西方合唱作品的发展过程，基本上与西方音乐流派的衍变相统一。因此掌握西方音乐流的发展脉络及其特点，对合唱作品的表演和欣赏有特殊的意义，既有助于全面认识合唱艺术历史遗产，也帮助我们把握现代音乐的发展方向。进一步探讨各时期合唱作品的表演风格与特征，更是指挥及演唱者必不可少的基础知识，十分有利于排练、演出，有利于合唱队的训练和建设。

　　作曲家在创作中表现出来的个性称为风格；彼此相似或者接近的个性集中起来就形成了流派。在相同的历史条件下，艺术家们的思想感情和思维方式容易接近，气质、方法、取材容易类似并且相互影响。于是形成某种流派，这就是通常流派出现于一定历史时期的原因。同时期可能出现多种流派，或接近或对立，它们在音乐史上发挥各自的影响，其中起主导作用的思潮就代表该时期的主流，称为时代风格。不过，风格的形成与发展并不服从时代的划分，同时代的作品可以风格不同，一定的风格也可以跨越不同的时代。何况合唱作品的诞生也许更为特殊。例如前人创作的歌曲被后人编成合唱曲，著名歌曲会有几个合唱版本流传；有时影响不大的歌曲被编成合唱作品后大大增色而扩大影响。歌曲作者和合唱编配者就可能采用了不同时代流派的创作手法，却巧妙地融汇于一部成功的作品之中。社会的文化现象是复杂而多变的，一首作品的风格特征，只能从具体作品本身来研究确定。

　　西方合唱作品的风格特征基本上可以按照西方音乐史的各个时期去掌握。

　　一、文艺复兴时期(1450-1600)

　　15世纪以前，音乐主要服务于宗教教义。文艺复兴时期人文主义的兴起，削弱了宗教音乐的统治地位，城市平民和文人主张歌颂世俗和理性，提倡科学，主张音乐为人服务，农民也跟着觉醒，加速了封建制度的崩溃，音乐开始走向民间。该时期的音乐逐渐脱离教会规定的调式，向大、小调发展，连教会音乐也开始描绘大自然，去表现人的感情。在形式和技法上是复调发展的高峰，合唱各声部起着同等重要的作用，由一个声部呈示主题，其他声部依次追随模仿。声部之间大量采用协和音程，只有在情绪非常激动时才谨慎地选用不协和音，变化半音是避免的，“高潮”这个概念是没有的，终止式很不明显，渐慢、渐弱也不使用。这个时期的弥撒曲和经文歌本质上还是非人格化的，不能掺入戏剧性的处理，不使用波动的人声；世俗音乐和牧歌可以稍自由一些，还应保持一定程度的抑制，不能豪放。节奏要严谨，按照歌词的需要安排重音，不以小节强弱拍规律来演唱，速度必须做到平稳流畅，适当控制声部间的退让，使声部间的交错、楔榫妥贴，才能排练好文艺复兴期的作品。这时期的合唱作品都是无伴奏的，使用乐器也只是重复合唱声部。

　　主要作曲家有：杜费、奥凯亥姆、依萨克、加布里埃尔、帕莱斯特里那、拉絮斯(拉索)、莫尔来、吉本斯等。

　　二、巴洛克时期(1600—1750)

　　这是欧洲从封建社会向资本主义过渡的时期，君主国家走向繁荣，宫廷的权力和财力扩大，统治者热衷于扶持艺术，宫廷音乐和沙龙音乐盛行，为贵族服务的音乐显示出豪华和娇柔的气息，刻意修饰成为风尚。但是音乐家自己生活在人民中间，他们的社会地位是十分低下的，所创作的音乐也表现普通老百姓的悲惨遭遇，富于感情，体现了音乐家对客观世界的感受和态度。歌剧的产生和发展成型是这个时期的标志，清唱剧、大合唱及歌曲、组曲、协奏曲、奏鸣曲等样式纷纷出现并且逐渐巩固下来，为古典乐派的诞生奠定了基础。巴洛克流派先后在意大利、法国、德国和英国昌盛，涌现了一批对后世很有影响的作曲家，如斯卡拉蒂、维瓦尔第、巴赫、亨德尔等。巴洛克音乐追求表情和动力；强调情感的表现，汲取民间音乐的养料，旋律的表情作用日益重要，主调音乐的比重渐渐增加，复调退居从属地位，乐句装饰音的缀饰、数字低音的即兴变化成为其特征。

　　巴洛克时期的合唱作品建立在大、小调上，和声功能已经肯定下来，和弦的功能作用和调高的转接关系都成为音乐表现的主要因素，复调手法服从和声功能的框架。小节线划分强弱拍率的作用也已确立。处理这类作品时要找出乐句的高点，分层次地安排所有强拍的力度对比，使各声部形成交错关系，此起彼伏，相互牵制，在严谨的节奏和稳定的速度进行中；充分利用休止、弱起、切分、延留音的作用，赋予推动力；渐强和渐弱没有太大的幅度；是一层层地推进或者递减的，往往与段落和调高转换一致。巴洛克音乐一般是中速的，极快和极慢的处理应避免，乐谱上标记的速度术语主要说明作品的性质，如快板是指朴实、愉快、活泼；慢板是指宽广、虔诚。渐快和渐慢是没有的。亨德尔的合唱作品末尾常用largo来结束，应处理成放慢一倍，而不是真正的largo如速度。巴洛克作品的延长记号是呼吸气口，并非自由延长。合唱作品的伴奏应用断奏，弦乐分弓，管乐吐音，防止速度加快。当时的标准音高比今天约低半音，若用记谱的调高演唱可能过于明亮，应要求演唱时调整合唱的音色，以符合时代风格。

　　由于受到宫廷的庇护和影响，巴洛克音乐有浮华、炫技和过分追求形式美的弱点，往往缺乏真挚的感情。可以认为合唱这个艺术品种是在这个时期正式确立下来的，不乏经典之作，但是巴洛克音乐与现代人的感情差距较大，掌握其艺术风格也比较困难。今天只有少数艺术素养较高的合唱队安排演唱巴洛克作品，这种音乐会也就带有点学术意味了。作为承前启后的一个重要时期，尤其是孕育着辉煌的古典乐派的时期，充分了解它是十分必要的。

　　主要作曲家有：加布里埃利、佩吕、蒙特威尔第、许茨、普赛尔、斯卡拉蒂、维瓦尔第、巴赫、亨德尔、佩戈莱西等。

　　三、古典时期(1750-1820)

　　法国资产阶级革命影响到整个欧洲，艺术的面貌也随之更新，音乐从以宫廷为中心的贵族文化中解放出来，成为一门独立的艺术。巴赫、亨德尔所代表的巴洛克高峰，已经逐渐为古典时期的新风格所取代、文艺领域中相继产生罗可可、启蒙运动、狂飘突进等新思潮。罗可可艺术抛弃了巴洛克艺术的宏伟，将庄重的装饰变成纤巧的精雕细刻，适应宫廷贵族的审美要求；曼海姆乐派和北德乐派。反映了中层社会资产阶级那种不满现状，提倡人的个性和情绪；狂飘突进则进一步荡涤启蒙运动那种妥协和改良的倾向。作曲家更多地表现普通人的情感和愿望，追求对大自然以及人类情感的理性化认识，揭示人性中伦理价值的启示。音乐不再是神的艺术或王公贵族的饰品了，作品中表现那些典型化的感情范畴，崇高、悲剧、优美这些美学原则已经建立起来，使得音乐常常富于哲理性。从音乐史上流派演绎的分类法来看，一般认为器乐进入主调音乐是古典乐派的标志。曼海姆乐派为古典时期开辟了道路。真正的顶峰是维也纳古典乐派，这个乐派的代表人物是海顿、莫扎特和贝多芬。海顿用通俗易懂的音乐语言和巧妙的作曲技法，为大型器乐曲奠定了结构基础，被称为交响乐之父。莫扎特表现了真挚、明快、乐观的精神面貌，体现了对光明、幸福的追求，晚期作品出现戏剧性的对比冲突，歌颂平民而批判贵族。贝多芬的作品更富于矛盾冲突，充分表现反抗不合理社会制度的顽强个性；其作品曲式结构严密，音乐内省而深邃，包含着深刻的哲理，他大胆突破传统，在作品中反映资产阶级上升期进步的思想实质——通过斗争取得胜利，这个主题直到今天仍然激励着千万听众。贝多芬把合唱植入了他的被誉为交响乐的顶峰的《第九交响曲》。从流派的特点来说，古典乐派的主要贡献在于巩固器乐样式、体裁及曲式，巩固主调音乐功能及和声体系，他们继承了文艺复兴和巴洛克时期的音乐传统，又大大推进了西方音乐的发展，成为西方音乐卓绝的传统的集中代表。

　　虽然古典乐派的主要成就在器乐方面，合唱作品相对不那么突出，但音乐上的特征是一致的。在表现时的要求也相同。古典时期的合唱作品谨慎地使用渐快和渐慢，速度标记是名副其实的，不能随意改动。渐强和渐弱的使用较多，但多数在一个音量等级之间。重复的乐段或乐句，如果初现时较弱，重复时必然较强，这是一条不成文的规律。不协和和弦予以解决的进行，明确的终止式，大、小调式的转换和远近关系调的转移都充分利用来表达内容，和声的功能作用成为主要的推动力。但是，古典时期音乐的感情仍然比较内省，表演时切忌过分夸张，这些作品结构清晰，段落分明，表现上含蓄，主要运用对比性手法表现矛盾冲突或者戏剧性题材，无论内容和情绪都应该是明确清楚的。

　　主要作曲家：格鲁克、海顿、莫扎特、凯鲁比尼、贝多芬等。

　　四、浪漫时期(1820-1900)

　　资本主义社会进入繁荣期，科技和工业大大发展，贫富两极分化日益加剧，艺术家们对现实不满，力图抨击社会，挣脱资本主义枷锁，于是产生了反传统、反习惯、反形式的浪漫派艺术。作曲家再不为雇佣他们的君王贵族写作，而自由自在地表达自己的愿望，创作思想大解放，他们倾心去表现那些不满现实并与之斗争的人的理想，追求幻想的、诗意的、假定的意境，乃至异国情调，当然也有偏颇的、盲目乐观的或者悲观厌世的倾向。总之，在作品中充分注入自己的丰富感情，强调个性解放，较强烈地反映了对现实的冷漠和反抗。浪漫派作曲家试图使音乐与绘画、文学等姐妹艺术相结合，这一倾向使标题音乐、歌曲和歌剧倍受重视，合唱常常出现在管弦乐、歌剧等大型作品中，连宗教题材也赋予世俗感情(实际上是为音乐会演出而创作的)，音乐已经完全摆脱了教会和宫廷，成为社会文化生活中非常活跃的部分。这时期的合唱作品强调结构和色彩，几乎都是主调音乐，大多有标题，作曲家随意使用不协和和弦、半音进行、含混的解决、不明确的终止和远关系转调等等手法，无拘无束地表现自我，抒发作者和演唱者的主观情绪。指挥和演唱浪漫派的作品也有了最大的自由，速度和力控的变化或对比大大增强了，虽然门德尔松等人主张恪守古典原则，保持规范的节奏和平稳的速度，但也有瓦格纳等人主张根据指挥对作品的了解来选择速度。在乐句的陈述中，一般随着音乐线条的上升有较明显的加速，而下降时则消退，这是指情绪而言，这种做法在古典时期的作品中是不能用的。速度、力度或表情的标记越来越细致，突强记号也颇为多见，渐快、渐慢和自由速度频繁使用。对待浪漫派的作品，最好能仔细分析作者意图中的一切细节，并且充分表达出来，也可有较大的自由融入表演者主观的感受，尽情抒发。

　　到了19世纪中叶，浪漫派作曲家积极汲取民间音乐的营养，许多作品的民族性格越来越明显，后人称之为民族乐派作曲家。如波兰的肖邦、匈牙利的李斯特、法国的圣-桑、古诺、弗兰克，捷克斯洛伐克的斯美塔那、德沃夏克，挪威的格里格，罗马尼亚的埃涅斯库，同时期俄国的强力集团及格森卡、柴可夫斯基。加之力图恢复古典精神的勃拉姆斯等等，这个时期留下了极其丰富多采的音乐遗产。　　

　　总的说来，浪漫派音乐家的作品有共同的特点，就是表现功能比结构功能更为显著。他们从古典和声功能体系出发，加强变音体系的运用，大量使用不协和和弦，并且进行到不正规的解决，创造高度的紧张感和新奇的效果；由于调性概念的扩大，较之古典时期模糊，作品的形式活泼多样，只保留曲式的概略，随内容的表现需要自由发挥，富有弹性，甚至呈现松散状态；旋律的风格各异，表情占完全主导的地位，富于表现力，十分动人；由于乐器制作日趋精良，演奏技术提高，器乐演奏领域出现了许多大师；管弦乐队发展到三管、四管大型编制，合唱与大型编制乐队的关系也密切了。浪漫时期的合唱作品，基本上是为音乐厅演出而创作的，与从前在宫廷、教堂的演出气氛不同，这一点也值得注意。

　　古典时期和浪漫时期是西方音乐的黄金时代，广大音乐爱好者直到今天仍然醉心于这两个时期的音乐，认为它们充分体现了最能为人类接受的欣赏内涵，也最符合音乐艺术的根本规律，即乐音的物理基础以由人接受音乐的生理、心理基础。音乐艺术归根到底是表现人的感情，音乐作品的外貌和内涵都要符合人类对美的追求，使人从音乐中汲取营养，得到愉悦、享受和启迪，才能具有社会功利价值和审美功利价值，被人们接受并认可。这些音乐所表现的人民性和思想感情，体现了人类的审美需求和审美理想，技术和艺术都达到极高的阶段。所以那些优秀的艺术珍品至今仍然令人为之共鸣、倾倒、激动、信服、受益，古典和浪漫派音乐的成就不愧为人类文化史上的丰碑，也为此后音乐艺术的发展打下了牢固的基础。

　　主要作曲家有：舒伯特、柏辽兹、罗西尼、格林卡、门德尔松、舒曼、李斯特、瓦格纳、威尔第、古诺、奥芬巴赫、弗兰克、布鲁克纳、勃拉姆斯、圣-桑、比才、柴可夫斯基、德沃夏克、苏利文、格里格、西贝柳斯、塔涅耶夫、埃尔加、马勒、理查-施特劳斯、莱格、拉赫曼尼诺夫等等。

　　五、现代音乐(1900- )

　　现代音乐反映了我们星球上人类复杂的精神面貌和历史文化，对于各种现代哲学、美学和文艺思潮的兴衰变幻，史学家们在分期分类上有各种不同观点。音乐上更是流派纷呈，一方面古典和浪漫的传统继续发展，派生出不同的或者相反的分支，另一方面又不断出现标新立异的新派别，相互交叉影响，至今还在演变之中几乎无法详细归纳说明。这里只是以两次世界大战为界线，分三个阶段介绍一些最重要的流派和其发展脉络。

　　第一次世界大战前，后期浪漫派发展演变而出现了两个主流派别：

　　1、印象主义——这是与浪漫派相对抗的乐派，反对浪漫派那种基于个性和情感的表现意识，而强调瞬时感官刺激的感受，表现朦胧、飘忽的意趣，追求新颖的音乐效果，故意突破传统规范，破坏传统的逻辑性，实际上是一种音响的象征主义。首席代表人物德彪西，他将自己的主观感受转化成朦胧、幻想、带有神秘色彩的音乐作品，旋律、和声、节奏等一概不据理性安排，凭借随意的情感和情绪，在技法上有许多新的尝试。他的作品手法简练，缺乏明晰的节奏和紧张度，速度以中慢为主，力度比较温和，常采用相互并无功能关系的色彩性变化和弦，使用中古世纪的调式、全音阶和五声音阶，为的是显示特有的色彩效果。演唱印象派作品时不能有过分的强拍，有人说应该有一种“悬在空中”的感觉。这一流派的其他成员如拉威尔、杜卡、沃恩-威廉斯等人，并不完全追随德彪西，各自有不同的发展。

　　2、表现主义——与印象派反其道而行之，是后期浪漫派的深化，强调表现主观感情，表现自我矛盾、冲突、恐惧、忧愁之类比较极端的感受。音乐上的特征是紧张、强烈、尖锐，节奏复杂，变速频繁突然，打破拍率的强弱规律，用记号来标明重音所在，强弱对比达到极限。表现主义在绘画上为了表现的目的将现实中的描写对象加以变形处理，音乐也不再遵循传统而采用“革命技法”，这个派别的典型代表是十二音体系，它由勋伯格为首从后期浪漫派的“调性崩溃论”观点出发，开创无调性乐派而形成。除了否定调性以外，表现主义采用极不对称的节奏和随心所欲的自由曲式，旋律中常出现无规律的大跳进行，作品中使用极端的音区和大量不解决的不协和和弦，使力度、密度和音色变化非常强烈，达到尖锐、刺激、怪诞的效果，有高度紧张感和强烈的心理刺激作用。所选择的题材也是抽象和病态的，可以明显感到弗洛伊德心理学和尼采“超人”哲学的影响。这个流派的自我主义使他们的作品脱离了公众的审美习惯，其曲和者甚寡。

　　第一次世界大战后，意大利首先出现了未来派，首先把音乐扩展到噪音范围，企图反映工业化时代的特点，其他欧洲国家也出现过类似思潮，还有使用微分音进行创作的，如二十四律等，但都没能形成重要流派。这段时期音乐发展的动态主要有下面几个方面：

　　1、民族乐派的发展——如巴托克、柯达伊、埃尔加等人，充分利用本民族音乐的特色，承袭浪漫派的传统，吸收印象派和表现主义的技法来进行创作。这段时期的苏联音乐也独树一帜，俄罗斯民族乐派得到继承和发展，如格里埃尔、哈恰图良、肖斯塔柯维奇、普罗柯菲耶夫等人，作品很多，手法现代，苏联的合唱作品及合唱活动也十分繁荣。

　　2.、新古典主义——用古典主义精神来抵制泛滥成灾的印象派和浪漫派，追求感情和形式的平衡，力求技法完美，结构工整，避免非音乐因素的干扰，认为技巧应在感情之上，他们祟尚学术上的高水准，贬低标题音乐。新古典主义的作品节奏旋律线条清晰，对表演有较高的情绪要求，旋律比较有棱角，节拍多变，不协和和弦用得很多，也重视复调写作，总的说来，这个流派相对理性化，有点冷漠，他们的作品理瑜并见。代表人物有斯特拉文斯基、亨德米特、“法国六入团”等。

　　3、新浪漫主义——继续在浪漫派的道路上发展，追求感情和温暖，采用丰满而带有抒情意味的和声，他们避免和声、节奏的复杂化，只在高潮和情绪十分激动的地方才使用不协和和弦，他们的作品有丰富的音响变化、不断的高潮，虽然不一定宏大深刻，却感人动听，很受音乐爱好者的欢迎，他们的合唱作品也特别多。代表人物有托赫、奥尔夫、汉森、瓦尔顿、克荣斯顿…巴比尔等。　　

　　第二次世界大战以后，西方音乐发展的特征是两个极端，一方面是进一步理性化，由十二音体系发展到序列音乐，除了在音高的顺序上运用数学排列组合追求逻辑性，还力求在声音强度、节奏、密度、和弦等方面都达到序列化。于是作曲成为运算，终于求助计算机和电子合成器。作曲家有梅西安、斯托克豪森、布列兹等。另一个极端是反理性的，有具体音乐、偶然音乐、电子音乐、点描音乐等。这些音乐有的运用录音技术中的变速、倒放、重叠等方法人为地制造各式音响组合；有的使用生活中实录的音响作为素材，结合常规和非常规地使用乐器，夸大随机即兴性的演奏演唱；还有的用高技术发明特有的声源。总之，为了追求新的音色和效果，五花八门、无奇不有，这类带有极强实验性的先锋派音乐的发展是难以预料的。

　　标新立异是现代派音乐发展的特点，每个作曲家都可以通过各种渠道寻求出路，使得每个人、每部作品都各不相同。很难归纳共同的特征。应该说现代派音乐是一个有待研究的领域，好在现代的合唱作品常附有文字说明，指导我们去排练演出。

　　音乐上的流派演绎并不等同于政治风云的变幻，新流派的出现决不意味着旧流派的灭亡，相反旧流派往往有更强的发展能力。从合唱这个艺术品种来看，虽然也有一些现代派作品问世，但影响都不大。直到现在。多数作曲家主要还是遵循古典、浪漫以及民族乐派的传统进行合唱曲的创作，当然也会吸收各现代流派的技法，包括融入一些先锋派的技法。另一点也值得注意，流派风格不能绝对地以时代或人物来划分，梅西安等人致力于序列音乐，也从事对立派别的试验；斯特拉文斯基的一生从俄罗斯民族乐派到原始主义、新古典主义，后期还涉足序列主义领域，这都说明了在如何把握西方音乐流派和风格的时候，不能僵化地看问题，尤其现代音乐作品多是各种流派相互渗透交叉的结果，应该慎重客观地作具体分析，更不能不加选择地排练演出，选定的曲目要按照风格特征来加工处理。

　　各种流派、各种主义从不同的方面去开拓音乐艺术的表现能力，凡是合理的部分将会保留下来，进一步发展；糟粕将被淘汰，这是不以人的主观意志为转移的，不管还会出现何种流派，进行什么探索，优秀的音乐遗产将作为人类文明宝库中的精华永放光彩。指挥和演唱是对音乐作品进行再度创作加工的艺术活动，我们先要理解作品才能进入表演，还要投入感情活动使演出真挚感人。盲目或者凭直觉来对待作品是不可靠的。难免失之准确甚至曲解，如果正确了解音乐史上各流派的发展和特征，对作品有了深入的认识。学习指挥与合唱就会觉得更为容易一些了。