69年。回望共和国近70年国旗飘扬的重要时刻,总有它的旋律回荡耳边:它是海外游子的乡情乡音、它是赛场看台上的万人呐喊、它是浩瀚太空里的中国之声……它更化身为见证中华民族千秋功业的光耀之音,深深地烙在几代人的家国记忆里。

  (作者:陈乾,系中国艺术研究院助理研究员)

·古代园林里的琴境

2019-08-18 11:53:35

  常常想象古人在园林中的日常,想象他们的“以遂林居之乐”,在对《园记》《园第志》的阅读里,常出现这样的画面,假山亭间,楼阁高台,焚香一炷,素琴一张,在琴声袅袅里,文人士子,有独乐乐的,“冈上有琴台,台之西隅,有‘咏斋’,予常拊琴赋诗于此”(朱长文《乐圃记》);也有众乐乐的,“(毛)逸槎和易乐群,每和风晴日,四方宾客来游者,常得休暇于此,而望衡对宇,时多素心,或弹琴,或对弈,或觞咏……极盘桓游衍之趣,主人之乐,与宾朋之乐……”(沈德潜《槃隐草堂记》)。如诗如画的园林,和润飘逸的琴声,徜徉其间,让人不由得不发出“可以娱老”或“可以终老”的慨叹。

  宋倪思曾说琴声是至清之音,明徐上瀛说听琴声有入深山邃谷之想,明张潮也有“凡声皆宜远听,唯听琴则远近皆宜”之语。可见,琴声渲染的氛围,与园林一样,都是营造出一个脱俗的、重自然的、幽雅闲适的出世境界。这使得琴境与园林之境在审美体验上完全一致,二者的结合,无疑是既相辅相成,又相得益彰。

  琴在园林中的独特作用,中国古代造园者早就注意,所以置琴的建筑在很多园林里都有。苏州留园有琴室、怡园有坡仙琴馆,杭州刘庄有蕉石鸣琴,成都罨画池公园有琴鹤堂,就是圆明园也有琴清斋、琴趣斋。

  琴与园林的联系,不仅有物为证,而且有文为证。唐代王维在他“辋川别业”的世界里,就有“独坐幽篁里,弹琴复长啸”之句;宋代的朱长文更是写了《乐圃琴史》;清蒋恭棐在《逸园纪略》中写道:“每春秋佳日,主人鸣琴其中,清风自生,翠烟自留,曲有奥趣。”唐白居易在洛阳故居南园,建琴亭,并自谓“虽有宾朋,无琴酒不能娱也”。而他的庐山草堂可谓是简之又简,却依然少不了琴的身影,“明年春,草堂成。三间两柱,二室四牖,……木,斫而已,不加丹;墙,圬而已,不加白。……堂中设木榻四,素屏二,漆琴一张,儒、道、佛书各三两卷”。古人言“宁可食无肉,不可居无竹”,后一句似乎也可以说成“不可居无琴”。仿佛有了琴,久在樊笼里的人们就可从尘世繁琐中解脱出来,琴声起到了涤烦消虑、忘忧解乏的功效,诚如陶渊明所言,“悦亲戚之情话,乐琴书以消忧”。南朝文学家江淹在《自序传》中直言晚年的生活追求就是,在园林中弹琴吟诗:“常愿幽居筑宇,绝弃人事,苑以丹林,池以绿水,左倚郊甸,右带瀛泽,青春爰谢,则接武平皋,素秋澄景,则独酌虚室,侍姬三四,赵女数人;不则逍遥经纪,弹琴咏诗,朝露几闲,忽忘老之将至。”

  琴在园林中,可以解忧,更可以助景娱情。明徐有贞在《先春堂记》中言:“田园足以自养,琴书足以自娱,有安闲之适,无忧虞之事,于是乎逍遥徜徉乎山水之间,以穷天下之乐事,其幸多矣。”在琴声里,园林中的文人士子充分体会到了“中隐”之乐,宋欧阳修在雍家园里,听琴声而仿佛进入神仙妙境,“我来踞石弄琴瑟,惟恐日暮登归轩。尘纷解剥耳目异,只疑梦入神仙村。”在园林的琴声里,人们体会到了忘怀息心的审美之境,体会到明文震亨《长物志》中所说的:“居之者忘老,寓之者忘归,游之者忘倦。”

  琴声如此,这使得园林中一切入耳之音,古人都好以琴声比拟了。如扬州休园,清方象瑛《重葺休园记》:“屋后修竹万竿,有轩曰‘琴啸’”,以竹声喻琴;清李斗《扬州画舫录》:“(净香园)‘涵虚阁’之北,树木幽邃,声如清瑟凉琴”,以树木声喻琴;扬州平山堂御苑的“听石山房”,古人云:“山风刚劲,擦壁如琴”,山房前是黄石假山,后是湖石假山,山风盛时,自成妙响。此处风吹山石之音,亦以琴声作喻。最多的还是以水声喻琴,如苏州拙政园的小沧浪水阁,原有联云:“风篁类长笛,流水当鸣琴”;而北京颐和园中的“清琴峡”,则更是以听溪水潺声如琴闻名……保定的古莲花池,表达最为直接,涧水流觞之音在听者耳中就是琴声,围绕四周的建筑群分别叫响琴榭、响琴桥、听琴楼等。

  从上文看出,园林中谓琴之所,其意倒并不在真实的抚操,而是意在琴外,在耳,更在心。据佚名的《莲社高贤传》记载,陶渊明自称不通音律,却仍备有一张无弦之琴,不时抚弄一番,别人以为怪,他却怡然自得,说:“但识琴中趣,何劳弦上声?”借琴怡情,借琴起兴,借琴衬景,琴之一字,在园林里起到了“意显、情移、境生”的艺术效果。意显,指借琴把景点出来;情移,指游人因琴产生联想;境生,指以此生成充满乐感的氛围。因此,园中设琴室,倒不是要有一人天天抚琴而操,若此,反而太实,反而限制了游人的想象,有一琴一室一名即可,至于抚者是人或是物,是妙龄女郎还是白发须翁,是潇洒公子还是窈窕小姐,则完全交由观者自己,依了他们的经验、兴致、喜好,在想象的异域里,享受自由“再创造”的快乐。

  琴,又谐音“情”,此琴彼情,是琴境撩人,还是游人多情,抑或是游人因琴景而留情?一个“琴”字,勾连无数,多方想象,如此这般,园林中的琴,怎不助人游兴,涨人雅意?因此,扬州瘦西湖的琴室,室内有琴一张,室外是 “一水回环杨柳岸,画船来去藕花天”,按《宋书》云,其时文人士子,“尽游玩之适,一时之盛也”。

  似乎可以说,琴的韵味在园林里达到了它的极致,在园林的背景里,琴声、游人、山水丘壑方更容易互为知音、互为传情,这也难怪《儒林外史》里市井奇人之一的荆元弹琴要到园林,书上写到,他生意闲时,“自己抱了琴来到园里……荆元席地坐下,于老者也坐在旁边。荆元慢慢的和了弦,弹起来,铿铿锵锵,声振林木,那些鸟雀闻之,都栖息枝间窃听。弹了一会,忽作变徵之音,凄清宛转。于老者听到深微之处,不觉凄然泪下”。

  中国古人有琴中觅知音的假想,“伯牙善鼓琴,钟子期善听”。中国的园林仿佛也这样,一石一水,一花一树,一亭一阁,只待“有缘人”,在读懂它的味,看出它的美,欣赏出它的妙后,才会发出那会心的一笑。

·比利时钢琴家尚-马龙——“我与中国音乐更亲近”

2019-08-18 11:50:36

  在比利时,想跟著名钢琴家尚-马龙约上一面不是件容易的事。他常常奔波在各地演出,而中国是他几乎每个月都要去的一站。见面之前,听了很多他的作品,其曲风在古典与新世纪之间自由穿梭,给人以捉摸不透的神秘气质。然而,当他从音符背后走到眼前,原来神秘的另一面是亲切与真诚——会说中文,哼着中文歌,同你分享许许多多他与中国音乐的故事。

  “我与中国音乐有一种天然的亲近感”

  “我最近学会了炒面。”尚-马龙用一句中文打破了我和他的交流界线。他说,自己已经学了多年中文,虽然读写还有困难,但是现在已经坚持学到了高级教程。“我之所以学中文,是因为经常去中国演出,与中国的艺术家交流合作,还要去中国的少数民族地区采风,中文总能在工作中派上用场。”他说。

  翻开履历,就能发现尚-马龙艺术风格的变与不变。他是学古典钢琴出身,后来转为新世纪风格创作,成为一名著名的流行钢琴家。他还擅长爵士乐、电子音乐的编曲,出版发行了10余张专辑。直到2002年,他第一次来到中国演出,从此他的作品便逐渐展现出浓浓的中国风。

  “有时候我觉得我与中国音乐更亲近,尽管我从小受的是西洋音乐的熏陶。”尚-马龙的这句话并不是玩笑。中国传统音乐使用宫、商、角、徵、羽五声音阶。神奇的是,尚-马龙在从未来过中国之时,就十分欣赏五声音阶呈现出的优美旋律,并开始尝试五声音阶创作,“我与中国音乐有一种天然的亲近感。”

  尚-马龙认为,五声音阶有它独特的韵味,是属于中国的音乐。说着,他哼唱起江苏民歌《茉莉花》,“你听,这首小调虽使用五声音阶,但旋律富于变化,非常灵动。”

  《茉莉花》可以算是他最早演绎的中国乐曲,他将原曲重新改编,注入了新世纪音乐的韵律,在演出中收获了意想不到的好评。“我保留了主旋律,在节奏上做了一些改变,添加了和弦。当时也只是尝试,没想到中国观众非常喜欢这种编曲。每当听到他们熟悉的旋律,都会报以最热烈的掌声。”

  在现代音乐与中国民族音乐间架起一座桥

  如果要问尚-马龙去过中国哪些地方,你可能会得到一长串地名。在上百次中国之旅中,他有过在北京、上海、深圳等大城市的音乐厅开独奏会的经历,也有深入四川、内蒙古、贵州、云南等地乡村采风的故事。

  2008年在一次长途飞行中,尚-马龙结识了一位法国小伙。聊天中,法国人向他提到了在贵州旅行时接触到的侗族音乐。分别一个月后,法国小伙又邀请尚-马龙参加他关于侗族的摄影展。在现场,尚-马龙第一次听到了侗族歌曲,结束后,侗族歌手还向他赠送了她们的专辑。

  “这张专辑我一直带在身边,时常在工作室播放。”尚-马龙说,音乐家用耳朵听旋律,用心感受背后的情感,再用自己的音乐方式表达这些情感,“第一次听到侗族大歌,我就被深深震撼了。它散发着原始的生命力,表达着最朴素的人类情感。”

  由此,他萌生了将自己的音乐与侗族歌曲融合起来的大胆想法。如果说《茉莉花》是尚-马龙与中国音乐亲密接触的“小试牛刀”,那么专辑《侗融》则是他将中国民族音乐与现代音乐融合的“大显身手”。

  尚-马龙开始尝试将打击乐、低音、钢琴的声音加入到不同的侗族歌曲中,经原音授权后,最终汇成了14首曲目。其中首曲名为《黎平》,他说,这首曲子灵感来源于贵州省黎平县,用地名来命名专辑的首曲再好不过了。快歌与慢歌,乐器与人声,钢琴、萨克斯、小号、贝斯……他用各种音乐风格串成14个故事,将发生在黔东南地区千年侗寨的喜怒哀乐、欢庆离别娓娓道来。

  此后,尚-马龙多次去贵州采风。他说:“我一般在村子里住上一周,请当地艺术家为我演唱,我会把声音录下来,回去好好揣摩。当地村民热情地招待我,把最好的歌声送给我,这就是采风能给艺术家带来的无穷灵感。”

  尚-马龙热爱中国民歌,他相信最有生命力的声音在民间。为了感受“跑马溜溜的山上”,他一定要走一走四川康定跑马山;亲身在内蒙古大草原汲取灵感,改编出马头琴和钢琴合奏版的《鸿雁》……以自己的音乐表达创作改编中国民族音乐是尚-马龙不变的追求,他想在现代音乐与中国民族音乐间架起一座桥。

  “我的目标之一就是让西方了解中国音乐”

  “我说我喜欢童话,还有遍地的鲜花,彩虹上有我的家,蓝精灵我们会很快乐……”这是尚-马龙为2010年上海世博会比利时馆创作的主题曲,他与中国歌手合作创作了中文版和法文版。“我喜欢与中国人合作。”他告诉我,当他与二胡、笙等中国民乐演奏家合奏时,大家会努力让自己的乐器与其他乐器更好地配合,找到最和谐的状态,在合作的过程中相互学习借鉴。

  对于在艺术创作上天马行空、大胆突破的尚-马龙来说,中国是最好的舞台。“中国是创新大国。中国人的创新意识体现在各个领域,人们对新鲜事物充满兴趣,勇于探索,乐于尝试,在音乐上亦是如此。”尚-马龙说,中国的音乐家和音乐制作人很有想法,愿意做很多实验性的创作,“只要他们有合作意向,我总是说‘好的’。”

  创作理念的相投,让尚-马龙与中国艺术家交流顺畅。他坦言,往返于中国与欧洲,有时也会感到疲惫,但他从未想过放弃。他拿起手机给我展示2019年春节在山西平遥的一次演出,由钢琴、琵琶、交响乐与人声共同演绎山西民歌《桃花红杏花白》。由于演出在零下10摄氏度左右的室外进行,对弹奏是个不小的挑战,“演出前我一直在搓手,担心手指不够灵活。可上场后,我竟忘记了寒冷,因为实在是太过瘾了,只有在中国才有如此奇妙的组合。”

  看见中国大地释放出的强大音乐创新活力,尚-马龙希望欧洲也能欣赏和融合更多不同风格的音乐。“我的目标之一就是让西方了解中国音乐。”他曾经带着侗族艺术家去欧洲演出,“当地观众惊讶于一个比利时人竟然与中国人一起演绎中国的民族音乐。他们甚至把我当作中国文化的一部分,这让我感到很骄傲。”尚-马龙说。

  2008年,尚-马龙与昆曲艺术家在上海跨界合作了一场“当爵士遇见昆曲”音乐会,并将演出收入全部捐赠给汶川地震灾区。他说,他不是为了金钱而活,而是与音乐一起生活,希望用自己的音乐为他人带来更多的益处。

  临别前,尚-马龙说要弹奏一曲作为礼物,我点了一首《黎平》,他又“返场”为我再奏一曲《茉莉花》。曲毕,唯一可以表达我对他的敬佩的,就是鼓掌,为他感人的音乐鼓掌,为感人的他鼓掌。

·小众乐器更炫酷

2019-08-18 11:47:47

  7月29日,第六届北京国际圆号艺术节开幕,中央音乐学院也成为世界各地圆号演奏家和学生欢聚的殿堂。

  7月30日下午6点,在中央音乐学院内,约300名圆号演奏者齐奏的盛大场景让整个校园沸腾起来,这是艺术节特意安排的一场百人圆号快闪活动,身在校园中的人们沉浸在音乐的海洋中。

  在交响乐团里“核心”的乐器应该是吧弦乐器或者小提琴吗?这个问题对于多数东方的观众来说稍有点难度。圆号,这个东方观众不太熟悉的乐器却是乐团中的“核心”。一个优秀的交响乐团总是和一个优秀的圆号声部密不可分。圆号是铜管和木管音色之间的纽带,也为弦乐音响涂上凝重的底色,配合默契和声部平衡的圆号声部,是一个优秀和成熟的交响乐团必不可少的部分。

  圆号是古罗马、古希腊时期人们为了狩猎,运用动物的角制成号角,相互传递信息的工具。经过漫长的时间,这种号角被加工成为管身更长的乐器并进入交响乐团。

  由10位“90后”圆号演奏者组成的深圳猎人圆号重奏团近两年活跃在深圳音乐界。平均年龄23岁的乐团,激情四射的演出总是给人留下美好的音乐享受。本次圆号艺术节是深圳猎人圆号重奏团2018年成立后首次来京参加活动。

  “2010年我们几个师兄弟一起组团参加了深圳的艺术节,那次表演后,就有了建立圆号乐团的想法,经过这些年的沉淀,终于实现了共同的心愿。”深圳猎人圆号重奏团发起人、理事长徐景琦说。

  在主创团队中,徐景琦、华音杰、温乐铮都是旅德青年圆号演奏家。“我们的团员来自于国内外各大高等音乐学府,我们的目标是在传承古典音乐的同时,积极探索发展古典音乐与流行音乐相融合的音乐形式,为观众带来丰富多彩的视听享受及形式新颖的音乐晚会。”深圳猎人圆号重奏团团长华音杰说。

  据了解,国内目前注册的专职圆号重奏乐团凤毛麟角,目前较具影响力的中国圆号重奏团是由国内的各大院团首席圆号家组成的。

  “圆号是西洋乐器中比较小众的乐器,我们当年学习时,全国学习圆号的只有千余人。”华音杰说。圆号与双簧管被公认为是最难控制的乐器,管身长、音域广、泛音多。在交响乐团中,圆号首席的地位仅次于乐团首席。

  在欧洲,圆号作为单独乐器组团表演的形式比较普遍。“因此,学习圆号的人也比较多,年轻人对于交响乐的了解较为丰富,所以这个乐器在西方很盛行。”猎人圆号重奏团的首席温乐铮介绍。

  目前,随着国内经济的发展,大众对于交响乐的认知度与喜好度不断提升。“我们每次演出都能够得到很高的评价,国内市场的发展空间也非常大。”华音杰说。

  伴随着圆号重奏音乐的响起,大屏上出现漫威影视《复仇者联盟》中各个英雄的精彩片段。圆号演奏者们装扮成影片中的人物形象:蜘蛛侠、美国队长配合着影片中的乐曲,让人有一种从电影中穿越的感觉。这是2019年新年音乐会上,深圳猎人圆号重奏团表演的一幕。“新年音乐会是我们比较固定的演出,在每年的暑期我们也会策划一些面向大众的演出项目。”华音杰说。

  对于演出风格,徐景琦说:“由于团员都是‘90后’,我们的表现形式是多变的,希望能与当代时尚元素相结合。”在每场演出中,乐曲的选择都是他们精心设计的结果。传统的乐曲、当代流行、地域特色等因素都是考虑的重点。每一首曲子经过精挑细选才能在演出中完美呈现。

  2019新春音乐会以一首贝多芬的《艾格蒙特序曲》作为开场曲目,上半场以古典音乐为主,下半场以电影配乐为主,除上述漫威经典影片中的乐曲外,国内电视剧《亮剑》主题曲——《中国军魂》的演奏将音乐会推向高潮。现场好评不断,看完演出的“90后”观众总结一个字,就是“酷”。

·新时代歌词创作面临的机遇和挑战

2019-08-18 11:35:37

  当历史的时针指向二十一世纪第二个十年的最后一年,中国现代歌词已经是位“一百多岁的老人”了。这个“一百多岁的老人”虽然饱经风霜、命运坎坷、几起几落,但在过去的一百多年的时间里,所取得的辉煌业绩却是有目共睹、彪炳史册的。它曾拥有抗日救亡、新中国成立初期、改革开放新时期三次歌词艺术(也是歌曲艺术)高潮和高峰并赢得过无数次赞誉。当这样一位功勋卓著的“一百多岁的老人”跨进令人眼花缭乱的新时代,开始又一次新的“长征”,面对诸多的机遇和挑战时,还是显出有点举步维艰。

  一是全媒体时代的文艺创作已经从精英时代走向大众时代。中国音乐文学学会会长宋小明曾说:“职务创作的时代已经结束。”这种从“精英”到“大众”的“下移”,给文艺创作带来的冲击和阵痛,是我们始料未及的。一方面,人们对文艺创作减少了神秘感和距离感,人人皆可创作,人人皆可评论,歌词艺术也不例外。另一方面,人们对于文艺创作也少了敬畏心和匠心,于是,就造成了作品数量的剧增和质量参差不齐的局面。

  二是随着时代的高速发展、社会阶层的多元裂化,导致消费者细分、媒介小众化,我们认知感觉的世界越来越“碎片化”。这影响到我们创作者对某一行业、某一领域、某一阶层,从人到物的全面深入了解,也影响到我们对事物本质规律性的准确把握,更影响到我们作品的真实性和感染力。一方面,人与人之间的沟通由于通讯的高度发达而变得更加频繁便捷;另一方面,人与人之间的隔膜感、不信任感也日益加深。

  三是“读图时代”的全面来临,让文艺作品的想象力和感染力遭遇前所未有的挑战。一千多年前诗人李白形容“黄河之水天上来,奔流到海不复回”,形容庐山瀑布“飞流直下三千尺,疑是银河落九天”。相信当时大多数中国老百姓没有亲眼见过黄河和庐山瀑布,诗人的文化优势和想象天赋十分明显,可以尽情发挥。而一千多年后的今天,很多中国老百姓已经去过或借助全媒体见过黄河和庐山瀑布,今天的诗人词家再去形容,不要说达不到李白的高度,就是李白再世,文艺在农耕社会原有的对受众心理的冲击力和审美体验,也会大不如前。创作者必须具有更宽的视野、更深的文化修养、更超群的艺术想象力,才能征服受众那颗不断求真、求新、求美的好奇心。

  四是由于社会上对歌词艺术这种“家常饭”“粗布衣”(乔羽语)需求的海量增加,词作家们忙于应付应酬,来不及“加油充电”的现象相当普遍,常常是边积累边创作,它预示着艺术生产已经进入了无准备、少积累时代。我们知道任何文艺高峰的到来,文艺家们都必须经过较长时间的人生和艺术积累,所谓“十年磨一剑”,而不是像现在这样“一年磨十剑”。同时,社会发展也有进有退、有快有慢,螺旋式上升、波浪式前进,与文艺发展相互作用,相互影响。

  五是由于全媒体时代拓宽了作品的发表和问世渠道,造成文艺创作进入无梯次、走捷径时代。虽然媒体有传统媒体、新媒体与自媒体之分,创作队伍有“中央军”和“地方部队”以及“民兵”之分,展示平台有大、中、小之分,但由于我们都身处人类命运共同体的地球村,信息网络的高度发达,加上出名流传是音乐娱乐界的“硬道理”,这就诱使部分创作者追名逐利、只顾眼前利益,不顾长远追求。

  六是新的文艺样式层出不穷,人们文化欣赏的口味也日新月异,歌曲这种传承至今的“古老”艺术,已经从媒体以往首选的强势品种,向弱势品种过渡。歌曲市场,已经从买方市场转向卖方市场,供大于求将是长期存在的客观现象。过去是我们写什么你听什么,现在是你想听什么决定我们写什么。过去是受众找歌曲,现在是歌曲找受众。以往每年都会有几首甚至七八首歌曲作品在华夏大地广为传唱,现在这些已经成为美好的回忆。

  面对上述各种机遇和挑战,我们歌词创作者要做的是:

  一是耐住寂寞、潜下心来、加强学习。学习不能仅仅局限于过去的歌词经典和文学类别中的诗歌、民歌以及音乐知识,还应该扩展外延,学习政治、经济、历史知识、文艺发展史、人物传记以及其他相关艺术门类的知识,并适当读点杂书、闲书,以拓宽自己的知识面,因为音乐文学作品中自然会涉及抒情对象的历史观、艺术观、价值观和人生观。

  二是面对日益“碎片化”的生活,要练就“集腋成裘”的本领,写好自己熟悉的生活。所谓集腋成裘,就是积少成多,并用我们广博的知识、非凡的想象、细腻的情感、高度的概括做构思技巧的“黏合剂”。

  三是要树立精品意识,不求多而杂,只求少而精。究其艺术家一生的作品而言,能被后世记住的作品非常有限。除去他(她)起步阶段的练笔和高峰过后的下滑,真正有思想、有筋骨、有温度的作品少之又少。那种挥笔就是千首歌、万首歌的词作家,毕竟是极少数。对于大多数词作者而言,不管你有多少诱惑、多少需求,以一当十地写好每一首作品更为重要。过去有种说法叫做“只问耕耘,不问收获”,其本义是指创作不要有太多功利性。但如果一味地只注意数量,不注意质量,到头来还是会“一无所有”。我们要像鲁迅先生那样,铭记读者付出的钱所带的体温,不轻易下笔。

  四是艺术创作总是相伴人生的起起落落、悲欢离合,要有长期“作战”的心理准备。最好的情形是像著名作家木心倡导的那样,早熟晚开,把创作作为自己终生的事业和爱好,不急于求成,不急功近利。正如著名儿歌作家圣野所说的那样:“诗人一生都在战壕里,等待着出击的最好时机”。

  五是摆正心态,苦练基本功,远离“病危通知书”。大约在18年前,有人曾为歌词创作写了一封“病危通知书”,指出一些影视歌词晦涩难懂、充满语病,一些新创作的歌词立意肤浅、内容空乏,“那个空呀,那个假呀,那个浅呀,那个傻!”其实这些都是我们歌词创作乃至整个文艺创作中的“常见病”和“通病”。这些“常见病”和“通病”,虽不至于马上“病危”、住进“重症监护室”,但起码是一种“慢性自杀”。为什么18年后这种“通病”依然故我呢?其原因笔者以为有三。第一是从上到下患有一种“精品焦虑症”和“过分关注症”。一焦虑一关注,可能就不会按照艺术规律办事。要允许文艺创作有一个高峰来临前的平庸期和准备期。抗日战争起于1931年,但抗日救亡歌曲的高峰作品《黄河大合唱》,却诞生在1939年。伟大的长征壮举完成于1935年,而表现长征的高峰作品《长征组歌》却诞生在30年后的1965年。第二是社会转型期对于原有的文艺家而言,有一个逐步适应的过程,对于新生的文艺家有一个探索积累期,不能急于求成。第三是文艺弘扬正气和针砭时弊两大功能发展不平衡,多年来前者震耳欲聋,后者轻声细语,殊不知针砭时弊也是主旋律,也是正能量。

·《钱塘江交响》:展现勇立潮头、敢为人先的“弄潮儿”

2019-08-18 11:32:39

  波澜壮阔、奔竞不息的钱塘江,浩浩汤汤600余公里,是浙江省第一大河,自古以“壮观天下无”的钱江大潮而闻名于世。7月23日,由杭州市委宣传部、杭州市江干区委员会、江干区人民政府出品,中国交响乐团演出的《钱塘江交响》音乐会在北京国家大剧院首演,用交响乐的形式展现了钱塘江两岸人民战天斗地、勇搏激流淬炼出的“弄潮儿”精神。

  《钱塘江交响》由作曲家叶小钢、关峡,指挥家邵恩联袂4位青年作曲家杨帆、王喆、黄凯然、李劭晟共同创作。105分钟的演出,以《钱江潮》《美丽乡村》《钱塘随笔》《白马》《印》《乡愁》《之江梦》7个篇章,从不同角度艺术地再现了钱塘江流域特有的人文地理、民俗风情和时代风貌,以及新中国成立70年来钱塘江两岸的巨大变化和辉煌成就,引发听者对伟大时代催生伟大事业的全身心共鸣。

  据《钱塘江交响》音乐总监、中国音协副主席关峡介绍,音乐会从酝酿到演出历时3年,作曲家更是多次赴钱塘江一带采风,寻找创作素材和灵感。最终,音乐会将以经典宋词为代表的韵味醇厚的传统文化和以“之江新语”为代表的特色鲜明的时代文化相融合,淋漓尽致地展现钱塘江悠久的历史、灿烂的人文和改革开放以来的巨大变化;既有钱塘人善良温和、宽宏通达的品性,又有钱塘人果敢坚毅、刚强不屈的风骨;既有涓涓细流入富春、汇钱塘、奔腾入海的宏伟壮观,又通过对钱塘江大潮激动人心场面的描绘,彰显了浙江人民勇立潮头、敢为人先,率先在海上丝绸之路与世界互通共荣的精神内涵。“《钱塘江交响》是为展示钱塘江文化独特魅力而精心创作的文化精品项目,我们希望通过这台演出,展现钱塘江流域文化的精神风貌和敢为人先、勇立潮头的‘弄潮儿’精神。”关峡说。

  音乐会以关峡创作的交响音画《钱江潮》开篇。作品在描绘钱江潮这一世界独特景观的同时,歌颂了“弄潮儿”踏着时代浪花追求梦想的精神。中国文联副主席、中国音协主席叶小钢创作的交响素描《美丽乡村》是以浙江杭嘉湖一带的民间音乐为素材的交响乐小品,作品热情讴歌与描绘了中国江南乡村的秀丽风光与杭嘉湖一带厚重的人文底色,音乐清新优雅,旋律线索明晰,表现了新时代浙江新农村的新气象、广大农民新的精神面貌。指挥家、作曲家邵恩创作的钢琴协奏曲《钱塘随笔》分为《源》《流》《涌》3个乐章,彰显了钱塘江夜以继日奔流不息、永远青春的宏伟与壮丽。

  音乐会下半场,杨帆、王喆、黄凯然、李劭晟4位年轻作曲家的作品从不同角度展现了钱塘江文化以及两岸人民不服输的坚韧精神。《白马》讲述了“滔天力倦知何事,白马素车东去”的故事;《印》生动描绘了3000年来西泠印社的印章象征的文化精神;《乡愁》勾起背井离乡、闯出一番天地的钱塘人的乡愁;《之江梦》作为点睛之笔,表达了之江两岸英雄层立的气质以及对未来的期盼。

  在音乐会后举办的作品研讨会上,与会专家学者一致认为,激昂的旋律激发昂扬的斗志,伟大的时代创作伟大的作品,创作《钱塘江交响》是推进钱塘江文化精品创作、以顶尖艺术手法展示钱塘江文化时代内涵的一次创举,是钱塘江文化走向全国、走向世界的重要形式,是用交响乐这一世界通用艺术语言讲好中国故事的生动实践,更是一条大江的深情吟唱。

  音乐评论家卜大伟认为,《钱塘江交响》并未选取特定的历史、人物或事件作为表现对象,而是通过意象式的表达,弘扬了浩然的民族气概,体现了中国文化的优秀传统,彰显了时代的人文关怀。上海音乐学院教授钱仁平说:“作品中运用了大量民族民间音乐素材,可贵的是运用不落俗套,具有强烈的时代感,既令观众感到亲切,又充分体现了作曲家的个人风格与创作诉求。”音乐理论家丁旭东则认为,《钱塘江交响》是一部气度非凡的作品,惟妙惟肖地表现了江南风韵,具有独特的文化诠释意味与时代观照精神。

·北京国际音乐节今年又上“新”

2019-08-18 11:29:23

  10月4日至28日,第22届北京国际音乐节再次回归。三周内,16套、共计22场涵盖了歌剧、交响音乐会、独奏、室内乐音乐会以及VR虚拟现实音乐体验等多种形式的精彩演出将陆续上演,包括儿童音乐会、大师班、论坛、音乐会导赏等在内的12场公益活动也将在此期间展开。今年,北京国际音乐节将以“新古典,乐无界”为主题。在新任艺术总监邹爽的带领下,无论是世界最前沿的音乐展现形式,还是推广中国作品,北京国际音乐节都有了新的突破。

  大师名团如约而来 开幕音乐会首访国家大剧院

  北京国际音乐节从来不乏名家的身影。在10月9日的开幕音乐会上,被公认为20世纪最伟大花腔女高音之一、有着“花腔之王”美誉的埃迪塔-格鲁贝罗娃将登台献唱。72岁的格鲁贝罗娃曾与卡拉扬、索尔蒂、伯姆等大师合作过。此次,她将与指挥彼得-瓦伦托维克、中国爱乐乐团一道,献上一场包含多尼采蒂、罗西尼、贝里尼和威尔第等众多歌剧作曲家唱段的集萃演出。此外值得一提的是,本场开幕音乐会将在国家大剧院音乐厅举行,这也是北京国际音乐节的演出首次造访国家大剧院。

  10月28日,当今国际歌剧舞台上最具影响力的美国女高音蕾妮-弗莱明将为本届音乐节闭幕献唱。弗莱明是国内乐迷最为熟悉的国际知名女歌唱家,曾多次荣获留声机、格莱美大奖,是20世纪90年代全能型女高音的代表性人物。本次也是弗莱明首度亮相北京国际音乐节舞台。著名指挥家、北京国际音乐节艺术委员会主席余隆执棒中国爱乐乐团为她演奏。

  另外,马勒室内乐团也开启了北京国际音乐节“驻节乐团”的新篇章。指挥大师阿巴多于1997年创办了马勒室内乐团。这支乐团由来自20多个国家的精英年轻演奏家组成,与阿巴多、丹尼尔-哈丁、丹尼勒-加蒂、帕沃-雅尔维、杜达梅尔等众多知名指挥家都有合作,乐团还是每年琉森音乐节驻节管弦乐团的核心组成部分。2015年,乐团曾在芬兰指挥大师萨洛宁率领下首次登上北京国际音乐节舞台。从今年开始,乐团将连续三年担任音乐节的“驻节乐团”。

  探索新聆听方式 长城脚下音乐会长达8小时

  一直以来,邹爽都致力于把国际乐坛最前沿的表达方式带到观众面前。在去年正式接替余隆出任音乐节艺术总监后,今年,邹爽带领的音乐节在新锐作品方面有了更多的尝试。10月4日,作曲家马克思-里希特将在水关长城脚下带来一场名为《追梦-长城夜》的概念音乐会。这部作品由钢琴、弦乐五重奏和女高音共同演出,概念源于里希特2015年在DG唱片公司发行的专辑,长达8个多小时。届时,作曲家将亲临现场演奏,演出将从深夜十点持续至黎明时分,观众将在搭建有床位的露天场地里“过夜”聆听。

  10月10日至27日,北京国际音乐节、荷兰艺术节、德国赫尔豪森艺术节与普罗旺斯国际音乐节联合委约荷兰国宝级作曲家米歇尔-范德阿的最新作品《捌》将在三里屯红馆上演近900场次。《捌》仅有15分钟左右,但集音乐、剧场艺术、视觉艺术和虚拟现实技术于一体,观众们需要头戴VR装置体验这部“只给一个人做的歌剧”。此外,在歌剧方面,因今年是亨德尔和柏辽兹逝世260周年和150周年,音乐节将用音乐会的形式,携手已故传奇小提琴大师艾萨克-斯特恩之子大卫-斯特恩和指挥大师夏尔-迪图瓦等艺术家,分别呈现两人的歌剧《塞尔斯》和音乐传奇剧《浮士德的沉沦》。

  音乐节还将在今年与北京音乐广播(FM97.4)合作,推出“午间音乐会”。“午间音乐会”的概念起源于欧洲,在英国等国家十分盛行。不同于晚间进行的音乐会,午间音乐会时间较短,通常为30至40分钟。10月9日至11日,旅美中国青年钢琴家左章将连续三天演绎巴赫、舒曼、李斯特等人的经典作品以及谭盾、皮亚佐拉等跨界曲目,广播直播将音乐带到城市的每一个角落。

  让年轻人都进来 青年作曲家杜韵周天携手亮相

  2002年,北京国际音乐节设立了“中国概念”板块,在这个平台上,叶小纲、陈其钢、郭文景、周龙等一大批中国作曲家的作品为更多的观众所熟知。“我们不能只推荐大师,年轻人一定要出来。”余隆说。今年,北京国际音乐节把展示的空间留给了杜韵、周天两位青年作曲家。

  10月18日和19日,作曲家杜韵斩获2017年普利策音乐大奖的歌剧《天使之骨》在保利剧院上演。杜韵是目前活跃在海外的新生代华人作曲家中的代表人物,《天使之骨》是她用七年时间打造的作品。同时,杜韵还因《空气灼热》一曲获第61届格莱美音乐奖最佳古典乐作曲家提名。在她之前,周天凭借《乐队协奏曲》获第60届格莱美奖最佳当代古典音乐作曲奖提名。“我非常高兴看到,我们年轻的作曲家这么有生命力。”余隆认为,想要让这些作曲家被更多观众了解,决不能只靠“自娱自乐,一定要让国外的乐团来演奏他们的作品。”10月25日,马勒室内乐团将用一场音乐会演绎杜韵的《空气灼热》和周天的《乐队协奏曲》等作品。

  北京国际音乐节的舞台同样少不了孩子们的身影。来自英国的阿尔玛-多伊彻集钢琴家、小提琴家、作曲家于一身,这位年仅14岁的音乐天才将在10月12日带来本届音乐节唯一一场器乐独奏音乐会。届时,多伊彻将演奏她4岁到14岁时创作的钢琴作品,并在下半场作为小提琴家演绎巴赫和舒伯特的室内乐杰作。

  音乐节多年打造的公益品牌“儿童音乐会”也将走上新的高度。主办方将邀请来自欧洲及中国的主创、主演团队,带领小朋友们体验服装和舞美制作,组建BMF少儿节日乐团,与指挥家张冰冰一起演出奥芬巴赫的歌剧《霍夫曼的故事》。这将是北京国际音乐节第一部完全由儿童和青少年制作并演绎完成的歌剧。

·歌剧院那么大,演员为何不用麦克风

2019-08-18 11:14:14

  众所周知,麦克风最基本的功效是扩音,好的麦克风还能对声音进行润色。但一台真正的歌剧表演是不会使用麦克风的,即便像意大利维罗纳剧场这种能同时容纳2万名观众的露天剧场,歌剧演员们也照样不用麦克风。一名合格的歌剧演员必须具备让声音穿过乐池里交响乐队的音墙并清楚传递到大剧场每一个角落的能力。

  起源于意大利的美声唱法,能够让声音具有超强的穿透力。这也是为什么我们看到的歌剧演员无论是在与仇人厮杀,还是在对情人表白,永远都是“使尽浑身气力”在歌唱,且声音也总是饱满、凝聚,精致完美,却又让人在其内敛、克制的情感表达里感觉到一丝距离。

  相较而言,音乐剧的演员就“幸福”多了。有了麦克风的扩音辅助,他们可以把所谓“发声的位置”放下来,可以用气声,可以真假声交替,可以说唱……所以,对于大多数观众来说,音乐剧演员的演唱更接近常人,也更容易被学习和模仿,与自己的距离感也就近了很多。

  麦克风对演员演唱状态的影响,远不止演唱方法。因为使用了麦克风,音乐剧里的演员们可以边唱边跳,也可以侧对观众、甚至背对观众说话演唱,对观众的听觉体验都不会有任何影响。这在不用麦克风的歌剧中是不可能的。如果演员不让声音直接面向观众席传递,观众听到的声音就会变小、变模糊。而幅度过大或时间过长的肢体动作,也会分散歌剧演员的“气力”,影响其声音的音量和穿透力,进而影响观众的听觉体验。所以,从某种角度而言,有些歌剧演员常常不自觉地“重唱轻演”,也有不得已的苦衷。当然,真正顶尖的歌剧演员一定是唱演俱佳的。

  正是因为歌剧演员不用麦克风,每一个人声都会随着演员的移动而即时变化,观众的听觉与视觉体验的空间感才会更加统一。“卡门”在台左,声音也在台左,“斗牛士”从台右走上来,声音也从台右由远及近,幕后合唱的声音听上去也就是在很远的地方。而音乐剧因为有麦克风,所有演员无论身在何处,声音都通过音箱传出,方位感显得差了很多。不过,随着科技的发展和全息技术的不断进步,这个问题已经得到了很好的改善。

  由于不用麦克风,歌剧的舞台布景通常会比较厚重,大块面的地板状布景有利于舞台上的声音向观众区的反射,而三面合围的布局则更有利于舞台声音的聚拢。专业的歌剧舞台设计能营造较好的声场,为歌剧演员们“助力”,但也因此容易变得笨重,不便频繁灵活地移动。而音乐剧的舞台设计无须考虑这些,往往会更多地考虑演出中快速换景的便利。这也是音乐剧与歌剧在视觉呈现上有所差异的原因之一。

·换一种眼光,看中国歌剧

2019-08-18 09:32:15

  全世界有不少经典歌剧都源自于神话。近日,中国神话人物炎帝神农的故事将被搬上歌剧舞台。

  这部由上海歌剧院打造的原创歌剧《天地神农》,将为观众带来怎样的观剧体验?该剧导演陈蔚、编剧游 之、作曲金复载在接受记者采访时,袒露了他们的创作心得以及对中国原创歌剧的思考。

  贪婪与牺牲,探索与恐惧

  解放周末:世界经典歌剧中有不少都取材于神话,比如《达芙妮》《奥菲欧》《尼伯龙根的指环》《漂泊的荷兰人》等,展现了信任与背叛、罪恶与救赎、复仇与宽恕等人类永恒的命题。此次上海歌剧院为何选择炎帝神农的神话作为歌剧创作的灵感?这部原创歌剧试图表达怎样的主题?

  游暐之:炎帝神农是我国上古时期的神话人物,他教人们五谷耕种,为使族人不再受病痛折磨,决定亲尝百草,用以治病。当神农发现自己因为有神力的保护而百毒不侵后,主动请求昊天大帝去除自己的神力,成为一个平凡人。此后,他“一日遇七十毒”,最终因误尝断肠草而死。

  与那些凡人羽化成仙或是神魔以神力造福一方的神话故事不同的是,神农弃神为人、向死而生的选择背后蕴含着他探寻人生价值的深刻思考。贪婪与牺牲,探索与恐惧,生命的脆弱与精神的永存,是我试图通过这部歌剧想要表达的。

  解放周末:一部歌剧由核心人物、核心事件与核心唱段构成。这部戏的“看点”有哪些?

  陈蔚:以炎帝神农为首的核心人物共有9个:神农和他贤达的妻子听訞,阴郁的伯强与两个妖女,昊天大帝与凤凰天女,善良的老妪与天真的孩童。每个人物都具有复杂性。

  神农由神变成人的场面是这部歌剧最感人的核心事件之一。天穹裂开,众神闪现,去除神力的炎帝一夜白头。他永葆青春的爱妻肝肠寸断,唱起了咏叹调《承受百毒侵蚀的无边痛苦》。彼此深爱对方的夫妻面临诀别,神农坚定地唱起《完成应当完成的任务》,这些都是剧中的核心唱段。

  虽以神话为源,却落脚在“人”

  解放周末:这部歌剧讲述的是上古时代的故事,怎样才能引起当代观众的共鸣?

  游暐之:不管是上古还是当代,人类的情感是共通的,《天地神农》虽以神话为源,却落脚在“人”,我想用情感打动观众。剧中的神农是一个神,但不是一般意义上的“高大全”形象。当他自愿去除神力的时候,内心其实是有过犹豫的。他唯一的一段咏叹调就是在即将去除神力、登上山顶的时候,他唱道:“继续向前意味着生命的消失,不远处就是山顶,脚步再难前行……”面临着与妻子的分别,他也有普通人的情感。

  听訞作为神农的妻子,此时也非常痛苦,她有一段唱词:“你想着如何解救天下万民,而我想的是怎么解救你。”昊天大帝在剧中虽然是高高在上的神,但他和一个望子成龙的普通父亲一样,对神农这个优秀的儿子也寄予了厚望。当儿子说要弃神成人的时候,他很不理解,但最终被说服了。

  陈蔚:这是一部关照当代的作品,它与现代人的情感是有对接的。每个人都要知道自己从哪里来,寻找自己的根,寻找民族的根。没有神农授农耕、尝百草,就没有华夏民族的今天。神农为了以身试毒,甘愿去除神力的那个瞬间令我非常震撼,我相信观众也会从神农的精神中得到滋养。在排练的过程中,我一直主张要以最质朴、最真实的表演打动观众。

  解放周末:什么样的表演是质朴的表演?

  陈蔚:很多人认为歌剧演员的声音是最重要的。在我看来,除了唱得好,用声音塑造人物外,更重要的是要从内心出发,用真诚打动观众。质朴的表演,就是把外在的“包装”撕掉。现代人的内心都有层层的盔甲,演员在舞台上要舍得把自己的情感投入进去。

  听歌剧,不只是听几首咏叹调

  解放周末:金复载老师早年创作的《舒克与贝塔》《三个和尚》《哪吒闹海》等动画配乐是许多观众难忘的经典。除了影视作品外,您的创作还涉及音乐剧、交响诗、戏曲等诸多领域,但是写歌剧,您还是第一次。歌剧的音乐创作与您过去的创作有何不同?

  金复载:我内心是有些忐忑的。歌剧的结构很庞大,剧中的人物塑造、人物交流、环境描写全都要依托音乐来完成,而且整部歌剧的音乐必须有一个完整的结构,这一点和写音乐剧或戏曲有所不同。歌剧演员分很多声部:男低音、男中音、男高音、女中音、女高音等,可以通过不同的声部把人物的性格尽可能地用音乐表现出来,而音乐剧在声部和写法上没有那么丰富。

  解放周末:一部成功的歌剧必然有令人难忘的咏叹调,您在咏叹调上一定也花了很多心思吧?

  金复载:说实话,我写咏叹调倒不紧张,写宣叙调比较紧张。宣叙调就好比是演员之间唱出来的“对白”,如果写得不好,观众会不知道演员究竟在表达什么,在写作时必须要把歌词的抑扬顿挫和音乐环境以及人物的性格巧妙地结合在一起。

  写歌剧不是只要写几段好听的唱段就成功了。对观众来说,他们在两个小时里也不会只期待听到几首好听的咏叹调。重唱、合唱这些歌剧音乐中的重要组成部分同样是推进故事、发酵情感的重要手段。在《天地神农》里,男主角神农完整的咏叹调只有一段,甚至还没有他的妻子听訞来得多,这一方面是剧情的需要,更重要的是,我认为歌剧的音乐要有大结构,要讲究戏剧性,现代歌剧的咏叹调必须用在关键的地方,如果咏叹调太多,很容易打断戏剧的进程。我一开始就跟编剧说,我不会用创作音乐剧的思维来写这部歌剧,音乐剧就是由一首首歌串起来的,我想要加强音乐的戏剧性,加强重唱。观众在一开场的合唱之后就会听到二重唱和三重唱,而不是每个主要演员在舞台上轮番唱一段咏叹调,那样的话整个戏剧的节奏就散掉了。

  做到这两点,观众才会认同这是中国歌剧

  解放周末:作为一部中国歌剧,会在音乐中使用较多的民族乐器吗?

  金复载:很多人都有一种观念,认为中国歌剧一定要采用戏曲的唱腔、民歌的旋律,配器里面一定要用民族乐器,我不这样认为。《义勇军进行曲》《嘉陵江上》《游击队之歌》《歌唱祖国》,这些经典歌曲都是西洋音乐,并不是民族音乐,但没有人会否认它们反映了我们民族的精神。所以,我的原则是,当剧中有特殊人物或事件需要民族元素时,就使用,不相干或不需要就不用。在使用时还要考虑这些元素能否与歌剧音乐的整体气质相符,不破坏或干扰戏剧的结构。总而言之,合适才是硬道理。

  游暐之:炎帝神农在山西、陕西、湖北等地都留下过足迹,但金复载老师的音乐并没有贴上这些地方音乐的标签。比如,在赤姜、玄姜和伯强的一段三重唱里,有花鼓戏的元素在里面,但如果不说,大家可能并不会意识到,因为金老师将这些元素化用在了音乐中。

  陈蔚:我很同意二位的观点,中国原创歌剧不是非要用民歌、非要用二胡才能体现“中国”二字。中国歌剧首先应当表现中国人的精神。《天地神农》力图表现的就是中华民族勇于探索、不惧牺牲的精神。其次,歌剧的整体气质应当是中国的。做到了这两点,一部歌剧不论到什么地方去演,观众都会认同这是一部中国歌剧,这部歌剧也才能真正走向世界。

  解放周末:近年来的歌剧舞台上不乏新作品问世,但有些剧目在公演后便“刀枪入库”了。什么样的歌剧才能拥有长久的生命力?

  金复载:一部作品的生命力关键取决于它是不是从艺术出发,能否以艺术体现内容,以艺术打动观众。很长一段时间以来,中国观众对中国歌剧形成了一种固定的认知,但就音乐呈现的方式而言,中国歌剧并不是只有一种传统形式。我们的这部歌剧在音乐呈现上和过去不太一样,尝试了更多的立体思维和块面思维,而不是传统的线性思维,希望带给观众新的观剧体验。

·民歌何以嘹亮

2019-08-18 09:30:02

  “山歌不唱呃就不开怀哦,磨儿不推不转来哟,酒不劝郎呃就郎不醉哦,花不逢春不乱开哟……”

  诗以言志,言之不足,则歌咏之。民歌作为我国传统音乐的一种,是人民社会生活与思想情感最直接、最真诚的流露和表达。很久以前,我们的祖先在狩猎、搬运、祭祀、娱神、求偶等活动中就开始了他们的歌唱。《诗经》作为我国第一部诗歌总集,其中的《国风》便采集了当时黄河流域15个地区的民歌,今天读来依然可以感受到当时的社会生活风貌。

  随着现代生产生活方式的到来,在山野之中张口就唱、随心而歌的空间也呈现萎缩的趋势。云南省民族艺术研究院研究员王群说,上世纪80年代他曾对基诺族的传统音乐进行考察,当时基诺族总人口仅有1万多人,采录到民歌600多首。当2005年王群再次对这一民族的传统音乐进行调研时,他仅找到几位基诺族群众会唱本民族民歌,采录到的民歌只有几十首。

  20世纪初,随着我国非遗保护工作的启动和不断推进,社会各界开始逐渐关注到保护和传承民歌的重要意义。自2002年起,原文化部和各有关地方政府组织举办了多届南北民歌擂台赛、中国原生民歌大赛,直到如今的中国原生民歌节。一系列与民歌相关的公益演出、学术研讨观摩等活动得到社会各界的广泛关注和积极响应,成为具有影响力的原创文化品牌。

  为了保护和传承传统民歌,各地文化和旅游部门也积极行动起来。云南省非物质文化遗产保护中心传承培训部主任邹萍说:“1997年,云南省文化厅和民族事务委员会开始联合举办两年一届的云南民族民间歌舞乐展演,至今已经举办了10届,成为全省音乐舞蹈类项目传承和交流的平台。展演强调传统与创新相结合,注重民族民间的特性和艺术品位。这一平台让许多来自民间、老百姓自娱自乐的歌舞乐节目更好地得到了推广、普及和传承。”

  蒙古族长调民歌是蒙古族最具代表性的一种文化表达方式。2008年,我国和蒙古国联合将这一项目申报为人类非物质文化遗产代表作名录项目。内蒙古自治区文化和旅游厅非遗处副处长刘佳说,激活蒙古族长调民歌在民众生活中的社会文化功能是保护传承工作的重中之重。他们在自治区范围内选择了6个蒙古族长调民歌富集区域设立了民歌传承基地,在基地中设立传习所和传承户,通过多级协作开展各种形式多样的传承活动,并以传承人为中心,开展面向牧民和少儿的民歌培训。此外,还依托内蒙古自治区各大艺术类高校,邀请传承人进校园开展“长调进课堂”活态传承活动,取得了良好的成效。

  日前,由文化和旅游部、云南省人民政府主办的2019中国原生民歌节在云南楚雄举行。来自全国29个省(区、市)21个少数民族的国家级和省级非遗代表性传承人、各地的优秀民歌手为观众展现了吴歌、畲族民歌、陕北民歌、侗族大歌、彝族海菜腔等50种传统民歌。

  身为此次民歌节专家委员会成员和民歌展演的导聆人,中国音乐学院教授张天彤说:“坚持举办这样全国性的民歌活动,对于那些坚守民歌传承的传承人而言是一种无形的鼓励与肯定,同时能够吸引更多群体的关注和参与。”她表示,在本次民歌节作品的报送和选拔中,专家们也发现了一些问题,比如有些作品过度包装,加上并不适宜的和声或伴奏。

  “能够理解这些操作是歌手提升民歌作品艺术性的一种渴望,通过中国原生民歌节这个平台可以对这些不当做法给予一定的纠正和指导。”张天彤说,“保护和推动民歌的传承发展,需要政府出政策、高校出智慧、民间出资源,集各方力量共同努力。”

·黄河岸边的民谣

2019-08-18 09:27:56

  三千年不断流淌的音乐精神

  三年多夜以继日的电影创作

  化作一百分钟大银幕的曼妙时光

  我的故乡平遥那时还不叫平遥古城,也远远没有现在的名气。我们岳壁村离平遥城十里地,自古以勤于耕种闻名。20世纪70年代末,在外当兵的父亲病休回家,受村里委托负责新戏台的修建工作。新的戏台修得就像城里摩登的剧场,两边二层配楼像一对翅膀衬托着中间高大宏伟的戏台,由于是露天的场子,新戏台居然显得比城里的剧场更加敞亮。戏台落成后,父亲特意定制了一个大大的金属飞机模型,用一根高杆立在了戏台的圆顶上。飞机的扇叶随风转动,成了远近闻名的风景,也成了很多孩子对外面世界的憧憬。

  有了戏台,就要开锣唱戏。农历七月十八,瓜果飘香、秋收在望,岳壁村总要在此时举办一年一度的庙会。唱大戏是全村人的节日,戏台外的马路上摆满了地摊,买卖牲畜的在袖筒里谈着价钱,鸡毛掸子、笤帚簸箕都是老乡手工做的,铁匠铺的农具、城里来的生活用品称不上丰富多样但也足够逛上一逛。因为唱大戏,周围村子的亲友都要来,关系近的还会住下来看几天的戏。按传统一般是下午折子戏,晚上开本大戏。那个时代花点钱还能请到省里的、平时只能在收音机里听到的晋剧名角儿。大腕亮相,台上伍子胥、诸葛亮、司马懿、包拯、杨家将、秦香莲、李慧娘等你方唱罢我登场,台下人山人海,热闹非凡。由于没有阶梯形的看台,桌子上、树上、房顶上杂乱地挤满了人。这是真正的节日,生活需求、社交需求、情感宣泄、社会动员、观念形塑、历史传承汇于一锅。那是今天被电视、手机分割成孤单个体的人们无法想象的场面。

  第一次听苏阳,是在我的老式高尔夫车里。2007年,毕业一年的刘硕送了我一张碟《贤良》,说这张碟应该对我的口味。他说对了。那时,四环边的鸟巢还没完工,中国人还不知道经济危机,雾霾也不是常见词,城市还在高速地扩张着,而车内的我听到了一个陌生又熟悉的世界,黄沙漫漫、黄河滔滔。苏阳的歌有一股子劲儿,够土但也够高级,土是骨子里的,高级是一种感觉,那是一种说不出来的自我认同与激励。在苏阳的歌里,我仿佛看到了儿时的戏台。

  第一次见苏阳,是在麻雀瓦舍。刘硕和前女友买了票请我去听现场。我们在二楼喝着酒远远地看着,楼下是手舞足蹈的男男女女,唱到高潮时,台上上去了很多奇男子,苏阳被歌迷们搂着肩膀一起纵情高歌,大家开心地笑着,苏阳收敛地笑着。从黄河岸边来的民谣,经过苏阳的口,变成了不同地域、不同文化背景的人可以共情的音乐。它不再是我儿时的晋剧,因为晋剧只能跟山西人聊,也不再是秦腔、花儿,因为秦腔和花儿只能和西北人聊,它使用了新的音乐形式,成了可以分享的乡音。

  第一次跟苏阳面对面聊天,是在王洁位于人大体育馆的安静闲适的老茶馆里,天空之城影业的创始人路伟正张罗着给苏阳拍个纪录片。路伟和苏阳有过《大圣归来》推广曲《官封弼马温》的合作,路伟和我则有过《喜马拉雅天梯》的合作,再加上我和包包都喜欢苏阳的歌,大家一拍即合。那时,苏阳刚刚开始启动“黄河今流”的综合艺术计划,希望用多种艺术形式共同呈现西北传统的精神世界。这个艺术计划跟计划完成的纪录片大方向一致,于是两者暂时同名。后来苏阳、包包和我一起在慈云寺吃饭,费尽思量将纪录片定名为《大河唱》,意为一条大河在唱歌。而黄河确实从《诗经》就开始高歌“关关雎鸠,在河之洲。窈窕淑女,君子好逑”。再后来,包包、萧萧、余曦和我一起在三里屯喝咖啡,绞尽脑汁确定英文名为THE RIVER IN ME。每个人心中都有一条自己的河,《大河唱》就是THE RIVER IN ME。

  《大河唱》从一开始就确定为音乐纪录电影,以西北民谣代表人物苏阳为线索,串起与他关系紧密的四位民间艺人。

  张进来是银川一家民营秦腔剧团的团长,“传承、创新、引领文化发展”,常常被他挂在嘴边,大家开玩笑说张团干着民间剧团的事,操着文化部部长的心。

  魏宗富是甘肃环县道情皮影兴盛班的第四代传人,他一边演戏一边种地,一边感叹皮影要灭亡,一边在“快手”上做直播,努力拓展着传统皮影的当代边界。

  马风山是宁夏固原的回族花儿歌手,老一辈人觉得回族不唱花儿,而老马他们觉得花儿就是自己心底的歌。

  刘世凯是一个非典型民间艺人,他的主要收入来自干包工头,陕北说书是他跟着父亲顺带学的,虽然不是主业,但老刘依然保持着两句话抓住台下所有人的超常能力。

  有了方向,有了人物,片子就可以开始拍了。开拍前,我们请中国音乐学院专门研究民间音乐的萧璇老师带队对人物进行了三个月的前期调研。萧老师既是民族唱法歌手,又是清华大学的人类学博士,她的背景可以帮助剧组更好地理解人物、理解音乐、理解文化结构。前期拍摄分四个组,柯永权带队跟拍苏阳,同时也统领航拍整条黄河的特殊摄影组;杨植淳与《摇摇晃晃的人间》的摄影师薛明搭档,跟拍唱花儿的老马和唱皮影的老魏;《阿仆大的守候》的导演和渊与《喜马拉雅天梯》《我在故宫修文物》的摄影师张华搭档,拍摄陕北说书的老刘和秦腔剧团的张进来。田野拍摄的副产品往往是爱情,摄影师张华就因此与《大河唱》执行导演、人类学博士杨宇菲喜结连理。录音师则是乔婧与老钱伉俪,这夫妻俩成天乐乐呵呵的,人见人爱。

  《大河唱》的拍摄采取长期田野的方式,与拍摄对象同吃同住同劳动,每个月基本按照拍二十天、休息十天的节奏。2016年6月开机,拍摄跨越了夏秋春冬又一冬,四个组加上特殊摄影师王恒一共拍摄了一千六百小时的素材,完成了对黄河流域四种主要民间音乐形式的深描式记录。《大河唱》的剪辑由经手过《大圣归来》《喜马拉雅天梯》《冈仁波齐》的包晓更牵头,为了达到不同于传统纪录片的感觉,剪辑团队更偏向于由有剧情片经验的人员组成。剪辑顾问德国人卡尔是《盲井》和《苏州河》的剪辑指导,剪辑师余曦是杜琪峰《毒战》《盲探》《单身男女》的编剧,他们与导演团队通力合作,用十二个月的时间完成了最后的剪辑。

  三千年不断流淌的音乐精神,三年多夜以继日的电影创作,最终化作一百分钟大银幕上的曼妙时光。民歌中那些自由而明媚的灵魂在旧时弥漫着礼教的空气中,温暖了多少孤独而无助的世人。所以,我们的乡愁除了舌尖,还应该有耳朵,那就是乡音与民歌。背井离乡,每个人的手机里都应该有一首来自故乡的歌。《大河唱》,THE RIVER IN ME。

  (音乐纪录大电影《大河唱》同名官方电影书已由乐府文化、北京联合出版公司推出。雷建军为该书作序推荐)

·孵化计划见证华语原创音乐剧“突破想象力”

2019-08-18 09:20:41

  “每次见到这样的演员,都想成为更好的创作者以不辜负他们。”《声入人心2》开播后,又一批优秀音乐剧演员获得极高的关注,而华语原创音乐剧《南唐后主》的编剧张吟昕,默默转发了一条同行的微博。上周末,上汽-上海文化广场“2019华语原创音乐剧孵化计划”五部入围作品迎来“中考”,吸引了近800名观众报名剧本朗读会。如何让作品与演员共成长,推动华语音乐剧原创力量如何突破想象力,大步前行,备受期待。

  想象中文原创音乐剧前所未有的作品

  现象级综艺节目《声入人心》带火了一批音乐剧演员,更让无数观众第一次走进音乐剧剧场现场观剧。但正如节目中演唱的歌单大半由外国音乐剧经典歌曲组成,国内音乐剧市场也十分依赖引进原版音乐剧撑票房。随着第二季热播,更多演员获得了知名度,观众正在呼唤更符合当代中国语境、表达中华美学的华语原创作品,体现中国音乐剧演员的精气神。

  自去年孵化计划公布以来,如何推动更多优质作品的诞生,为行业整体发展营造良好的机制,形成“人带戏、戏带人”的良性循环,这一连串问题都为业内人士所关注。据孵化评审王海笑介绍,孵化计划借鉴了外国英语剧创作流程,每个剧本却“都是中国人的故事、和生活息息相关的故事”。无论对创作者、观众,还是报名朗读会的音乐剧舞台一线演员,在看了那么多年“洋戏”后,这都是从中国血脉中流淌出的音乐和故事,在舞台“圆梦”的不凡经历。

  孵化计划长达一年,已成为文化广场耗时最长的项目。“这项目从市场角度看,几年时间内都无利可图,可大家仍不计回报地投身其中,因为这是剧院的责任——对行业长远发展有益的事,就只问耕耘、不问收获。”文化广场副总经理费元洪表示。“作为一个经常看音乐剧的观众,我希望看到没有看见过的作品,经历没有过的审美感受。”孵化导师、作曲家金复载直言不讳地对作品提出了极高的创新要求。

  而从77部原创音乐剧投稿中“杀出重围”的五部作品《对不起,我忘了》《为什么跳舞?》《南唐后主》《完美人生》和《生死签》,历经三个月打磨后,终于揭开了神秘面纱:《为什么跳舞?》融合拉丁舞曲和东北喊麦的“土洋结合”曲风,《南唐后主》以电音摇滚重新演绎的国风古韵,《生死签》以古典气质融合现代编曲勾勒出的悬疑风格……一些华语原创音乐剧以前所未有的尝试,让观众耳目一新,也让资深演员感慨终于可以“大胆想象中国音乐剧未来各种类型的发声,以更丰富的形式出现”。

  音乐剧创作模式的新实践

  业内专家则指出,此次孵化计划的亮点,也体现在音乐剧创作模式真正由“大腕中心制”向“创作中心制”转变。金复载分析,过去华语音乐剧创作难出精品,投入小的作品演一两场就悄无声息地消失,大制作也无法在市场长期生存,病灶之一正在于线性规划的创作机制,违背了音乐剧集体创作的规律。

  “过去请成熟的大腕儿、大规模投资做音乐剧,其实大腕儿在音乐剧领域并不专业,对投资人伤害也很大,造成了恶性循环。”孵化评审、上海音乐学院教授陶辛表示,通过专业的孵化平台,鼓励受过良好教育的青年人才进入音乐剧创作领域,是最值得期待的。此次孵化计划吸纳了来自上海音乐学院、上海戏剧学院等专业院校的不少青年人才,最年轻的入围创作者仅21岁,已对音乐剧舞台语言、音乐审美有较为专业的理解和把握,让人们看到了中国音乐剧“原生一代”强劲的创作潜力。

  “《巴黎圣母院》我看过三次,第一次来上海是2000年,第二次是英文版,这次法文版又有改动,而且改编极有意味,如此成熟的经典音乐剧作品都还在改动,很多经验是值得华语原创音乐剧吸取的。”陶辛说。音乐剧的诞生是集体创作,并非一次成型,需要不断打磨才能让作品走向成熟。年轻的团队经常会走到崩溃边缘,孵化计划将让华语音乐剧目前最前线的导演、作曲、制作人带着新鲜的经验,给年轻创作者在创作方向及可行性上点拨,也为他们提供市场和观众审美的指导,引导艺术家突破瓶颈、走出牛角尖,“成为自己”。

  除了一两部在2020年最终以市场化运作与观众见面的成品,更重要的是原创土壤的培育。本届“孵化计划”实践的新模式,有望让华语原创音乐剧突破“小作坊”模式,逐步建立工业化的成熟“生产标准”,不仅带出一批优质作品,也点燃青年专业人才的创作热情,让华语原创音乐剧有望在明星光环之外,获得更长远的发展动力。

  相关链接

  华语原创音乐剧孵化计划入围作品

  《对不起我忘了》

  编剧/作词:李宜橙 作曲/作词:阎毅

  程柯文死而复生,只为了完成和阎王的一个赌约——让自己完全不记得的人忘了自己。但在完成这个约定时,他意识到这并不是一个简单的任务。在这个过程中,他开始反思什么是爱、什么是责任、以及什么是活着的意义。

  《为什么跳舞?》

  编剧/作词:孙浩程 作曲/作词:何俊浩

  舞者杰克因为一次比赛失误后再也没法跳舞。回国后,只想骗钱的他误打误撞成为一个社区舞团的老师,队友们对舞蹈的热爱,使他认真了起来。但在舞蹈比赛海选现场,他的骗术被揭露,全团淘汰!真正的战斗开始打响,面对国际专业舞团的竞争,绝望的男主决定拿出杀手锏,创造一种sa l sa的新舞种对抗强敌……

  《南唐后主》

  编剧/作词:张吟昕 作曲/作词:张博

  南唐太子李从嘉拒绝接受父亲的遗诏后,目睹争夺太子之位的骨肉相残,让他在对抗和接受宿命之间纠结,内心撕裂成两半:一半是赤子和词人,一半是野心家和皇帝。面对爱情、亲情、友情和虎视眈眈的赵匡胤,他会做出怎样的抉择?

  《完美人生》

  编剧:姜嘉琳 作曲/作词:莫凯谦

  单亲虎妈安妮用心为儿子规划了完美人生,儿子却就要和歌手女友结婚成家,脱离她的计划。安妮想尽办法棒打鸳鸯,制造了一波又一波的爆炸性新闻让儿子相信女朋友不忠,结果伴侣反目、母子成仇……安妮决定要为儿子做最后一件事,让所有事情重修旧好。

  《生死签》

  编剧/作词:何莹 作曲:陈祺丰

  艺术总监:周可人

  七位高中生郊游,来到河中的一个孤岛,当他们沉浸在美酒、零食和游戏中时,意想不到的危险悄然而至。巨大的洪水即将淹没孤岛,只有一艘只够四人逃生的小船,谁走谁留?死亡步步逼近,生死抉择拷问着每一个年轻的灵魂……

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