近期，《我是歌手》节目热播，歌手们的各种“翻唱”成为节目的一大推介亮点。韩红、孙楠、古巨基等实力派歌手，都具有较强的演绎能力和个性风格，在翻唱别人作品的同时，都不会像初出道的歌手那样以“模仿”为主地单纯翻唱，而是多多少少以自己标志性的“腔口”进行有意无意的“改编”，并成为电视节目吸引观众的卖点。

　　笔者聆听了几位大歌手的演唱，感觉经典歌曲经由这些唱做俱佳的实力歌手演绎，确实达到很好的现场效果。尤其是经过重新编曲和配器，加入更多时尚的元素和强化了的音乐现场感，使作品的演绎令人耳目一新，非同凡响。由于多数被翻唱的作品，非歌手本人的原创，除了因编曲不同而产生的音乐曲调“外部”变化之外，在演唱中还不时出现原有歌曲旋律音调、节奏、速度等重要音乐“内部”元素被改动的情形。如孙楠唱《至少还有你》中多处曲调音高和节奏与原来曲作者的创作有较大出入，音乐风格与原曲（首唱）大异其趣。

　　早在2013年《我是歌手》节目中，羽-泉组合在节目现场翻唱了歌曲《烛光里的妈妈》，观众都被感动得泪水涟涟。而作为这首歌的曲作者，谷建芬后来从朋友那里才知道自己的作品已经“变了脸”，基本被“唱翻”了。比谷建芬更恼火的是这首歌的词作者李春利，不仅原歌词被改动8处，连她的署名都被弄错了。当时词曲作者都进行了维权，但中国知识产权乱象使维权“一直在路上”。

　　我们知道，音高和节奏是区别歌曲不同内容和风格的最显著因素，正如变奏曲变奏的主要手法就是从这两大要素着手的，如果变奏超出了一定的度，就转为“性格变奏”了。虽然孙楠的演唱还在“装饰变奏”的范围内，但旋律中多处“离谱”让我们不得不考虑一下曲作者的感受。

　　艺术作品在完成创作之后，多数情况下的演绎和解读是由他人来完成的。作者之所以写成“这样”，总是有自己的设想和表达意向的。一般来说，创作者还是很关注自己的作品被如何解读的问题。音乐作品如同文章，发表之时便已成型，除非作者自己修改，多数作者并不欢迎别人对自己的作品“动手动脚”，更不欢迎别人无端颠覆自己的创作。作曲家金湘曾经谈到，有歌手认为他的作品“有点拗口”、“难唱”，请他修改曲调，他坚决予以拒绝，说宁可自己的作品不要被传唱，也不要因为你觉得“难唱”而修改。

　　演唱者演绎他人作品，首先要尽可能地忠实原作。因时代、环境、条件等因素的变化适当进行一定的“改编”，原作者也是可以认同的。如谷建芬在自己作品被“唱翻”后说：“改编不是不可以，对于一首20多年前的老歌，用与时俱进的创作态度加入时代元素，是件好事，但前提是要按法律程序把事情做漂亮，否则就会造成负面影响。”

    一直以来，我们对于“二度创作”的重视一直高于“原创”，集中表现为“表演至上、“演员至上”，“歌手值钱、歌不值钱”。这些观念导致中国音乐原创力不足，原创者处于被动屈尊的地位。维权无门，原创者多数只能发出“难为情”的无奈感慨。在国内，“歌手出场几十万、词曲作者只捧杯”的现象见怪不怪，“《十五的月亮》十六圆（元）”成为作曲家们互相安慰和调侃的话。

    音乐需要二度创作，但二度创作需有“度”！“翻唱”可以，但不要“唱翻”了！